Desde hace ya más de 30 años, ‘El Jueves’ lleva dando caña cada semana a la sociedad y política españolas. En una situación como la actual en la que las revistas dedicadas al cómic tienen una existencia bastante complicada, es una buena noticia que esta al menos conserve su buena salud.

Al margen de los chascarrillos a costa de la actualidad nacional, lo más interesante de ‘El Jueves’ es su plantilla de personajes fijos, que ofrece historias divertidas y una plataforma para dar a conocer a los autores jóvenes de nuestro país. En este post quiero comentar mis personajes favoritos de esta publicación, pero espero conocer también los vuestros.

1. Makinavaja

El clásico juevero por excelencia (el título podría disputárselo ‘Martínez el facha’, pero a mí personalmente me parece un coñazo). El humorista Ivá creó a este personaje en los años 80, creando una mezcla perfecta de chorizo de poca monta y filósofo urbano. EL mayor acierto de su autor fue su forma de transcribir el lenguaje coloquial y callejero de nuestro país, de una forma que nadie ha conseguido superar desde entonces.

Además de los cómics, Makinavaja dio el salto a la televisión y el cine (en este caso, interpretado por Andrés Pajares, sobran los comentarios), y también al teatro. Lástima que Ivá muriera y ya sólo nos quede disfrutar de las incesantes reediciones del “último choriso”.

2. Silvio José

Este personaje es el paradigma extremo de los parásitos sociales que aún viven en casa de sus padres a pesar de tener más de 40 tacos. Su autor, Paco Alcázar, es un verdadero crack del humor negro y el mejor fichaje reciente por parte de ‘El Jueves’. Sus historias destacan especialmente por sus afilados y extensos diálogos y por las surrealistas aventuras en las que se ve inmerso el protagonista.

Los personajes secundarios también son muy destacables, a la altura del desquiciado Silvio José, que se ha convertido en el Ignatius Reilly del siglo XXI. Y si os gusta el autor, no os perdáis la recopilación ‘El manual de mi mente’, libro de cabecera del humor ácido español.

3. La Parejita

Lo que comenzó como una divertida serie en la revista ‘Puta Mili’, desembocó en la mejor disección que se ha hecho por aquí de la vida en pareja. Resulta casi imposible no sentirse identificados con las peripecias domésticas y amorosas de Emilia y Mauricio. Últimamente han flojeado un poco desde la aparición de su hijo, pero bueno, son cosas del desgaste del paso de los años.

Su creador, Manel Fontdevila, también participa en la estupenda ‘Para ti que eres joven’ junto a Albert Monteys.

4. Clara… de noche

Otro personaje emblemático de la publicación. Además de las razones obvias, su encanto también reside en unos argumentos bastante divertidos, con muchos altibajos, pero que suelen sacarnos alguna que otra sonrisa. Pero si Clara es quien es, se debe al magistral dibujo de Jordi Bernet, cuya maestría con el pincel y la figura femenina está fuera de toda duda.

Clara lleva ya un buen puñado de años ejerciendo dos antiquísimos oficios, el de puta y el de madre, y ni el SIDA ha acabado con ella ni ha tenido que recurrir a la Super Nanny para que eduque a su hijo. ¡Muérete de envidia, Erin Brokovich!

5. Tato

Silvio José lo ha desbancado en lo que a parásito social por excelencia se refiere, pero Tato sigue dando guerra con sus ocurrencias y su vagancia suprema. Recientemente se ha emancipado, pero sus mejores historias son las primeras, cuando aún era un simple pizzoleto al que sus padres no lograban sacar de casa ni a tiros.

Mención especial merecen las cucarachas que aparecen de vez en cuando con sus peculiares planes. Del resto de secundarios, poquita cosa, la verdad.

6. Ortega y Pacheco

Las páginas de estos personajes destilan mala uva a raudales, especialmente por las caricaturas que hace su autor, Pedro Vera, de personajes famosos. Gente como Michael Jackson o los frikis telecinqueros dan aún más grima en sus dibujos que en la realidad, lo cual ya es difícil.

Ortega y Pacheco son dos cazurros de tomo y lomo que compiten con Silvio José en lo que a humor gamberro y psicotrónico se refiere. Sus inicios en forma de tira no me llamaron demasiado la atención, pero en cuanto dieron el salto a la página completa empezaron a ganarse mi simpatía.

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Las series americanas siempre han tenido un gran filón del que tirar para crear sus argumentos: la familia. Desde las visiones más ñoñas a las más ácidas, todas han tratado de reflejar el american way of life a través de personajes más o menos reconocibles que conviven bajo el mismo techo. Esto es algo que en España también se ha hecho, pero mi psiquiatra me recomendó qe evitara ‘Los Serrano’ o ‘Médico de familia’ si quería seguir durmiendo por las noches.

Así que este post va dedicado a esas series que tanto me entusiasmaron (y lo siguen haciendo), pero centrándome en la figura clave de todas ellas: el padre de familia. Las risas que me he echado con los personajes que cito a continuación son incontables, y muchas de sus frases se me han quedado grabadas de por vida. Si queréis añadir algún padre inolvidable a la lista, no dudéis en hacerlo.

1. Homer Simpson

Sin duda, el padre de todos los padres, la parodia más divertida y certera de los cabezas de familia de finales de siglo (al menos, de los americanos). Si bien en un principio las travesuras y ocurrencias de Bart eran uno de los pilares de la serie, su padre no tardó en robarle el protagonismo y en convertirse en el personaje más entrañable de la ya mítica ciudad de Springfield. Ser un barrigón tragacervezas y bobalicón se convirtió en un orgullo gracias a él.

Frases memorables: “Brindo por el alcohol, causa y a la vez solución de todos los problemas de la vida”; “Ya sé que no rezo muy a menudo, pero si estás ahí, por favor, sálvame Superman”; “La vida es una aplastante derrota tras otra, hasta que acabas deseando que se muera Flanders”; “¡Mosquis!”

2. Herman Munster

Muchos niños querrían tener un padre así, aunque sólo fuera porque en el colegio ningún profesor le llamaría a su despacho para contarle las travesuras de su hijo. Construido a partir de fragmentos de muchos hombres, Herman es un cabeza de familia atento, protector y, cómo no, también bastante corto de entendederas. Su papel en la serie es divertidísimo, aunque el vampirete del Abuelo no deja de competir con él a la hora de arrancarle las mayores carcajadas a los espectadores.

Frases memorables: “Van a poner un episodio del cerdito Porky y tengo que verlo desde el principio para poder seguir el argumento”; “Ya que va a fugarse con mi mujer, quiero asegurarme de que es un hombre de principios”; “Goody, goody, goody!”

3. Al Bundy

Estamos ante todo un ejemplo a evitar. Al tiene un empleo sin futuro en una tienda de zapatos, su odio hacia su familia es tan grande como su amor por los deportes, es asiduo del póquer y hace los comentarios más afilados que se han podido ver en la tele en mucho tiempo. Y aún así, le coges más cariño que a tus Mortadelos de la infancia. Al es el rey indiscutible de ‘Matrimonio con hijos’ y por mucho que los demás personajes lo intentaron, jamás consiguieron hacerle sombra.

Frases memorables: “Si Dios hubiese querido que las mujeres jugasen al fútbol, las habría hecho hombres”; “Peg, estoy celoso de todos los hombres que no están casados contigo”; “Soy el único tipo del mundo que tiene que despertarse para tener una pesadilla.”

4. Peter Griffin

Podemos considerar a Peter como la vuelta de tuerca definitiva a los padres de familia televisivos. Todos los vicios, defectos y estupideces que caracterizaban a todos sus predecesores, el señor Griffin los lleva al extremo. Su competencia por ser el personaje central de la serie es muy grande (quién puede resistirse, por ejemplo, a los encantos de su hijo Stewie), pero eso sólo le anima a ser aún más disparatado. Desde luego, es mil veces mejor que su nefasto hermano el ‘Padre Made in Usa’.

Frases memorables: “Esto es más horrible que acostarse con un rinoceronte que ya no te quiere”; “Si no enseñamos a nuestros hijos a leer, ¿cómo sabrán que hay en la tele?”; “Hijos, papá sólo bebió para que la estatua de la libertad se quitara la ropa”; “¡ZAS, en toda la boca!”

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Cuando una serie o un personaje tiene éxito, no tardan en salirle imitadores más o menos afortunados que tratan de aprovechar su tirón entre los lectores. Pero además del fenómeno de la imitación, también se produce otro mucho más interesante: el de la parodia.

Una buena parodia parte del conocimiento profundo de la obra original, y podemos encontrar desde la historias golfas de los doujinshis japoneses hasta las hilarantes adaptaciones de las que voy a hablar a continuación. Para disfrutar de estas obras al máximo es necesario conocer los cómics originales, pero nada impide que podamos leerlas a ciegas por el simple hecho de pasar un buen rato con el humor de sus autores.

1. ‘eSeDé’

El título de estas historias cortas publicadas originalmente en la revista ‘Kame’ hace referencia al estilo caricaturesco y cabezonil conocido como Super Deformed, del que David Ramírez es un destacado exponente. Cada una de estas historias parodia una serie de manganime diferente, entre las que encontramos ‘Sailor Moon’, ‘Evangelion’ o ‘Los caballeros del Zodiaco’, con su odiado Seiya al frente.

El dibujo de Ramírez aún estaba en proceso de evolución, pero su humor gamberro y sin complejos ya estaba en plena forma. Sin llegar a ser nunca hiriente, la forma en que trata a estos célebres personajes del cómic nipón te corta el aliento de la risa. Estas historias, junto con la serie ‘Niñotaku’, fueron recopiladas en un único volumen titulado ‘Humor amarillo’.

2. ‘Sergio Aragonés masacra Marvel / destruye DC’

El combo formado por Mark Evanier a los guiones y Sergio Aragonés a los dibujos nos ha dejado obras estupendas como ‘Groo el errante’ y ‘Boogeyman’. Su sentido del humor, marca de la casa, alcanzó cotas notables de hilaridad cuando se cruzó con los superhéroes de Marvel y DC.

Desde X-Men a Spiderman, y desde Batman a Green Lantern, pasando por el Capitán América o La legión de superhéroes; todos se han transformado en entrañables caricaturas envueltas en tramas de lo más disparatadas. Este cómic es ideal para los seguidores acérrimos de ambas editoriales, pero incluso aquellos a los que el tema pijamero les suene a chino podrán echarse unas risas con las geniales ocurrencias de este par.

3. ‘Arbillos’

Este volumen fue el pistoletazo de salida para la multitud de parodias que Enrique V. Vegas ha ido publicando en los últimos años: Vlade, Jellboy, Patrulla XL… Para esta parodia de ‘Alien’, Vegas trabajó conjuntamente con otros tres dibujantes y el resultado fue mucho mejor que el de otras entregas posteriores.

Además de algunas situaciones divertidas y de diálogos bastante descacharrantes, lo mejor de este tomo es su dibujo. La versión cabezona de Ripley y sus compañeros de reparto deja muy buen sabor de boca por su dinamismo en las escenas de acción y lo elaborado de los escenarios.

4. ‘Dragon Fall’

No podía faltar la madre de todas las parodias hispanas, la que Nacho Fernández y Álvaro López realizaron durante varios años a partir de la inmortal serie de Akira Toriyama. Gracias a ella, los fans de ‘Dragon Ball’ nos partimos el pecho con las desventuras de Sosón Goku, Vegetal y compañía por su estilo desmitificador pero siempre respetuoso con el original.

Poco a poco, los autores fueron añadiendo su propio estilo gráfico a la serie, y llegaron al punto de crear sus propias historias con ‘Dragon Fall GTI’, aunque ya no tenía demasiada gracia. Desde que terminó, la serie se ha reeditado frecuentemente en tomos demasiado pequeñines, pero que han servido para que los lectores más jóvenes hayan podido descubrirla. Una joya del humor patrio.

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Al igual que le pasa a muchos lectores, Superman nunca ha sido santo de mi devoción y no he terminado de encontrarle el carisma que muchos otros le otorgan. Así pues, aunque cada cierto tiempo me asomo a su serie regular, normalmente no tardo demasiados números en abandonarla.

A pesar de todo, a veces me he encontrado con especiales y series limitadas que no sólo me han parecido una maravilla del cómic pijamero, sino también obras indispensables para cualquier amante del 9º arte. Dentro de mi limitado conocimiento del personaje, los cuatro cómics que comento a continuación son algunos de esos que me han hecho quitarme el sombrero ante el último kryptoniano (bueno, según el momento no está del todo claro si es el último o no).

Curiosamente, y de esto me he dado cuenta tras repasar la lista, en los cómics que he escogido el protagonismo de Superman queda eclipsado en favor del de otros personajes, y su influencia queda reservada más bien a la de una idea o un símbolo de lo que suponen los superhéroes. Aunque es posible que esta circunstancia venga a reforzar lo que he comentado anteriormente.

1. ‘Es un pájaro…’

El protagonismo de Supeman en este cómic es secundario porque la historia se centra en un guionista freelance que recibe el encargo de escribir para la colección del célebre kryptoniano. Mientras que muchos se pondrían a dar saltos de alegría, nuestro protagonista no puede quitarse de la cabeza los recuerdos que le trae la lectura de Superman: la muerte de su abuela por la terrible enfermedad hereditaria de Huntington.

Con esta premisa, Steven T. Seagle construye una historia intimista que por un lado ahonda en las sensaciones más básicas del ser humano: miedo, soledad, sentido de la justicia… Y también aprovecha para dar unas certeras pinceladas sobre el papel y la esencia de los héroes, tomando como paradigma a Superman. Por su parte, Teddy Kristiansen aborda el apartado gráfico con su habitual tono pictórico y nos deja un resultado plástico excepcional.

2. ‘Las cuatro estaciones’

El combo formado por Jeph Loeb y Tim Sale nos ha dejado para la posteridad magníficas versiones de los superhéroes más conocidos, como Batman o Spiderman. En el caso del Hombre de Acero, la miniserie ‘Las cuatro estaciones’ es una joyita tanto visual como literaria. La historia está dividada en cuatro partes, cada una correspondiente a una estación del año, en la que diversos personajes del entorno de Superman se turnan para ejercer la labor de narradores.

Todo comienza cuando Clark Kent empieza a plantearse la posibilidad de abandonar Smalville. Lo mejor de este cómic es cómo recrea su pueblo natal y a los personajes que lo habitan, como Lana Lang o los padres de Clark. El Superman de Sale choca un poco al principio, con esa barbilla tan cuadrada y cierta expresión de tarugo, pero todo se olvida cuando nos dejamos envolver por el talento narrativo de este dibujante.

3. ‘Identidad secreta’

Perlas como ‘Marvels’, ‘Las historias jamás contadas de Spiderman’ y en menor medida ‘Siempre Vengadores’, son la prueba de que Kurt Busiek es uno de esos pequeños genios que aportan la sangre necesaria para renovar los cómics pijameros. La historia nos presenta la trayectoria vital de un personaje que durante toda su vida lleva la carga del nombre que le pusieron sus padres: al tener el apellido Kent, qué mejor que llamar al niño Clark para homenajear a uno de los símbolos del cómic yanqui.

Asediado por las bromas y burlas de sus compañeros de clase, el joven Clark descubrirá que tiene realmente los poderes del superhéroe de la ficción, pero en un mundo completamente real. De esta forma, Busiek hace gala de lo que mejor sabe hacer, humanizar a los superhéroes para crear una historia profunda, entrañable y, por encima de todo, entretenida.

4. ‘Lex Luthor: Hombre de acero’

La unión de Brian Azzarello y Lee Bermejo nos dejó la maravillosa novela gráfica ‘Joker’, pero antes de eso también se encargaron de otro emblemático villano de la Distinguida Competencia: Lex Luthor. Mientras que en ‘Joker’ la demencia de su protagonista obliga a que la historia sea contada por un personaje externo, en este cómic Luthor hace las veces de narrador y roba todo el protagonismo a Superman.

Azzarello analiza con exhaustivo acierto las motivaciones que llevan a Luthor a combatir a Superman y todo lo que representa. Se nos presenta como un hombre de a pie que trata de hacer valer su humanidad frente a la deidad que un día apareció en Metrópolis con su traje rojiazul. También profundiza en su megalomanía y sus delirios de poder, que le hacen pensar que siempre, a pesar de todo, está haciendo lo correcto.

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El periodo de la historia de Inglaterra conocido como la época victoriana se corresponde con el larguísimo reinado de la reina Victoria, que se extendió desde 1837 hasta 1901. Fue una época de gran prosperidad para el país, pero también muy interesante desde el punto de vista social, ya que bajo la moralidad y el puritanismo imperante entre sus ciudadanos, se escondían las mayores perversiones y los crímenes más atroces.

Esta circunstancia ha propiciado que muchos autores se fijaran en aquella época para ambientar sus historias. Hoy he querido destacar cuatro cómics que retratan, cada cual a su estilo, la vida y el ambiente del Londres de mediados-finales del siglo XIX. Todos tienen en común, también, que nos cuentan cruentos asesinatos que tuvieron lugar bajo la aparente placidez de la aristocracia.

Si os interesa el tema, también hay muchas novelas ambientadas en la época, así como el divertido juego ‘El club de los martes’, que nos pone en la piel de unos aristócratas ingleses que participan en el desafío intelectual de resolver enigmáticos crímenes.

1. ‘Fog’ (Norma Editorial)

Este es uno de esos cómics que te enganchan y que consiguen, sin demasiadas pretensiones, hacerte pasar un rato de lo más entretenido. La historia nos presenta a un investigador de Scotland Yard, un periodista y una arqueóloga que se verán envueltos en diversos crímenes en los que la crueldad humana se funde con lo sobrenatural.

La obra comprende seis volúmenes y nos cuenta tres casos diferentes, que se extienden a lo largo de dos álbumes cada uno. El guionista Roger Seiter construye unos enigmas sorprendentes y desarrolla con acierto a sus personajes. Sólo se le puede achacar que con los finales se desinfle un poco y no termine de redondear el conjunto. Por otra parte, me encanta el dibujo de Cyril Bonin, que capta a la perfección el ambiente oscuro y siniestro del Londres victoriano y hace un uso exquisito del color.

2. ‘Los Carruajes de Bradherley’ (Dolmen)

Roberto Pastor ya hizo una reseña en su momento de este manga, así que no me extenderé demasiado. La historia nos lleva hasta un orfanato femenino. Las chicas que viven allí tienen la esperanza de que el señor Bradherley, un rico aristócrata, las seleccione para llevarlas a vivir con él y formar parte de su compañía de teatro. Sin embargo, la realidad con que se encuentran las afortunadas resulta ser muchísimo más terrible de lo que pudieran imaginarse.

Aunque en la obra no se nos dice en ningún momento en qué país se desarrollan los hechos, por la estética y ambientación es evidente que debe ser la Inglaterra de finales del XIX. Hiroaki Samura da con este manga un nuevo giro a su estilo, aunque sin perder las credenciales que lo han hecho famoso. La crudeza de su dibujo casa a la perfección con esta historia tan inquietante.

3. ‘Asesinatos victorianos’ (Rossell Comics)

Rick Geary se documentó exhaustivamente para recrear en esta obra algunos de los asesinatos más famosos de esta época, recopilados originalmente como una serie de comic-books titulada ‘A Treasury of Victorian Murders’. En este volumen editado por Rossell nos encontramos, como no podía ser de otro modo, con Jack el Destripador. Pero también conoceremos las circunstancias que rodearon a la muerte de Abraham Lincoln y Mary Rogers (esta última también fue retratada por Poe en un relato protagonizado por su célebre detective Auguste Dupin).

Junto con esta precisión histórica, la obra gana puntos por el dibujo de su autor, cautivado por un blanco y negro de corte feísta heredero directo del genial y macabro ilustrador Edward Gorey.

4. ‘From Hell’ (Planeta DeAgostini)

No puedo olvidarme, por supuesto, de la magnífica aportación de Alan Moore al misterio que rodea a la figura de Jack el Destripador desde hace más de 100 años. Durante ese tiempo, han aparecido multitud de teorías sobre la verdadera identidad de este enigmático asesino. Con ‘From Hell’, el guionista británico no sólo aporta su propia versión, sino que recrea a la perfección el ambiente y las circunstancias que rodearon a estos estremecedores crímenes.

Por su parte, el dibujante Eddie Campbell adopta un exquisito estilo decimonónico para retratar a los personajes y las calles de Whitechapel, un barrio que hoy en día no tiene demasiado encanto, pero que antaño se convirtió en un infierno de calles laberínticas, tabernas de mala muerte y fumaderos de opio.

BONUS: Recientemente he descubierto otro manga ambientado en este periodo histórico. Se trata de ‘Kuroshitsuji’ (cuya traducción sería ‘El mayordomo negro’), escrito y dibujado por Yana Toboso. Está protagonizado por Sebastian Michaelis, un mayordomo de linaje demoníaco que sirve en una familia aristocrática inglesa. Aún no he tenido ocasión de leerlo, pero el dibujo es muy atractivo y su combinación de comedia y fantasía promete ser interesante. Ya hablaré de él en otra ocasión. Por cierto, también cuenta con adaptación al anime.

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En la primera entrega de esta serie de posts dedicados a los grandes autores del cómic español, me centré en el periodo de los años 60 y 70. Ahora damos un salto atrás en el tiempo para encontrarnos con los dibujantes que formaron parte de la llamada generación Bruguera.

La editorial fue fundada en 1910 bajo el nombre de El Gato Negro. Además de publicar numerosos libros, también dedicó buena parte de su producción a los cómics. Sus principales aportaciones fueron las revistas ‘Pulgarcito’ y ‘DDT’, en las que publicaron los autores de los que voy a hablar a continuación. Estos comenzaron su carrera en los años 40, y buena parte de ellos procedían del campo de la animación, concretamente de los estudios Chamartín.

Bruguera tuvo un papel fundamental en la renovación y asentamiento del cómic español, que vivió durante estos años su época dorada. No obstante, su trato hacia los autores no fue demasiado bueno, ya que se quedaban los derechos de sus creaciones y muchas veces empleaban a autores de segunda para dibujar a los personajes más conocidos cuando sus creadores no daban abasto para satisfacer la demanda de los lectores.

Bruguera desapareció en 1986 tras ser absorbida por el Grupo Zeta, que la convirtió en Ediciones B.

1. Francisco Ibáñez

Ibáñez ha entrado por méritos propios en el cuadro de honor de la historieta española, especialmente por haber creado a Mortadelo y Filemón, los máximos exponentes del cómic patrio que ya han cumplido medio siglo de existencia. Al margen de ellos, tiene otras excelentes creaciones como ‘13 Rue del Percebe’ y ‘Rompetechos’.

Aun hoy en día sigue atado a su mesa de dibujo para crear nuevas historias de sus célebres agentes de la TIA. Ya no son lo que eran, desde luego, pero su trabajo es un referente para todo historietista español que se precie.

2. José Escobar

Su aportación más recordada al género son los traviesos gemelos Zipi y Zape, que aparecieron por vez primera en 1948. Con el paso del tiempo, la familia Zapatilla dejó de ser un reflejo de la realidad española (pues sus valores o castigos como el cuarto de los ratones estaban más desfasados que la frenología), pero a pesar de todo sus pizpiretas gamberradas siguieron divirtiendo a los lectores durante décadas.

Escobar también creó al hambriento ‘Carpanta’, que ya se ha convertido en un personaje de nuestra cultura popular; y a la divertida ‘Petra, criada para todo’.

3. Raf

Raf comenzó con un estilo gráfico muy similar al de sus contemporáneos, aunque poco a poco fue desmarcándose hasta conseguir un sello muy personal y de calidad. Centró buena parte de sus historias y personajes en el mundo de los detectives y los enigmas, siempre, por supuesto, desde una óptica humorística.

En ese sentido, su personaje más célebre es el aristócrata británico ‘Sir Tim O’Theo’, creado en 1970. También es muy divertida la serie protagonizada por ‘Mirlowe y Violeta’, que llegaría un poco después. Raf también dibujó cómics dirigidos al público adulto como ‘La brigada capadora’, que apareció en la revista ‘Puta Mili’.

4. Manuel Vázquez

Personalmente, es uno de mis autores favoritos de esta etapa. Vázquez comenzó su carrera muy joven, en los años 40, y empezó a despuntar con la creación de personajes como ‘Las hermanas Gilda’ o ‘La familia Cebolleta’. Lo suyo fue siempre el humor absurdo e irreverente, y tuvo también grandes aportaciones al cómic para adultos con obras como ‘Mujeres o diosas’, ‘¡¡Vámonos al bingo!!’ y ‘Vázquez, agente del fisco’.

Su personaje más inmortal es ‘Anacleto, agente secreto’ (que apareció a mediados de los 60), una lectura ideal tanto para jóvenes como para adultos, en la que su sentido del humor alcanza cotas de auténtica genialidad.

5. Miguel Bernet Toledano (Jorge)

La familia de este autor está estrechamente relacionada con el mundo del cómic, pues su hermano Joan creó series como ‘Altamirano de la cueva’ o ‘Los guerrilleros’ y su hijo es el hoy célebre dibujante Jordi Bernet.

Miguel, que siempre fue conocido por el seudónimo Jorge, comenzó a trabajar para Bruguera en los años 40. Su creación más importante es la solterona y maquiavélica ‘Doña Urraca’, que apareció en 1948 y se ha convertido en un paradigma de los personajes de aquella época. Desgraciadamente Miguel murió joven, con apenas 40 años, así que los lectores nos quedamos sin poder conocer su verdadero potencial.

6. Guillermo Cifré

Al igual que Jorge, Cifré también murió joven, si bien su carrera fue lo suficientemente prolífica como para dejar una huella destacada en el cómic español. Creó para Bruguera su personaje más famoso, ‘El repórter Tribulete’, un alocado periodista que siempre se mete en líos al ir a la caza de la noticia. También, aunque es menos conocido, creó a ‘Don Furcio Buscabollos’, cuyas andanzas por desfazer entuertos se ambientan en la Edad Media.

Cansado del trato recibido por parte de Bruguera, fundó la revista ‘Tio Vivo’ junto con otros dibujantes como Peñarroya y Escobar, aunque desgracidamente no tardaron en cerrarla por problemas económicos.

7. José Peñarroya

Peñarroya creó numerosos personajes para Bruguera que quizá por separado no tuvieron tanta fama como los de otros autores, pero que sirvieron para asentar la estética y la orientación de publicaciones como ‘DDT’ o ‘Pulgarcito’. Solía acudir a arquetipos de la vida cotidiana, personajes normalmente inocentones, como ‘Don Pío’ y ‘Gordito Relleno’.

Sus primeras páginas estaban plagadas de viñetas y cargadas de diálogo, al estilo de las de la mítica revista ‘TBO’, aunque poco a poco fue aprovechando su experiencia en el mundo de la animación para dotarlas de mayor dinamismo y depuración. Durante su etapa en ‘Tio Vivo’, ya que Bruguera tenía los derechos de sus personajes, creó algunos nuevos como Pitagorín, el niño superdotado.

8. Martz Schmidt

Bajo este seudónimo se encontraba Gustavo Martínez Gómez, que además de trabajar en el mundo de la historieta, también dedicó muchos años al diseño y la publicidad. Durante su carrera creó muchos personajes, pero los fundamentales son dos. En primer lugar, ‘El doctor Cataplasma’ (1953), el sabio bajito y barbudo que trae de cabeza a su criada Panchita con sus experimentos y su tacañería.

El otro es ‘El profesor Tragacanto’, cuyo aspecto es similar al del anterior. Schmidt también se encargó del personaje de Doña Urraca tras la muerte de su autor, y creó una de sus mejores historias: ‘Doña Urraca en el castillo de Nosferatu’.

9. Joaquín Cera

Los dos autores que cierran esta lista son herederos directos de la estética y el humor de los autores de la generación Bruguera. De hecho, Cera entró a trabajar muy joven para la editorial en sus últimos años de existencia hasta que de sus cenizas surgió Ediciones B, con quienes ha publicado un buen puñado de obras.

Al igual que pasa con Jan, su personaje más conocido, Pafman, nació como una parodia de un superhéroe hasta que se fue desmarcando completamente del original. Hace muy poquito se ha editado ‘Agente Cero Cero Patatero’, con una nueva aventura de este peculiar héroe. Además de ser un estupendo dibujante, Cera ha sabido actualizar a nuestros días la frescura y el humor de los tebeos de antaño.

10. Juan Carlos Ramis

En solitario, Ramis creó a Sporty, un chaval gamberrete y pelopincho amante de los deportes. También creó a Mafrune, un secundario calvo y gafotas que aparece en todas sus aventuras, ejerciendo toda clase de empleos. Sin embargo, sus obras más importantes las ha creado en colaboración con Cera.

Por un lado, tenemos a los Xunguis, unos traviesos extraterrestres que han protagonizado un cómic y diversos álbumes a la manera del ‘¿Dónde está Wally?’. Junto con Cera también hizo una nueva versión de Zipi y Zape, que desgraciadamente se canceló hace un tiempo.

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¡Bienvenidos al maravilloso mundo de los cartoons! Para este fin de semana, he pensado que no hay nada mejor que reunirse frente a la tele (o más bien frente a la pantalla del ordenador) para degustar algunos dibujos animados de décadas pasadas al tiempo que ingerimos tantos panchitos como podamos.

Los cartoons son casi tan antiguos como el propio cine, y el primer ejemplo lo encontramos en ‘Fantasmagorie’, dirigido por Émile Cohl en 1908. Unos años después llegó ‘Gertie the Dinosaur’, que supuso todo un hito en el mundo de la animación. Su creador, Winsor McCay, también está detrás de uno de los primeros personajes de la historia del cómic, Little Nemo, sólo superado en antigüedad por The Yellow Kid, de Richard F. Outcault.

Desde entonces, los dibujos animados han evolucionado sin parar y nos han dejado personajes inolvidables por el camino. Por todo ello hay que dar las gracias a compañías como Warner Bros, Hanna-Barbera y Walt Disney, que dieron a luz a mitos de la cultura popular como Bugs Bunny, Piolín, Los Picapiedra, El oso Yogui o Mickey Mouse. A todos sus creadores, va dedicada esta lista.

1. ‘Red Hot Riding Hood’ (Google Videos)

Este cartoon dirigido por Tex Avery en 1943 se ha convertido en todo un clásico de la animación nortemaricana. Se trata de una hilarante parodia del clásico de Caperucita Roja, en el que el Lobo conduce un coche deportivo y Caperucita canta en un club nocturno. La escena más recordada es esa en la que el Lobo ve aparecer a Caperucita sobre el escenario. Su frenética reacción fue homenajeada en la película ‘La Máscara’, cuando Jim Carrey ve aparecer al personaje interpretado por Cameron Díaz. La censura de la época suprimió algunas escenas del montaje original, como la última escena en la que el Lobo se casa con la abuelita porque esta ha quedado embarazada.

2. ‘Duck Amuck’ (Youtube)

En este divertido corto creado en 1953, el Pato Lucas tendrá que enfrentarse a un animador con ganas de jarana que no deja de hacerle la puñeta cambiando los escenarios, su vestimenta o incluso borrándolo con su lápiz. Es, sin duda, uno de los episodios más originales del personaje, en el que se juega con todos los elementos propios de la animación tradicional.

3. ‘Rápido y rabioso’ (Youtube)

El Coyote y el Correcaminos fueron creados en 1949 por el conocido director de animación Chuck Jones, que se inspiró en un relato de Mark Twain (‘Roughing It’) en el que se hace referencia a la encarnizada lucha entre ambos animales. Todos sus episodios repiten unos esquemas básicos y unos gags recurrentes, y ya que en su mayoría me parecen divertidísimos, he decidido poner aquí su primera aparición. ¡Beep, beep!

4. ‘Transilvania 6-5000’ (Youtube)

De los cientos de historias protagonizadas por Bugs Bunny y su mítico “¿Qué hay de nuevo, viejo?”, me permito recomendar este episodio en el que el famoso conejo da con sus huesos en un castillo habitado por el típico conde vampiro. Todo es fruto de una singular confusión, puesto que Bugs tenía intención de ir a Pittsburgh, Pennsilvania; y termina en Pittsburghe, Transilvania. En fin, le puede pasar a cualquiera. Como siempre, los certeros diálogos de este cartoon nos aseguran risas incontroladas durante todo su metraje.

5. Anuncio de Winston con Los Picapiedra (Youtube)

Por último, me gustaría rescatar del olvido este insólito anuncio en el que Los Picapiedra anuncian una marca de tabaco. El spot se emitió en 1961, con Pedro y Pablo fumándose unos trujas de tamaño king size. El anuncio provocó un enorme revuelo, ya que la serie estaba dirigida al público infantil y, por mucho que fueran unos personajes muy famosos, no sé quién tendría la genial idea de emplearlos para este fin. En cualquier caso, y a partir del nacimiento de Pebbles (la hija de pedro y Vilma) en 1963, Winston dejó de emplear a nuestros perhistóricos amigos para sus campañas.

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La semana pasada os propusimos como tema de debate para la Mesa Redonda la situación actual del cómic español. Para complementar lo que estuvimos comentando allí, he decidido dedicar las recomendaciones de este finde a algunos de los mejores autores que ha dejado el 9º arte en nuestro país, y que desgraciadamente ya casi no son recordados.

La lista se extenderá a lo largo de varios posts (no necesariamente consecutivos), y para empezar me he centrado en los autores que publicaron sus principales obras entre los años 60 y 70. Me he decantado por este periodo porque me parece muy prolífico e interesante, y probablemente muy olvidado, ya que quien más quien menos, todos nos acordamos de los autores de la escuela Bruguera (Ibáñez, Escobar, Raf…) o de los que surgieron con la oleada underground de los 80 (Daniel Torres, Miguel Gallardo, Max…).

En próximas entregas, me encargaré de repasarlos también. Pero, por ahora, veamos qué obras nos dejaron estas décadas de profundo cambio en España. Desgraciadamente, muchas son difíciles de encontrar, pero creo que vale la pena el esfuerzo.

1. Jesús Blasco

Este autor, nacido en Barcelona en 1919, ha pasado a la historia del cómic español por crear a ‘Cuto’, un niño que vive en San Francisco y trabaja como periodista. Cuto vive multitud de aventuras en países exóticos, y sus historias se han comparado en muchas ocasiones con las de Tintín. Con él, Blasco se consagró como un dibujante realista de enorme talento, con una gran mano para los detalles, los escenarios y la caracterización de los personajes.

Blasco también ha dibujado historietas del oeste, bélicas y la estupenda serie ‘Zarpa de acero’, creada por el guionista británico Tom Tully en 1962.

2. Antonio Hernández Palacios

Palacios, nacido en 1921, es otro dibujante prodigioso que destacó por su serie del oeste ‘Manos Kelly’, que podía competir sin problemas con el Blueberry de Charlier y Giraud tanto en su apartado gráfico como narrativo. Al igual que Blasco, su estilo de dibujo es muy realista, barroco, pero a diferencia de él, gustaba de usar el color en sus planchas, con resultados que quitan el hipo.

Otras obras interesantes de Palacios son su adaptación de la historia de ‘El Cid’ y ‘Eloy: uno entre muchos’, que narra los comienzos de la Guerra Civil.

3. Esteban Maroto

Maroto se especializó principalmente en historias de corte futurista y de fantasía heroica, o de una mezcla de ambas, como ocurre con ‘Alma de dragón’. Es un cómic con grandes aciertos (la composición de las páginas, el uso del color) y batacazos (el desarrollo lento y confuso de algunas partes), pero al que vale la pena echar un ojo a pesar de todo.

Y es que, aunque sus esfuerzos para crear buenas historias eran notorios, la verdadera fuerza de Maroto estaba en sus dibujos. En ese sentido, me quedo con sus aportaciones al cómic de terror con historias para revistas míticas como ‘Creepy’ y ‘Vampirella’.

4. Víctor de la Fuente

Aunque empezó su carrera historietística en los años 40, compaginó esta profesión con la publicidad hasta que dio el petardazo a finales de los 60 con su personaje ‘Haxtur’. Se trata de un cómic de fantasía heroica que, además de grandes combates y aventuras, estaba lleno de simbolismos y de crítica hacia la sociedad de la época.

A finales de los 70 empezó a publicar ‘Haggarth’, que para muchos es su obra cumbre, en la que destaca su magistral uso del blanco y negro. Glénat ha reeditado recientemente algunas de las obras de este autor, por lo que no deberían ser muy difíciles de encontrar.

5. Ventura & Nieto

Probablemente, el trabajo más conocido de estos dos monstruos de la historieta humorística sea ‘Grouñidos en el desierto’, que se publica desde hace años en la revista ‘El Jueves’ (y que, desde la muerte de Nieto, lleva Enrique Ventura en solitario). Pero para mí, su mejor obra es la serie de historias cortas recopiladas bajo el nombre de ‘Es que van como locos’, recogidas en álbum por Trinca y posteriormente por Ediciones de la Torre.

Estas historias destacaban por su humor surrealista rico en referencias culturales, parodias, guiños y experimentos varios. El título se debe a las continuas exclamaciones de una viejecita que se convierte en uno de los personajes recurrentes de la obra. Al poco de terminarla, a finales de los 70, sacaron a la luz ‘Maremagnum’, otro referente del humor gráfico español.

6. Carlos Giménez

Este veterano autor ha utilizado el cómic como arma para denunciar las injusticias sociales de nuestro país, especialmente las de la dura posguerra que le tocó vivir. Sus obras se han reeditado numerosas veces (las últimas, de la mano de Glénat), por lo que pueden encontrarse fácilmente sin tener que patearse los mercadillos de segunda mano de nuestra ciudad.

‘Paracuellos’ es sin duda la más conocida, en la que evoca su infancia en un centro de acogida situado en esta localidad madrileña. ‘Barrio’ también prosigue esta línea de realismo social. Pero mi favorita es ‘Hom’, una historia que se desarrolla en un mundo fantástico en el que el protagonista emprende un camino de aprendizaje mientras se enfrenta a los mismos problemas e injusticias que denuncia el autor a lo largo de su carrera.

7. Miguel Calatayud

Este dibujante alicantino ha dedicado buena parte de su carrera a la literatura infantil (labor en la que sigue trabajando), pero su papel en el cómic español también es destacable. Calatayud irrumpió en los 70 con un estilo psicodélico que marcó grandes diferencias con el resto de sus contemporáneos, y que encontró su cénit en las aventuras del detective ‘Peter Petrake’.

Su forma de utilizar el color, de diseñar a los personajes y de componer las páginas era fresca y dinámica, una originalidad que también se extendía a sus guiones. También realizó una interesante adaptación de ‘Las doces pruebas de Hércules’.

8. Víctor Mora y Miguel Ambrosio (Ambrós)

Aunque sus aportaciones al cómic patrio fueron muchas más, estos dos autores siempre serán recordados por haber creado ‘El capitán Trueno’ en 1956. La acción se sitúa en la España de finales del siglo XII, y ofrece a los lectores aventuras, misterios y romances a tutiplén. La obra se está recopilando en una edición en tomos para los quioscos que resulta bastante asequible.

Mora también escribió los guiones de la estupenda serie de ciencia-ficción ‘Dani Futuro’, que fue ilustrada por Carlos Giménez. Por su parte, Ambrós no se apartó del género de aventuras y empezó a dibujar ‘El corsario de hierro’ en los años 70.

9. Jaime Brocal Remohí

Este autor es un claro ejemplo de que nadie es profeta en su tierra, ya que en España su trabajo está bastante olvidado, mientras que sus obras se han publicado, con notable éxito, en multitud de países. Sus principales obras se enmarcan dentro del género de la fantasía heroica, con personajes como Ogan, Taar y Kronan.

Su maestría del dibujo llegó a impresionar incluso al nieto de Edgar Rice Burroughs, el creador de Tarzán, que le propuso ilustrar algunas historias del personaje de su abuelo. Para comprobar su talento, nada mejor que acercarse al tomo ‘Fantasía Heroica’, publicado por Planeta, que recopila algunas de sus mejores ilustraciones. El prólogo de la obra corre a cargo del misísimo Roy Thomas.

10. Enric Sió

La mayor parte de los autores citados en esta lista muestran influencias de los autores clásicos del cómic norteamericano, desde Milton Caniff hasta Alex Raymond. Sin embargo, Enric Sió se aproxima más al cómic europeo, y principalmente al italiano, con referentes como Guido Crepax, creador de ‘Valentina’. Con sus obras de carácter adulto, abordó las inquietudes de una sociedad española que empezaba a dejar atrás la mentalidad de la dictadura.

Su obra más recordada es ‘Lavinia 2016’, influida estéticamente por retazos del arte contemporáneo como el pop-art y el collage. Con ‘Mara’, explora el lado íntimo de este personaje, con un resultado algo menos atractivo en lo gráfico, pero interesante en su contenido.

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Para este finde quiero recomendar cuatro pelis de géneros diferentes, pero que tienen varios rasgos en común: su elevado grado de frikismo, sus delirantes argumentos y las toneladas de ácido que debieron de consumir sus creadores a la hora de filmarlas. Es, por tanto, un saco bastante grande en el que pueden entrar toda clase de producciones.

En la imagen podéis ver al bueno de John Waters, el director de una de las mayores locuras jamás filmada, que podréis encontrar en esta lista. La verdad es que he dudado bastante sobre el adjetivo apropiado para estas películas: ¿Frikis? ¿Desquiciadas? Finalmente me decidí por psicotrónicas, porque tiene una sonoridad que me encanta, aunque creo que precisamente la gracia de estos filmes es que no son nada fáciles de etiquetar.

1. ‘El sentido de la vida’ (Youtube)

No es ni de lejos la mejor película que nos han dejado los Monty Python, pero en cuestión de surrealismo no le gana nadie. Al contrario que ‘La vida de Brian’ o ‘Los caballeros de la mesa cuadrada’, esta cinta no tiene un argumento concreto ni personajes definidos. Se trata de una sucesión de sketches que abordan las diferentes etapas de la vida, con un formato que lo aproxima más a su genial show de la tele ‘The Flying Circus’.

Ya desde la secuencia inicial, un corto aparentemente inconexo en el que un edificio de oficinas se convierte en un barco pirata que sale volando por los aires, somos conscientes de que esta peli es de todo menos convencional. Posteriormente, abordan cuestiones como la religión o la sexualidad con su habitual irreverencia y su humor absurdo. Una propuesta ideal para reflexionar sobre nuestra condición humana.

2. ‘El ataque de los tomates asesinos’ (Youtube)

Esta joyita de la serie B (o incluso Z) tiene como protagonistas a un grupo de tomates modificados genéticamente en un experimento del gobierno estadounidense que emprenden un ataque contra la población civil. Es la hora de que los humanos paguen las atrocidades que han hecho contra la población tomatera: ketchup,gazpachos, salsas de tomate…

La cinta fue escrita y dirigida por John de Bello en 1978, con un presupuesto tan irrisorio que sólo por ver cómo están grabados los ataques de los tomates ya vale la pena verla. Es la cutrez hecha arte, la caspa elevada al cubo, un clásico con el que os entrará flato de tanto reír. Cuenta con varias secuelas, y en la segunda aparece nada más y nada menos que un jovencísimo George Clooney.

3. ‘Kung Pow: A puñetazo limpio’ (Youtube)

La primera vez que vi esta peli me descojoné tanto que casi la palmo (y no exagero, hay casos documentados de gente que murió por un ataque de risa). El director, guionista y actor principal Steve Oedekerk cogió una peli antigua de artes marciales rodada en Hong Kong (‘Tiger and Crane Fist’, de 1976) y la aprovechó para esta hilarante comedia, con un nuevo doblaje y añadiendo digitalmente escenas y personajes nuevos al metraje original.

La idea ya es cachondísima de por sí, pero encima tiene gags realmente buenos y el doblaje al castellano es digno de los mejores momentos de ‘El Informal’. Al final de la peli se anuncia que habrá una secuela, ‘Tongue of Fury’, pero por ahora no se sabe nada de ella.

4. ‘Pink Flamingos’ (Cellfish)

La palma del frikismo se la lleva la opera prima de John Waters, director que con el tiempo ha recibido el merecido título de “El rey del mal gusto”. Aunque su filmografía está plagada de grandes películas, nunca ha vuelto a rodar algo tan desquiciado como esta historia protagonizada por la drag queen Divine. Ella vive con su familia en una caravana y tiene el orgullo de ser considerada la persona más inmunda y repulsiva que existe.

Pero entonces llega una pareja a la ciudad que tratará de arrebatarle tal honor. Así que el argumento se reduce a ver quién consigue llegar a ser la persona más asquerosa. Waters filma sus locuras con pulso de amateur y mentalidad de documentalista. Tiene escenas memorables, como la del contorsionista que hace un playback con el ojete del ‘Surfin’ Bird’ de The Trashmen o la del final de la peli en la que Divine… Bueno, mejor no os lo cuento. Si ya habéis oído hablar de esta peli, seguro que sabéis de cuál os hablo; y si no, descubridla por vosotros mismos.

‘Pink Flamingos’ es una locura tan absoluta que no sé si alguien superará alguna vez su frikismo. Sí, podemos contar cosas como la recopilación de muertes reales que hace el morboso Damon Fox en su serie ‘Traces of Death’, pero no es lo mismo. Esta peli sale toda del coco de Waters, un tipo de lo más peculiar que incluso tuvo su pequeño papel en Los Simpson (‘Homer-Fobia’), y no podemos etiquetarla ni como comedia negra, ni como serie B, ni como parodia descerebrada… Sencillamente, es la quintaesencia del mal gusto.

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Superlópez es uno de los mejores personajes que nos ha dejado el cómic español a lo largo de su historia. Aunque la corona la sigan ostentando Mortadelo y Filemón, la criatura de Jan ha envejecido bastante mejor que ellos, y sigue protagonizando historias llenas de acción, humor y crítica social.

Superlópez nació en 1973 y en un principio no pasaba de ser una parodia más del Hombre de Acero. Sus primeras apariciones se produjeron en tiras mudas y en blanco y negro que después pasarían a ser historias cortas de una página. Por aquel entonces, y hasta 1980, Jan se encargó sólo del dibujo mientras que los guiones corrieron a cargo de Francisco Pérez Navarro, alias Efepé.

Cuando dio el salto a las historietas largas, Jan, ya en solitario, pudo explotar mucho más el potencial del personaje, que se desmarcó de su referente original hasta el punto de que ya sólo tienen en común el hecho de llevar un pijama azul y los gallumbos por fuera. El encanto de Superlópez reside en muchos aspectos: en la originalidad de sus argumentos, en el trasfondo de sus historias, en los carismáticos personajes secundarios que lo acompañan y en el estupendo dibujo de su autor.

De entre los 52 álbumes que ha protagonizado en estos años (y que el 4 de febrero pasarán a ser uno más con la publicación de ‘Tú, Robot’), he escogido cinco que me gustan especialmente y que suponen una dieta de lo más saludable para estos dos días de descanso que tenemos por delante.

1. ‘El señor de los chupetes’

Esta divertidísima parodia del clásico libro de Tolkien nos sirve para ir abriendo boca. En lugar de Sauron, el maléfico enemigo de esta aventura se llama Tchupón, que creó seis chupetes mágicos que repartió entre otros tantos Chupópteros negros. Cada chupete simboliza un vicio propio de la gente (el tabaco, el fútbol, la tele…), un tema que es recurrente en los tebeos de Jan.

Así pues, no se trata de una simple parodia al uso, sino que el autor se sirve de la mitología tolkieniana para contarnos su propia historia y para difundir sus habituales dosis de crítica social. Superlópez tendrá que destruir el Chupete Único, pero, ¿conseguirá hacerlo? Incluso los bebés saben que su uso termina enganchando…

2. ‘La gran superproducción’

Esta aventura está pensada básicamente para descojonarse y pasar un buen rato. El director de la empresa en la que trabaja Juan decide reconvertirla en una productora de cine, y este, entusiasmado, escribe un guión que finalmente será escogido por error para la primera película del nuevo negocio. Se trata de Tronak el Kárbaro, que será protagonizada por las superestrellas Brut Kanlaster y Valerie Astro.

Esta es una de esas historias que mantiene el tipo durante sucesivas lecturas, por la calidad de sus gags y sus numerosos guiños al 7º arte.

3. ‘El castillo de arena’

Esta historia tiene un argumento sencillo pero con un montón de trasfondo. Superlópez viaja a un desierto africano para descubrir la raíz de unas mutaciones que se están produciendo en los insectos. Allí se encontrará con una hormiga que ha adquirido la capacidad de hablar y de pensar, así como una amplia cultura.

El cómic está lleno de referencias literarias y de crítica contra los abusos que los países desarrollados ejercen sobre los del tercer mundo. Aunque, para mi gusto, las últimas páginas de la aventura flojean un poco, es una de las historias más profundas del personaje.

4. ‘Los cabecicubos’

Es el cénit de la crítica social y política en los tebeos de Superlópez, que muchos lectores interpretan como un reflejo irónico y surrealista de la Transición. Todo comienza cuando una fábrica de huevos cuadrados contaminados provoca que a la gente se le ponga la cabeza cuadrada. Esta peculiaridad no se limita a su aspecto físico, ya que sus ideas se vuelven también intransigentes y cuadriculadas.

El jefe de Juan se convierte en el Primer Hexaedro, un dirigente rígido y autoritario que tratará de transformar el mundo a su imagen y semejanza. En esta historia también asistimos a la primera aparición de Martha, la hija del inspector Hólmez, un personaje muy importante que en sus inicios se dedica al sano deporte de atracar bancos.

5. ‘Los Petisos Carambanales’

La originalidad de sus planteamientos es una de las claves que ha ayudado a mantener vivo el interés por el personaje. En esta ocasión, Jan crea un tebeo a la manera de los libros de “Crea tu propia aventura”. Al final de cada página, el autor nos da diversas posibilidades y, según elijamos unas u otras, las historia cambiará por completo.

Es una especie de What If? versión Superlópez que le permite a Jan recrear situaciones imposibles de ver en una historia normal del personaje. En cuanto a los petisos, unos diminutos personajes amarillos que de vez en cuando se dejan ver por las páginas de Superlópez, son unos seres tan curiosos que incluso tienen su propio lenguaje jeroglífico, cuya equivalencia a nuestro alfabeto se explica al final del cómic. Uno más de los múltiples juegos que Jan le plantea al lector en esta aventura.

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