Cuando empezamos a diseñar este Especial sobre Cine Distópico, no nos imaginábamos que le íbamos a dedicar tanto tiempo. Hemos intercambiado varios cientos de correos entre los editores para ponernos de acuerdo en la lista definitiva, y aún así, sabíamos que muchas favoritas se iban a quedar fuera, que no podíamos contentar a todos. Estas son algunas de las cintas distópicas que no pasaron el último corte:

Equilibrium (2002)

En Libria reina la paz. El precio es simple: si tienes sentimientos te arrestan. Ser feliz, llorar, leer libros de contrabando o mirar un cuadro son crímenes. Todos los ciudadanos deben tomar su dosis diaria de Prozium para evitar los sentimientos, para evitar así cualquier conflicto. Y para dejar de ser humanos, claro.

Soylent Green

En la Nueva York de 2022, dar de comer a 40 millones de habitantes es un problema. La mayor parte la fabrica Soylent, en sus variedades Azul, Amarilla y Verde. Tras el asesinato de un ejecutivo de la empresa, el detective Thorn descubrirá que es mejor limitarse a las variedades Azul y Amarilla.

El Dormilón

El propietario de una tienda de alimentación es sometido a una operación rutinaria… pero muere. Es criogenizado, y resucitado 200 años más tarde en un mundo gobernado con puño de hierro por un líder que nadie ha visto.

THX 1138

Se trata de una cinta temprana de George Lucas, en la que la humanidad ha sido despojada de su individualidad. Las personas son numeradas, como simples robots, y drogadas por el gobierno para mantenerlas controladas. THX empezará a ver el mundo de una forma distinta cuando deja de tomar sus drogas.

Battle Royale (2000)

Japón, superpoblación y adolescentes descontrolados. La mejor forma de controlar el crecimiento de la población es en la base, así que el gobierno crea una ley que obliga cada año a que una clase al azar se envíe a una isla desierta con una regla: sólo uno podrá volver. Las armas son gratis.

1984

El visionario George Orwell recibió todo un homenaje con esta fiel cinta, sobre un mundo en la que el gobierno, el Gran Hermano, dirige las masas controlando sus pensamientos, alterando la historia o cambiando el significado de las palabras para que encajen con sus designios.

Starship Troopers

Sí, llegó casi hasta el último corte. En un futuro próximo, a los universitarios se les anima aconvertirse en ciudadanos uniéndose al ejército. Todo parece precioso, pero lo que no saben es que, casi de forma oculta a la población, se lucha en innumerables frentes contra insectos alienígenas para proteger a la humanidad.

La Fuga de Logan

Una de mis apuestas, que se quedó fuera. De ahí el homenaje en el post de apertura del especial distópico. En el siglo 23, la humanidad vive en un paraiso tecnológico. Al cumplir 30 años, los ciudadanos se retiran a un espacio aparte, bajo pena de muerte. Casualmente, ese lugar mejor resulta ser también la muerte. Logan se dedicaba a capturar fugados… hasta que fueron a por él.

La Isla

Michael “travelling-circular-contrapicado” Bay dirigió esta cinta de proporciones algo más épicas de lo necesario. Su premisa es muy parecida a otras, una sociedad aparentemente utópica protegida de un mundo destruido, pero que pronto descubrimos que oculta una macabra realidad. El resultado es muy palomitero, pero con la sensación de que la premisa se podía haber aprovechado mejor, que la Johansson podía haber enseñado más carne, y que el anuncio de la XboX sobraba.

Dark City

Un policía decide ayudar a un sospechoso de asesinato que está amnésico. En sus investigaciones termina conociendo a “Los Extraños”, unos seres capaces de manipular la realidad. Lo que se esconde detrás de ellos es mucho más terrible de lo que podía imaginarse. Muchos vieron en Matrix demasiadas similitudes con Dark City.

Nivel 13

Otra que también se da un aire a Matrix, y que al igual que Dark City es anterior. En este caso tenemos a un investigador que está desarrollando un mundo virtual, accede a él y se queda atrapado, debiendo luchar por volver a su mundo. Pero, ay amigo, su mundo aún le tiene reservada una dramática sorpresa…

Mad Max (1979)

Uno de los futuros apocalítipcos que más escuela ha creado. En un mundo devastado por un holocáusto nuclear, la gente sobrevive en un estado casi salvaje, entre restos de ciudades y maquinaria. En este mundo hostil, Max Rockatansky clama venganza por la muerte de su familia. La moraleja: no te metas con Mel Gibson.

Avalon

Mamoru Oshii hace gala de exceso de ego y monta una película que de seguro en su mente sería un nombre a tener en cuenta junto a Matrix como referente de tratamiento de la realidad virtual en el séptimo arte. El resultado es una copia burda del videojuego ‘Battlefield’ que poco o nada deje entrever de el supuesto futuro que nos desea mostrar. Oshii se empeña tanto en mostrar una realidad virtual decadente que se olvida de la realidad, la cual es tan triste que destroza por completo la película.

A Scanner Darkly

Las drogas campan a sus anchas por Estados Unidos. Fred, policía, está enganchado a la Sustancia D, que produce desdoblamiento de personalidad. Así que también es Bob, traficante de droga. Y Fred está organizando una macro-operación con sus superiores para capturar a Bob. Lo más destacado es, quizás, el uso intensivo de la técnica rotoscópica (dibujo sobre imagen real)

Robocop

Un policía recibe varias heridas mortales a la vez, y la única forma de salvarlo es convertirlo en un cyborg, que apenas retiene parte de su humanidad. Pero algo queda, y una vez que acaba con el crimen en la ciudad, decide acabar con la corrupción de la institución que lo fabricó. Esta saga está llena de escenas míticas, como aquella en la que un robot acribilla a un tipo durante unos 30 segundos de metraje, y justo después alguien pide un médico.

V de Vendetta

En una Bretaña totalitaria y de corte ultraderechista, un rebelde llamado V lucha por derrocar el sistema mediante el tradicional método de revolucionar a las masas para que se alcen contra el opresor. Basado en la novela gráfica de Alan Moore, fue otra adaptación criticada, aunque para los que por desgracia aún no hemos leído el original, fue pasable.

Demolition Man

John Spartan es un policía duro, implacable y de métodos cuestionables, pero efectivo. La última batalla contra su archienemigo termina convirtiéndose en un desastre en el que una pila de inocentes termina con sus extremidades distribuidas por varios estados. Héroe y villano son condenados a ser reahbilitados en una críoprisión, donde se les rehabilita en animación suspendida. Pero 36 años después ambos despiertan en una sociedad pacífica, pero ninguno de los dos está rehabilitado… Está plagada de escenas de acción, aunque en la retina sólo se queda grabada la patética escena de “sexo virtual” entre Stallone y Sandra Bullock.

Soy leyenda

No recuerdo si cuando la apuntamos pensábamos en la original o en el más reciente remake con Will Smith. El caso es que al menos en la premisa coinciden: en un mundo en el que la población humana ha fallecido, sólo queda un hombre vivo en la faz de la Tierra. ¿O no?

Y muchas más…

Como he dicho, estas son las que no pasaron el último corte. Estoy seguro de que echáis en falta muchas otras. Así que ns gustaría que habléis de ellas en los comentarios, como siempre. Los editores de ZonaFandom nos lo hemos pasado en grande, tanto montando como publicando este especial, esperamos que os haya gustado.

En ZonaFandom | Especial Cine Distópico

Y finalmente llegamos al top del especial Cine Distópico. No dudo que muchos ya sabíais cómo iba a acabar, teniendo en cuenta que esta tenía que estar en la lista. Bienvenidos a Los Ángeles, 2019. Bienvenidos a Blade Runner.

Poco nuevo se puede contar sobre esta joya de la ciencia ficción, tan amada como odiada. Cualquier fan sabe que Ridley Scott la rodó basándose en el ‘Sueñan los androides con ovejas eléctricas’ de Philip K. Dick. Que la interpretación de Harrison Ford es un reflejo de su tremenda desidia por participar en el rodaje, lo cual era perfecto dada la nula motivación vital de su personaje, Deckard.

Que Rutger Hauer improvisó uno de los monólogos más celebres del cine. Que si bien Scott mutiló buena parte de la novela, la cinta la supera en dinamismo y oscuridad. Y que la versión vista en cines acababa con un descapotable cruzando un prado, lo que resultaba totalmente absurdo con la premisa de la película: hemos agotado La Tierra.

La historia

Así que centrémonos en la primera versión del director, cuyos pequeños pero cruciales matices la hacen más coherente, y que representa un cambio más sustancial que las siguientes ediciones. Repasemos: Rick Deckard es un agente retirado, llamado de nuevo a filas por ser el mejor en lo suyo: “retirar” replicantes, seres creados con ingeniería genética, con aspecto humano, más fuertes e inteligentes, pero programados para vivir apenas unos años como esclavos. Varios Nexus-6 se han rebelado y han viajado a la Tierra, donde están prohibidos. Deckard debe retirarlos, un eufemismo para no decir “matarlos”.

¿En qué se diferencia un replicante de un humano? En que sus recuerdos son artificiales, están temporizados para morir, y en que no son capaces de empatizar, de entender los sentimientos. En eso se basa el Test Voight-Kampff, que mide pequeñas reacciones en el pulso y en las pupilas ante preguntas ilógicas, del tipo “Vas andando por el desierto y te encuentras una tortuga ninja boca arriba. ¿Por qué no la ayudas?”

Bueno, creo que he mezclado el Especial Distópico con el Especial Cels Piñol...

Se nos presenta por una parte a Deckard a la caza de replicantes, y a la tensa relación con Rachel, representante de la Tyrell Corporation, fabricante de los Nexus-6. También conoceremos a los Nexus rebeldes, sus motivaciones, sus planes, y su trato con J.F. Sebastian, un ingeniero genético condenado a permanecer en la Tierra, por no disponer de un ADN adecuado para mudarse a las Colonias.

Se nos plantea la duda de si Deckard es o no un replicante. ¿Es su apatía una falta de empatía? ¿Sus sueños con unicornios son una grabación? Así lo deja entrever el detective Gaff, al dejarle un unicornio de papel frente a su puerta. La duda persiste, cuando los créditos aparecen sobre una ciudad devastada, y no sobre un prado verde robado de ‘El Resplandor’.

Un mundo destruido

El futuro distópico que nos muestra Ridley Scott es quizás uno de los más oscuros, pero a la vez más creíbles. La humanidad ha agotado los recursos naturales, y los más pudientes se mudan a colonias espaciales. La población asiática es mayoritaria. La ingeniería genética, usada sin medida y sin ética, ha creado mascotas a medida, esclavos a medida, y criterios de exclusión eugenéticos, en función de la pureza del ADN, similares a los de GATTACA.

De esta forma, sólo aquellos con un ADN adecuado pueden huir de una Tierra devastada hacia las colonias espaciales, donde podrán disfrutar de lujos, calidad de vida, y serviciales replicantes. Y mientras, millones de seres malviven en la inmundicia que han colaborado a crear, en las ruinas de unas abandonadas metrópolis que tanto deben a la visión de Fritz Lang.

Quizás es la ausencia de una moraleja lo más demoledor del futuro distópico que se nos muestra. Es tarde, no hay vuelta atrás. Hemos destruido el mundo y sólo nos queda abandonarlo y buscar nuevos lugares que colonizar. Para los ciudadanos del 2019, no hay futuro. ¿Podremos los de 2009 detenernos a tiempo?

Con Blade Runner llegamos al final de uno de los especiales a los que más esfuerzo y tiempo hemos dedicado. Sabemos que muchas películas se han quedado fuera. En el próximo y último artículo del especial, comentaremos el resto de películas que se quedaron fuera del corte, y otras que también estuvimos barajando.

En ZonaFandom | Especial Cine Distópico, Purefold, nuevo proyecto de Ridley Scott
En Blog de Cine | Blade Runner, aburrida y confusa ficción científica

Guanina, Adenina, Timina, Timina, Adenina, Citosina y Adenina. Si escrutamos el título de esta película eso es lo que nos encontramos, las bases nitrogenadas que componen los ácidos nucléicos, más concretamente el ADN. Y están ahí, escondidas en ‘GATTACA’ como parte inseparable de la película. Película que ocupa nuestro número dos en el ciclo de cine distópico que estamos realizando en Zona Fandom.

‘GATTACA’, de Andrew Niccol, es, simple y llanamente, un peliculón se mire como se mire. Todo en esta película está pensado dejando poco, o nada, al azar. Una película que no sólo es una de las mejores cintas de ciencia ficción (o ficción científica como hay gente que le gusta llamarla, aunque yo tenga mis reservas en este punto) sino que es una de las grandes del cine en general.

La historia

En un “futuro no muy lejano” la humanidad, siguiendo esta tendencia de planificación total que tiene el hombre de hoy en día, se hará con el control de una de las pocas cuestiones que quedaban fuera del alcance del hombre, la nueva generación, su gestación y nacimiento. Años de avances genéticos culminan en el control de este aspecto. Amigos míos, la eugenesia manda en este futuro. La sociedad no distingue a la gente por la raza, sino por sus genes. Así la élite está formada por válidos, gente que ha sido hecha a la carta. Sus genes han sido seleccionados para ser la crème de la crème, para ser lo mejor que los padres pueden dar de sí. En el otro extremo tenemos a los no-validos o, como los denomina Irene “nacidos de Dios”.

Nuestro protagonista es Vincent Anton Freeman (Ethan Hawke) un no-válido nacido con un 99% de probabilidades de morir por fallo cardíaco y cuya esperanza de vida al nacer es de 30 años. Sus padres al saber esto se arrepienten de haberlo concebido a “la antigua”. Y se ponen manos a la obra para crear un hermano para Vincent, Anton, que sea “válido”.

Vincent es consciente de que no tiene futuro y decide seguir su sueño y labrar una carrera tan buena como la de cualquier válido. Para eso adquiere la identidad de Jerome Eugene Morrow (Jude Law), un ex nadador de élite frustrado, que al intentar suicidarse se quedo parapléjico. Al ocurrir este incidente en el extranjero nadie sabe lo del accidente, pero sin embargo si se descubriese viviría como un paria. Jerome prepara para Vincent muestras de piel, pelo, sangre y orina para que Vincent pueda pasar los exhaustivos y continuos controles genéticos a los que la población está sometida.

Ya como Jerome, Vincent es contratado en GATTACA, una empresa aeroespacial donde desarrolla una carrera brillante siendo seleccionado como astronauta en una misión a Titán. La cosa se complica cuando el director de la misión es asesinado y durante la investigación de este asesinato hallan una pestaña de Vincent, lo cual le puede poner al descubierto.

La eugenesia, el transhumanismo y la distopía

Hablar de eugenesia es hablar de mayor o menor medida de una distopía. Pero al contrario que en otras cintas que hemos analizado en este ciclo, estamos a unos pocos pasos de conseguir lo que vemos en ‘GATTACA’, estamos a pocos pasos de conseguir “bebés a la carta”. Ahora mismo estamos en un paso meramente inferior, estamos creando “bebés medicinales”, embriones que han sido modificados para sanar al hermano mayor enfermo. De aquí a lo que se nos propone en ‘GATTACA’ hay un par de pasos, pocos más. Por eso da tanto miedo la película.

Pero la eugenesia no es un invento del siglo XXI, nada más lejos. La eugenesia es una corriente de pensamiento bastante antigua y de la que hemos sufrido sus consecuencias con diversos resultados. Desde segregación racial y/o fisiológica hasta los mayores genocidios conocidos por la humanidad. Y ejemplos lo tenemos en los últimos siglos de formas muy claras… con el “hombre blanco” demasiado protagonista (aunque no el único), usando métodos poco éticos para que los blancos, fuertes y atléticos predominen mediante un proceso de “higiene racial”.

De una política eugenética sólo puede salir la catástrofe, la distopía. Vale, puede que en este punto unos estén más acuerdo que otros, pero esto no es un blog de bioética o genética, sino de ciencia ficción, somos catastrofistas por naturaleza. Pero una cosa sí es cierta y bien lo dicen en la película que, aunque oficialmente no haya discriminación por genética es tontería negar que la habrá.

La eugenesia ha estado presente en muchas obras de ciencia ficción, la más conocida sea probablemente ‘Un Mundo Feliz’ de Aldous Huxley o, sin ir más lejos, es uno de los leit motiv más corrientes de las series de ‘X-Men’ con sagas como ‘Proyecto Exterminio’, ‘La Era de Apocalipsis’, ‘Días del Futuro y del Pasado’...

Claro, ni qué decir tiene que a esta eugenesia se le une una corriente transhumanista que aspira a mejorar los aspectos físicos y mentales con el objetivo de quitar de en medio los aspectos indeseables e innecesarios de la condición humana como por ejemplo la enfermedad. Usando para ello la tecnología disponible, que en la película está bastante avanzada en este aspecto, tanto que sin duda, tras generaciones de “bebés a la carta” se hubiera podido evolucionar hasta un estado de posthumanismo. Una humanidad que controla su propia evolución, uno de los últimos campos de batalla que tiene el hombre contra la naturaleza.

La Película

Bueno, creo que ya va siendo hora de que empiece a hablar de la película en sí, que los temas que se desprenden de esta obra maestra dan para escribir un par de libros. Pero sin embargo, y al contrario de lo que pueda parecer, la opera prima de Andrew Niccol es sencilla pero da mucho de sí. En primer lugar deciros que es un debut excepcional al que se le encuentran pocos fallos. Andrew Niccol es un hombre que sabe lo que está haciendo, y si quedaba alguna duda sobre sus capacidades solo hace falta ver sus siguiente película, ‘El Show de Truman’, que sin ser la mejor película de Niccol sí que es una obra altamente recomendable.

Y es que la película transcurre de forma maravillosa, a todos los niveles. Un guión impecable y una realización y una fotografía que hacen ver esta película como una grata experiencia. Me resulta harto difícil sacarle defectos a la película ya que todo en esta producción es soberbia. Uma Thurman como siempre, espléndida, Ethan Hawke está enorme, a mi juicio solo ensombrecido por un imbatible Jude Law que protagoniza las mejores escenas de la película arrebatando el protagonismo a Hawke.

Y es que en ese plano técnico yo, como mero espectador sólo puedo deshacerme en elogios, hablando de esos planos, de la fotografía, de la iluminación. Después mi verborrea alabaría esas grandes escenas que nos deja la película. Las escena de la playa, con los dos hermanos compitiendo cada vez, sobre todo la última carrera es sobrecogedora. ¡Y qué decir del final! La escena final aun anunciada logra que te emociones y que recibas los créditos finales totalmente emocionado.

Hablaría más de la película, pero no quiero porque nunca acabaría, ya que nunca sería suficiente. Así que doy por concluído este artículo, esperando que los que la hayais visto me contéis qué os pareció y esperando que los que no la han visto hayan leído razones suficientes para hacerlo.

En Zona Fandom | Especial Cine Distópico & ‘Gattaca’ o el futurismo posible

Es algo complicado hablar de ’12 Monos’ y su visión distópica del futuro. Esto se debe a dos simples razones: el futuro se muestra materialmente poco y en realidad no es del futuro de lo que habla en esta película, sino de la locura vista a través de la amenaza de un futuro apocalíptico y la aparente imposibilidad de evitarlo. Y si hablamos de locura, hablamos de uno de los directores más alocados que se puede encontrar hoy en día, el Terry Gilliam, famoso desde que formó parte de los maestros Monty Python.

Anteriormente, mi compañero Albertini habló de ‘Brazil’, otra de las obras de Gilliam que mostraban un futuro distópico realmente cargante. En ’12 Monos’ el futuro mostrado es algo más convencional aunque no por ello menos espectacular y sobre todo menos premonitorio. En el futuro de ’12 Monos’ la humanidad ha sido increíblemente mermada por un misterioso virus para el cual no existe cura alguna. Los supervivientes de la pandemia global se han visto obligados a subsistir bajo tierra, donde intentan encontrar una solución para subsanar o evitar el presente que les ha tocado vivir.

La solución a tan magno problema pasa por viajar en el tiempo hasta el pasado e impedir la propagación del virus, el cual es una terrible obra creada por un grupo eco-terrorista denominado 12 Monos. James Cole, interpretado magistralmente por Bruce Willis, es el pobre pringado que deberá viajar al presente para intentar evitar la apocalíptica masacre por sus propios medios. Sobra decir que prácticamente en el mismo momento que pisa nuestra época el pobre James es tomado por un loco e ingresado en una institución psiquiátrica de corte casi medieval.

A partir de aquí, como he mencionado antes, la historia se aleja de ese futuro distópico que pasa a un segundo plano convirtiéndose en la fuerza que mueve a los personajes, James y su psiquiatra Kathryn Railly (Madeleine Stowe). Mención aparte merece Brad Pitt, en la que personalmente considero mejor interpretación de su vida (junto a la de Tyler Durden) como Jeffrey Goines, jefe del grupo de los 12 Monos.

Estos tres personajes pivotan alrededor del mencionado futuro, ya sea por miedo al mismo o por la simple ignorancia ante la hecatombe que se intenta evitar en la película. Pero como decía, la acción transcurre en el presente, lejos de ese futuro, y el conflicto pasa a estar en las mentes de los personajes, menos en la de Jeffrey que ya tiene bastante con lo suyo, y es aquí cuando Gillian disfruta de verdad, transmitiendo la locura desde los protagonistas al propio espectador el cual ya confunde el futuro escrito con la contagiosa demencia de James.

Si damos un salto temporal y viajamos a ese futuro apocalíptico, se puede comprobar que algunos quizás no lo verían así, empezando por los equivalentes reales al grupo de los 12 Monos, si por desgracia existen. En el futuro de ’12 Monos’ sólo el género humano se ve afectado por el mortal virus liberado por los eco-terroristas, por lo tanto se cumple en cierta manera el “sueño” de los defensores más radicales (dentro a su vez del grupo más radical) del medio ambiente, eliminar al hombre de la faz de la tierra, el peor enemigo de la naturaleza.

No voy a decir que sea una teoría equivocada, nadie cree que si el hombre desapareciera de la noche a la mañana el mundo seguiría igual, al contrario, se recuperaría paulatinamente. Pero el daño más grave, el que en realidad afecta a nuestra civilización y por el cual consideramos apocalíptico este futuro es nuestra propia eliminación y posterior confinamiento a las entrañas de la tierra. Poco distingue a este indeseable futuro de otro en el que la mayor parte de la superficie del planeta fuese arrasada, si hablamos de los efectos sobre la raza humana por supuesto.

Así que el futuro que nos pone Gillian delante de la mesa ciertamente está abierto al debate. ¿Sería tan malo para el planeta? Para nosotros está claro que sí, pero para la vida en la tierra quizás no. Si cito las palabras de Ian Malcolm en ‘Parque Jurásico’, la vida de abre camino, y quizás, por una casualidad del destino, tras una posible (y no deseada) erradicación de la raza humana, la vida del hombre pueda volver a germinar y volver a evolucionar, y lo más deseable, aprender de todos nuestro errores.

Oh, y casi se me olvida, si no habéis tenido la suerte de poder ver ’12 Monos’ no sé a que estáis esperando la verdad. Garantizo casi al cien por cien que no os dejará indiferente y es también muy probable que se convierta en un clásico personal, como me ocurrió a mi.

Llegamos al cuarto puesto de nuestra seleccion sobre Cine Distópico y los hados del destino han querido que este sea mi primer artículo en este ciclo. Y esos mismos hados decidieron que la película a analizar por mi parte fuera una que cuando la vi en un primer momento hace varios años hizo que quedase estupefacto porque no sabía ni lo que había visto. Era un joven e inocente adolescente fan de los Monty Python gracias a mis padres (‘La Vida de Brian’ era en mi casa la típica película que se ve siempre que se tiene ocasión) y en esas ganas de conocer la filmografía de uno de sus componentes, Terry Gilliam, un amigo mío me dejó ‘Brazil’. Lejos de gustarme o no la cinta me dejó descolocado, no sabía exactamente qué había visto.

Pocos años después, con la espinita clavada y algún grado de madurez no demostrable, decidí ver de nuevo la película. Y quedé prendado de ella. No sé exactamente qué había cambiado, o si había visto un montaje distinto (que pudo ser aunque no lo pude corroborar), el caso es que me pareció una película totalmente diferente, inteligente, satírica, con momentos de tensión y algún gag de humor. No lo dudé, esa película para mí es una obra maestra.

‘Brazil’ de Terry Gilliam es una película de 1985 situada en “algún lugar en el siglo XX”. Escrita por Gilliam, Tom Stoppard y Charles McKeown y protagonizada por Jonathan Pryce, Kim Greist y Michael Palin, entre otros. Antes de pasar a comentar las delicias que nos ofrece ‘Brazil’ vamos a hablar un poco del artífice de esta cinta: Terry Gilliam.

El Director: Terry Gilliam

Terrence Vance Gilliam nace en un pequeño pueblo de Minessota, aunque pasó su adolescencia en California durante la cual se empezó en interesar en la revista MAD Magazine, editada en aquella época por el mítico Harvey Kurtzman. Esto le llevó a desarrollar una feceta artística, en concreto en animación y tiras cómicas, durante sus años de universidad, en los cuales desarrolló la revista Fang. Poco después Harvey Kurtzman le ofreció trabajo en la revista Help! en la que conoció a John Cleese, con el que años más tarde fundaría el grupo cómico que le llevo al estrellato: Monty Python, un sexteto formado por Cleese, Gilliam, Terry Jones, Graham Chapman, Eric Idle y Michel Palin que debutó con ‘Flying Circus’ (1969-1974) a la que siguierontres exitosas películas ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada’ (1975), ‘La Vida de Brian’ (1979) y ‘El Sentido de la Vida’ (1983), tras la cual se disolvió el grupo.

Tras su carrera con los Python siguió creando nuevas películas entre las que destacan su, por él llamada, “Trilogía de la imaginación” (‘Time Bandits’, ‘Brazil’, ‘Las Aventuras del Baron Munchausen’), ‘Doce Monos’, ‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’ y la futurible ‘The Man Who Killed Don Quixote’. Como veis los temas principales de Gilliam son sobre todo la imaginación, el onirismo y el humor, tres componentes que se explotan sabiamente en ‘Brazil’

La historia y la distopía

Terry Gilliam trabaja con un argumento un tanto rocambolesco: Debido a un error burocrático del Ministerio de Información, las fuerzas de seguridad proceden a la detención de Archibald Buttle, detención que tiene un desenlace fatal al producirse la muerte de este inocente. Sam Lowry, un funcionario con madre influyente, descubre junto con su jefe M. Kurtzman (en claro homenaje al editor y dibujante) que donde ponía Buttle debería haber puesto Tuttle. Con lo cual deciden indemnizar a la familia del detenido. Al ir a casa de los Buttle descubre a la mujer alada que protagoniza sus sueños, Jill. Sam entonces se obsesiona con ella y acepta un ascenso que le permitiría acceder a datos confidenciales sobre ella. Hasta aquí un poco la sinopsis, no quiero ahondar más en ella puesto que prefiero complementarla con su trasfondo distópico.

Nos encontramos con una distopía con un marcado tono satírico que nos presenta un gobierno totalmente burocrático y totalitario (al estilo de ‘1984’) y una sociedad ultraconsumista, que se demuestra en escenas como la de una niña pidiendo a Santa Claus su propia tarjeta de crédito, despreocupada por la situación real anteponiendo su felicidad personal y su mundillo propio. Esta situación se agrava en la clase pudiente que se fuerza a ignorar incluso que hay unos insurgentes que luchan por sus derechos que sale a relucir en la escena del atentado en el restaurante con los comensales continuando su charla como si no hubiera pasado nada.

Sin embargo nosotros conocemos el terrorismo desde la primera escena de la película, ya que la primera escena de ‘Brazil’ es una explosión. Y la siguiente es una entrevista al viceministro de información la que, al preguntarle por la razón del incremento de la campaña de bombas, el viceministro Helpmann responde:

Malos deportistas. Una despiadada minoría de gente parece haber olvidado las viejas virtudes. Ellos no pueden limitarse a ver al otro colega ganar. Si esta gente simplemente jugase el partido, en vez estar parados en la línea de banda interrumpiendo…

Como podéis ver el gobierno quita todo el hierro que puede al asunto en ese deber gubernamental de mantener desinformado al pueblo. ¿Para qué preocuparse de cuatro tarados que llevan trece años poniendo bombas? No se preocupe, vaya de compras y sea feliz. No quisiera meterme en cuestiones sociopolíticas, sobre todo tal como está el panorama, pero desgraciadamente esta respuesta tan grotesca es, y ha sido, la habitual de la clase gobernante desde tiempos inmemoriales.

Me llamó mucho la atención de que en este mundo las carreteras estén valladas y tapizadas de carteles para que el conductor no vea que no todo es de color de rosa (da la casualidad de que esa carretera pasa por un polígono industrial). Es un detalle que se me había escapado hasta que hace una semana revisioné la película para hacer este artículo. Y no pude evitar acordarme de ‘Wall·E’ que, aunque disfrazada, nos presenta una distopía encarnada en la nave, en el que los pasajeros del crucero viven absortos en una espiral de consumismo y comodidad.

También se desprenden muchos temas como la obsesión por la belleza y la cirugía que, mientras que en el caso de la madre del protagonista logra rejuvenecer con éxito, en el caso de su mejor amiga la cirugía le trae complicaciones severas,aunque según el cirujano no haya nada de lo que preocuparse, creando esa aura de falsa felicidad común en la alta sociedad que está dormida en su decadencia.

Para terminar con este apartado, una vez comentados los temas transversales que trata ‘Brazil’ me gustaría comentar la tecnología completamente obsoleta incluso para la época en la que se realizó la película. Vemos como, salvo contadas excepciones, como por ejemplo la tecnología médica y la culinaria, el espectro tecnológico-científico no parece haber avanzado gran cosa, teniendo los aparatos domésticos un aspecto viejo que roza que sin duda recuerda a otra obra maestra que es ‘Blade Runner’.

La música

Mención especial merece la música, puesto que juega un papel muy importante ya que describe las sensaciones del protagonista en particular y el ambiente de la película en general, esta música nos lleva por el viaje interior de Sam Lowry porque más allá de todo el panorama distópico de ‘Brazil’ es la subjetividad, los sentimientos, emociones, pensamientos y ensoñaciones de este humilde funcionario el verdadero leit motiv de la película.

Nos adentramos, a través de la música, en una composición audiovisual como pocas se ven, con el famoso tema ‘Aquarela do Brasil’ como hilo conductor al que acompañan piezas más clásicas pero que reflejan perfectamente el estado de ánimo de Lowry, el idilio, la ensoñación, la acción, la locura. Un estado que al final de la película estalla en una secuencia que yo la tengo grabada desde la primera vez que vi esta película.

Porque ya he demostrado que ‘Brazil’ no es una distopía al uso, ya que posee ese tono satírico, que parodia tanto a las distopías como a la burocracia, sino que tampoco es una película normal, o por lo menos como se entiende bajo los estándares actuales del cine. Si tuviera que definirla en dos palabras no tengais duda de que emplearía la expresión “maravillosa composición”.

Decía al principio del artículo que los hados habían querido que esta sea la primera película del ciclo distópico de la que os hable, pero también ha coincidido que hoy hace un año desde que publiqué mi primer artículo en este blog. Así que no se me ocurre mejor manera de celebrarlo que terminando este artículo con el tema central de la película ‘Aquarela do Brasil’ con la que concluye la película.

Brazil, where hearts were entertained in June, We stood beneath an amber moon, And softly murmured ‘Some day soon’ We kissed and clung together, Then, tomorrow was another day. The morning found me miles away, With still a million things to say, Now, when twilight beams the sky above, Recalling thrills of our love, There’s one thing I’m certain of, Return, I will, To old Brazil.

Más Info | Guión de ‘Brazil’ (Inglés)

¿Puede ser una de las primeras películas de ciencia ficción, previa al cine sonoro, también una de sus obras cumbre? La prueba de que sí es ‘Metrópolis‘, de Fritz Lang, estrenada en 1927 (quedaos con la fecha). Es tan grande esta cinta, tan adelantada a su tiempo, que muchas de las otras obras llamadas maestras de la ciencia ficción beben de ella. Tan sólo hay que comparar los paisajes urbanos de la Los Ángeles de Blade Runner con los rascacielos de Metrópolis. ¿No la has visto? Puedes ver Metrópolis al final del artículo al completo…

La Historia

Metrópolis es una inmensa ciudad del siglo XXI, llena de lujos y opulencia, en la que la población se dedica a actividades filosóficas y de ocio. Sin embargo, oculta una terrible realidad: funciona gracias a una clase trabajadora, que vive esclavizada en una ciudad subterránea, sin ver el sol, explotados en interminables turnos sin pausas.

Freder, hijo del magnate que dirige Metrópolis, Joh Fredersen, pasa sus días en los Jardines Eternos, donde se dedica a perseguir chicas y ellas a dejarse atrapar. Un día, ve en un acceso a los jardines a una chica junto a decenas de harapientos niños: Es María, que trata de acabar de forma pacífica con la injusticia que sufren los trabajadores del submundo. A través de ella, Freder descubrirá el horror que se oculta tras la bella cara de Metrópolis, la verdad que su propio padre les ha ocultado, y tratarán de poner fin a esta inhumana situación.

Mientras, Fredersen está tramando un plan para acabar con la insurgencia de María. Con la ayuda del científico Rottwang, crea un androide capaz de tomar la apariencia de María, para suplantarla. La idea es programarlo para causar disturbios, y así justificar una represión violenta por parte de Fredersen.

Pero Rottwang tiene sus propios planes, y ha añadido al robot la personalidad de su amor perdido, Hel, que el propio Fredersen le robó y que posteriormente falleció. Rottwang quiere venganza, y el robot será su instrumento.

Alegorías y Distopía

La cinta está cargada de alegorías. Como realmente se disfruta es en un cinefórum, como tuve la suerte de hacerlo yo, porque es increíblemente densa en detalles. Aunque comento algunos por encima, visionado tras visionado se descubren otros nuevos.

El primer mensaje es claro: la alienación del trabajador, explotado por la clase burguesa. Pero también hay una crítica subyacente al ideal de la revolución socialista, pues María rechaza de pleno cualquier acto trasgresor y pide sólo acciones totalmente pacíficas. El robot se utiliza como una crítica contra la tecnología desbocada, utilizada sin criterio ni moral, en la línea del Frankenstein de Mary Shelly, a lo que se añade otro mensaje anti-violencia, pues la revuelta que incita no causa sino más perjuicio a los esclavos del subsuelo de Metrópolis.

La figura de María también es obvia, más si pensamos en que anima a los trabajadores a esperar pacíficamente la llegada de un redentor. Cuando el robot la suplanta, lo primero que hace es darse al vicio, a actuar con el torso desnudo en un cabaret, como demostración máxima de su falta de moral.

Sucio y agotado, el hombre se muestra al servicio de la máquina, pulcra y perfecta, cuando debería ser al contrario. El reloj que marca los turnos tiene diez horas, tan calculado y perfecto como inhumano. Los edificios de los trabajadores son rectos, tan idénticos como ellos mismos, con calles que son simples pasillos entre cama y trabajo. Mientras, Metrópolis está en constante ebullición, con trenes y avenidas entre los impresionantes edificios, y aeronaves realizando maniobras imposibles.

Finalmente, Lang cierra con un lema: “Entre el cerebro y la mano ha de mediar el corazón“. Para que la unión de razón y fuerza funcione, es necesario que los sentimientos intervengan. De otra forma, la razón pura y fría corre el riesgo de utilizar cualquier medio para llegar al fin buscado.

El Diseño de Metrópolis

Si no fuera porque los habituales aerodeslizadores son sustituidos aquí por biplanos que cruzan en procesión entre los rascacielos, nadie diría que fue diseñada a finales de los años 20. El impresionante Zigurat, desde el que Frederer controla Metrópolis, está grabado en la retina de todos los cineastas del género.

Y el contraste con las catacumbas donde malviven los trabajadores es brutal. También se marca claramente el distrito del pecado, de corte asiático, con el ‘Yoshiwara‘ al frente: lo exótico como alegoría de lo carnal. El laboratorio de Rottwang, pese a lo avanzado de su tecnología, no dista demasiado de la guarida de un alquimista, con un pentáculo invertido tras el robot. Y la catedral permanece inalterada, olvidada por una civilización que ignora cualquier dilema moral.

Los paisajes de Metrópolis impresionan. Es difícil entender cómo pudieron diseñarse estos decorados a principios del siglo pasado. Y no es sólo en el aspecto visual. En 1926, cuando se terminó de rodar, los primeros experimentos sobre el concepto de “televisión” se presentaban en las grandes exposiciones científicas internacionales. Hasta 1929 no se produjeron las primeras transmisiones televisivas trasatlánticas de forma regular. Pero en la sala de control de Fredersen se monitoriza la fábrica mediante un circuito cerrado de televisión, concepto que hasta muchos años después no tendría sentido.

Y qué decir del robot. Su diseño está grabado a fuego en todos nosotros, seamos fanáticos del género o no.

Diferentes Versiones

La película duraba originalmente unos 228 minutos, aunque sólo 15.000 alemanes tuvieron la suerte de verla completa. Por desgracia, el concepto de “americanada” ya estaba firmemente establecido en esta época: Pensando que era demasiado larga y demasiado profunda para el espectador norteamericano, la Paramount contrató a Channing Pollock para adaptar el film para el público estadounidense. Entre ambos recortaron Metrópolis, descafeinaron su mensaje, y dejaron muchas partes de ella sin pies ni cabeza.

Esta versión fue la que después se exportó a casi todo el resto del mundo. Pero el delito no acabó ahí: el metraje eliminado desapareció por completo, con la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Al menos una cuarta parte del metraje original se ha dado por perdido.

Con el paso de los años, muchas instituciones se dedicaron a restaurarla con más o menos tino. El primer intento serio fue en 1969, del Archivo Fílmico Estatal de Alemania del Este. Hay que esperar hasta los 80 para ver los mayores avances, y curiosamente empezaron por el productor musical Giorgio Moroder, en 1984, que ya llevaba dos Oscars por esas fechas. La conocida como “versión de Moroder“, supone una imagen restaurada, velocidad de marcos más ajustada al original, sutiles colores planos en algunas escenas, sustitución de los intertítulos por subtítulos, y agregó imágenes de archivo y textos para cubrir los fragmentos perdidos, dándoles dinamismo con zooms y desplazamientos.

Pero muchos la consideran una aberración, porque Moroder, que poco después recibiría su tercer Oscar por componer “Take my breath away”, utilizó temas de Pat Benatar, Bonnie Tyler y Freddie Mercury para la banda sonora. Para mi gusto, y dado el corte del film, encajan mucho mejor de lo que podría pensarse, y en cuanto a respeto al guión original fue la más fiel hasta el momento. Eso sí, logró revitalizar los intereses por la joya de Fritz Lang.

Tras otra restauración de importancia, por el Munich Film Museum, entre 1987 y 1995, y en la que se reconstruyeron las escenas perdidas y se recuperó la banda sonora original, llegamos a la que se pensaba iba a ser la definitiva. Desde 1998 hasta 2001, la Fundación F. W. Murnau llevó a cabo la restauración final, aunque al menos cuatro escenas importantes, la cuarta parte de la película, no se pudieron recuperar. En mi colección están ésta y la de Moroder.

Pero en Junio de 2008 se encontró en el Museo del Cine de Buenos Aires una copia en 16 milímetros casi completa del filme original, que se recibió directamente del estreno en Berlín, en 1927. Faltarían unos 23 minutos del metraje original, y está en un estado muy deteriorado. El formato de la película es bastante particular, y no existía ningún proyector para él, lo que ha retrasado el proceso de restauración. Saldrá en BluRay este año o el próximo.

Este es, quizás, el artículo que quería escribir al incorporarme a ZonaFandom. Es el primer borrador que empecé, y pronto vi que necesitaba situarse dentro de algo más grande, para que comparado con el resto destacara aún más. Así se gestó este especial de cine distópico, en el que empezamos a trabajar en el verano de 2008, al tiempo que 23 minutos inéditos de un tesoro cinematográfico, declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO, aparecían en un polvoriento arcón en Argentina.

Y puedo permitirme el lujo, a diferencia del resto de las comentadas, de dejaros con la película, aunque sea en una de las versiones con la imagen sin restaurar… Si alguien quiere ver la versión de Moroder, difícil de encontrar, le puedo explicar cómo verla.

Más información | Cinematófilos, Un paseo por Metrópolis
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Ahora mismo puede que algunos de vosotros estéis pensando que no hay nada que pueda contar sobre ‘Akira’ que no se haya dicho ya. Acuñada como obra cumbre del anime por unos, dinamitada y etiquetada como pedante por otros y en medio nadie, porque ‘Akira’ no deja indiferente. Esto no va a ser una crítica al uso sobre la colosal obra cinematográfica de Katsuhiro Otomo (mucho más extensa en su versión manga), sino más bien va a ser un relato de mi experiencia personal, hace ya varios años, cuando me aventuré a entrar en una sala de cine de mi localidad.

Retrocedamos en el tiempo hasta 1992, año del estreno de ‘Akira’ en España, unos pocos años después del estreno nipón (así iban las cosas antes). Un pequeño chaval de once años ve como una película de dibujos animados japoneses llega a las carteleras de todo el país. ¿Anime? El pobre no tenía ni idea de lo que significaba esa palabra. Sólo sabía que esos dibujos venían de Japón, al igual que Dragon Ball, Campeones y Los Caballeros del Zodiaco. Así que no hay duda, Akira debe ser lo mismo pero visto desde la butaca del cine. No se lo puede perder.

Con toda la ilusión del mundo, el muchacho compra su entrada de cine, pasa de comprar palomitas y entra directamente a buscar un asiento libre en la casi desértica sala. Se acomoda a una distancia prudencial y poco después comienza la película.

Tokio, 1988. Todo se va al carajo. Que gran comienzo, una ciudad entera (la que después se conocería como la ciudad cerilla) es arrasada por una descomunal explosión. La historia salta 31 años en el futuro, para mostrarnos Neo-Tokio. Y aquí el muchacho tiene una revelación y nace una obsesión en su interior. Nunca antes había visto algo semejante. Una abrumadora armonía de luz ilumina la oscura sala de cine y la megalópolis en mayúsculas se muestra. Ahí el muchacho se enamoró de Tokio, la ciudad del futuro por antonomasia.

Pero la historia comienza, y no hay que despistarse. Un pequeño grupo de pandilleros, liderados por un tal Kaneda quien corre a lomos de una mítica y envidiable moto roja, se enfrenta a una banda rival. Cuanta violencia. El muchacho se extraña. Esta violencia es demasiado real, demasiado cotidiana. Se parece en exceso a las películas de acción de la época. En las series japonesas de la televisión no se ve eso. El muchacho soporta el aluvión de violencia, explosiones y desnudos parciales gracias al entrenamiento del cine yanki. Le da las gracias.

Pero el muchacho sigue algo incomodo. Ve a Tetsuo, un débil ser que de golpe aglutina un poder destructivo impresionante y piensa que le gustaría ser como él. Destruir a quien le molesta con un simple pensamiento y un movimiento de mano. Tetsuo es intocable, infunde miedo, pero es un crío asustado. El muchacho siente el mismo miedo que Tetsuo. Cuando Tetsuo se ve rodeado por tres pequeños seres con apariencia de niños envejecidos, teme por si mismo, y desata su poder, como un gigantesco gato atrapado en una esquina. El muchacho ya no quiere ser como Tetsuo, tiene miedo de él.

A partir de ese momento el muchacho se recoge en su butaca. La película es cruel. No sabe a ciencia cierta qué es Akira (lo cual descubriría en posteriores visionados de la película) pero lo que es seguro es que no puede apartar la vista de esa grotesca historia que le transmite tanta desesperación.

Pero la apoteosis llega al final. La lucha entre el dios en la tierra que es Tetsuo y su antiguo amigo Kaneda se convierte en una cruda, repulsiva y apasionante secuencia que a ratos provoca un enorme malestar en el muchacho, llegando incluso a rozar el límite y provocar alguna arcada al contemplar a la gigantesca masa deforme en la que se ha convertido Tetsuo, incapaz de controlar su poder.

La película acaba y el muchacho, pálido y con los ojos bien abiertos se dirige a su casa. No ha asimilado lo que ha visto, es incapaz de hacerlo, su mente no está preparada. Si en ese mismo instante alguien le hubiera preguntado si Akira le ha gustado, simplemente respondería, “yo no puedo contestar a esa pregunta”, ve tú a verla y te lo diga ella misma.

Ahora, casi veinte años después, ese muchacho sigue teniendo ‘Akira’ grabada a fuego en su mente. En cuanto tuvo la primera ocasión, volvió a ver la película en la televisión. Compró la cinta VHS cuando salió acompañando la primera entrega de un memorable coleccionable de anime. Compró la versión en DVD de la misma película cuando otro coleccionable le dio la oportunidad. Es uno de sus pequeños tesoros. Es una película que le gustaría ver junto a sus hijos cuando estos estén preparados. Quiere que conozcan a Kaneda y su gran fuerza de voluntad que no lo detiene ante nada. Quiere que conozcan a Tetsuo, para que aprendan las consecuencias del abuso del poder. Quiere mostrarles las calles de Neo-Tokio para que se maravillen con la fantasiosa arquitectura nipona, a la cual se acerca la real, un amasijo de luces que decoran un futuro que poca gente desearía, alejado de los ideales del “futuro mejor”. Pero sobre todo quiere que se maravillen con el anime, que no lo vean como un arte menor que sólo gusta a los frikis, sino como una manera tan válida como otra para contar una historia sin ningún tipo de límite y sin pudor.

Si ahora le preguntáis a ese muchacho si le gustó ‘Akira’, sólo os dirá una cosa: “tienes que verla, poco importa cómo me marcó. Independientemente de que luego te guste o no, sólo tienes la opción de verla y sentirla por ti mismo”. Y eso es lo que les diré a todos.

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Una de las cuestiones recurrentes en la ciencia-ficción es la relación entre el hombre y la máquina a medida que esta última va evolucionando a pasos agigantados. En medio de esta vorágine tecnológica y de nuevas formas de comunicación, las relaciones sociales cambian y también la concepción que el ser humano tiene de sí mismo. Muchos autores se han preguntado qué será de nosotros cuando las máquinas sean capaces de pensar por sí mismas y apenas se diferencien de las personas.

En ‘Ghost in the Shell’, esta pregunta cambia de protagonista y son ahora los cyborgs quienes se cuestionan su propia humanidad. ¿Hay hueco para eso que llamamos alma entre su amasijo de cables e implantes cibernéticos? ¿Qué es lo que define a un ser humano; el simple hecho de estar compuesto de carne y hueso, o hay algo más? Estas son algunas de las preguntas que se plantea Motoko Kusanagi, la protagonista de la película, que además forma parte de la Sección 9 del gobierno especializada en crímenes tecnológicos.

La faceta existencial de la cinta convive con la trama detectivesca relacionada con la captura del Maestro de Marionetas, que se dedica a “piratear” seres humanos a los que crea recuerdos artificiales para conseguir sus propios fines. Sin embargo, todo esto no es más que un punto de cohesión entre las reflexiones que hay desperdigadas por el metraje, que son el verdadero leit-motiv de ‘Ghost in the Shell’.

Los personajes se mueven por un mundo virtual en el que los límites de la realidad ordinaria son cada vez más difusos. La ambientación es excelente, con calles posiblemente inspiradas en los barrios de Hong Kong y otras ciudades similares, en las que se despliega un caos urbano plagado de cables eléctricos, carteles inmensos y multitud de personas anónimas que deambulan de un lado a otro.

No es un mundo muy alejado del nuestro, ya que las grandes redes de información están empezando a suplantar las relaciones humanas habituales. Y en cuanto a las reflexiones sobre la propia identidad, es una cuestión que todos los filósofos de la Historia han tratado de desentrañar a través de sus diferentes ópticas. El caso es que seguimos casi como al principio, y quién sabe si encontraremos nuestro lugar en el gigantesco hormiguero en el que vivimos como hace la protagonista de esta historia.

Junto a su elaborado guión, lo que convierte a ‘Ghost in the Shell’ en una obra maestra de la animación japonesa es precisamente la calidad de su animación y de la banda sonora. La canción con el coro de voces agudas y el acompañamiento de la percusión te pone los pelos de punta, creando una atmósfera fría e inhóspita como el mundo cibernético que se nos presenta.

También es destacable el peculiar contraste que se produce en las escenas de acción. Y es que en lugar de venir acompañadas de melodías épicas y dinámicas, se nos muestran con tonadas reposadas y minimalistas que incrementan su crudeza, de modo que no se convierte en el típico film de tiroteos y persecuciones.

‘Ghost in the Shell’ se estrenó en 1995 y desde entonces pocas producciones han conseguido repetir sus logros. El equipo de Mamoru Oshii subió al podio del anime gracias a esta adaptación del manga de Masamune Shirow, y casi una década después, en 2004, trataron de repetir fortuna con la secuela, ‘Innocence’, que aunque no alcanza a la primera también tiene escenas memorables.

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Estamos ya dentro del top 10 y por tanto todas las películas incluidas por aquí son, sin lugar a dudas, obras maestras. En esta ocasión tengo el honor de poder hablaros de una de mis películas favoritas, creo que no habrá nadie por aquí que no la haya visto, os estoy hablando de “The Matrix”. Por si aún queda algún despistaete contaros que la película nos narra un futuro en el que las máquinas dominan el mundo y los humanos son criados en grajas para ser utilizados como baterías para ellas mismas. Estas máquinas han creado una realidad alternativa la que llaman Matrix y donde “viven” las conciencias de los humanos.

Se trata del argumento ideal para una película distópica de ciencia ficción. Este mundo distópico se deja ver en muchas ocasiones, en un primer lugar se nos contrasta la vida oculta del señor Anderson que tras dejar su trabajo en una respetable compañía de diseño de software se convierte en Neo un hacker a sueldo. Cuando se encuentra dentro de su vida normal, se le nota que realmente no le importa demasiado lo que está ocurriendo pues no se trata realmente de su vida. Se nos muestra la realidad como gris y monótono donde hacemos muchas cosas sin saber realmente por que lo hacemos.

Una duda que podría surgirnos a todos es, ¿Por que si vivimos en un mundo irreal, existe el sufrimiento y la tristeza?. Y es que según explica el agente Smith, uno de los agentes de Matrix, el ser humano no ha nacido para vivir de este modo, en la primera Matrix todo era felicidad, pero no funciono, yo creo que sucedía es que no nos la creíamos.

Según nos cuenta Morfeo, en el comienzo del siglo XXI el ser humano invento la inteligencia artificial, todo el mundo estaba muy contento, hasta que ésta se rebeló. Entonces comenzó una guerra al más puro estilo Terminator pero sin viajes en el tiempo. Para luchar contra las máquinas el ser humano “destruyó” el cielo, no dejando pasar la luz del Sol, supongo que esto lo harían mediante una explosión, tras la que se desencadenaría un invierno nuclear, creo que no dan más explicaciones. La cuestión es que creían que sin la luz del Sol las máquinas no tendrían energía, craso error, se la buscaron de otro lado, nada más y nada menos que del cuerpo humano, que desde entonces se convirtió en una mera batería.

A partir de aquí se nos plantean una serie de cuestiones muy interesantes, la primera y que da pie a los guionistas a crear excepcionales persecuciones y peleas es que si la realidad es un programa informático éste podría “hackearse”, es decir podrían violarse sus reglas, como por ejemplo la de la gravedad, dando pie a saltos imposibles, fuerzas sobrehumanas o aprender tareas complejas simplemente descargando en el “cerebro virtual” el conocimiento. Otro tema que se introduce que me parece extremadamente interesante es que uno de los tripulantes de la nave conocido como Cifra prefiere vivir dentro de Matrix, prefiere el desconocimiento. Él mismo en una conversación con Trinity le dice que Matrix si es real pues es lo que el puede sentir, que es incluso más real que la propia realidad. Entramos aquí en un tema filosófico que da mucho que pensar, que es la realidad si no nuestra forma de percibir el mundo, cada persona vive una realidad ligeramente distinta, entonces aunque nos dijeran que vivimos dentro de un programa informático diríamos que es esa nuestra realidad. Os dejo que os rasquéis un poco el coco cada uno…

Una serie de personas dentro de este universo se dan cuenta de que algo no encaja en esto, algo les chirría, no aceptan lo que se les ha contado. De este modo y con la ayuda de Morfeo consiguen salir de esta realidad de la que se dice son esclavos. A mi entender esto es a su vez una crítica a la sociedad moderna, en la cual somos esclavos, somos esclavos de la sociedad, en muchas ocasiones hacemos muchas cosas empujados por ésta, cosas que realmente no querríamos estar haciendo. Es éste el mundo gris que nos narran el Matrix y del que “nos invitan” a salir.

Al margen de esto la película cuenta con unos efectos especiales que marcaron un hito, no ya dentro del cine de ciencia ficción si no de acción y del cine en general, se habla del efecto matrix y también de un antes y después en los efectos especiales tras esta película. Otra de las cosas que más se alaba es el guión, que es obra de los Hermanos Wachowski. La película forma parte de una trilogía que aunque a mi me gusta, me parece que no esta ni de lejos a la altura de la original, por lo que la dejaré fuera de esta reseña. Otro aspecto en el que destaca, y mucho, es en el musical, Matrix cuenta con una banda sonora muy animada que se integra a la perfección con cada escena de la película y le marca un ritmo trepidante, es realmente difícil aburrirse viendo esta película, aún habiéndola visto una decena de veces (y os lo digo por experiencia). En el aspecto de actuaciones, creo que las actuaciones son más que correctas, incluso vemos a Keanu Reaves siendo más elocuente de lo habitual, incluso cambia el gesto a veces.

Hay quien encuentra la parte de religión en la película, ven a Neo un Mesias, yo personalmente no lo veo en esta primera película si en las siguientes, pero como comentaba antes no tengo intención de hablar de la trilogía. A lo que sí me gustaría dedicar un par de líneas es a Animatrix, unos cortos que de animación que se hicieron entre la primera parte y el resto de la trilogía que me parecen realmente buenos, se pueden encontrar en tiendas por no más de 10 euros y os los recomiendo fervientemente. Además hablando del tema que nos interesa, sobre la parte distópica, estos cortos tienen mucho de distopico, nos cuentan en gran parte historias de personas que consiguen “salir” de Matrix, particularmente me gusta como consigue hacerlo un deportista, mediante la superación personal.

Las películas distópicas que tratamos en este especial son geniales porque se trata de un futuro que podría suceder dentro de poco, pero lo que tiene Matrix es que ese futuro podría estar sucediendo ahora mismo, podríamos estar dentro de esa realidad distópica y nadie puede garantizarnos que sea o no sea así. Hayáis visto o no esta película os invito cogerla de nuevo y volver a ponerosla, yo acabo de hacer eso mismo hace un rato para tenerla fresca para escribir esto y he de decir que he vuelto a disfrutar cada uno de sus escenas, sin lugar a dudas se trata de una obra maestra.

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‘Hijos de los hombres’ es, sencillamente, mi película favorita de lo que llevamos de década en el género de ciencia ficción. O, diciendo lo mismo pero de manera más grandilocuente, la mejor película de ci-fi de este milenio. Es una distopía apocalíptica como pocas, pero esta narrada desde una perspectiva casi intimista, así que parece más real.

Basada en la novela de P.D. James, la película de Alfonso Cuarón golpea una y otra vez al espectador. Lo hace como los buenos boxeadores: castigándonos poco a poco hasta que, de vez en cuando, suelta un mazazo con el que nos deja temblando para, finalmente, obligarnos a rendirnos a ella.

En 2027, con sólo 18 años, muere la persona más joven del planeta. Desde hace mucho tiempo, han dejado de nacer bebés, las mujeres no pueden procrear y el mundo está abocado a la extinción. Pero será la peor extinción posible: dándonos cuenta de que nos desvanecemos, perdiendo toda esperanza.

‘Hijos de los hombres’ cuenta, precisamente, la vida en un mundo enloquecido por la falta de esperanza. Sin ella, no hay posibilidad de que el hombre no se comporte como el lobo que dicen que es. Por eso, además de enloquecido, la tierra que retrata Alfonso Cuarón es también opresiva, policial, brutal.

No hay en ‘Hijos de los Hombres’ ni un sólo momento exagerado. Podría, porque el tema daría para llegar hasta casi la autoparodia, pero Cuarón elige el verismo. Las calles de las ciudades son como las nuestras, las personas son iguales a nosotros. Puede que se sitúe 20 años en el futuro, pero ‘Hijos de los hombres’ prefiere no reinventar nuestro mundo. Eso y unos personajes perfectos (con un gran Clive Owen como Theodore Faron) impregnan de realidad mundana esta distopía que en manos de otros podría ser casi increíble.

Pero, además de la ambientación, hay otro gran éxito en ‘Hijos de los hombres’: la manera en qué se planificó y se rodó. El uso del plano-secuencia es, sencillamente, magistral. Cuarón apuesta por el más difícil todavía, pero no convierte esa elección en un ejercicio de exhibicionismo: no parece gritar “mirad qué bien ruedo”, sino que para el espectador no hay otra forma posible de rodar escenas como esa en la que nos mete de lleno en una ciudad que se destruye, precisamente, porque no tiene esperanza.

Éste es uno de los grandes momentos no del film, sino del cine de los últimos años, una gozada visual en la que el espectador, sin embargo, no se deleita con lo técnico, sino que es arrollado por la historia. Cine en estado puro: diversión y técnica, arte consciente de sí mismo y emoción.

‘Hijos de los hombres’ es aún mejor porque es fácil adivinar que, en otras manos, hubiera sido la típica película horrible hollywoodiense. Sin embargo, tal vez por ser una producción británica de director mexicano, el film consigue huir de todas las trampas del cine de acción y ciencia ficción de nuestros días. Es, lo voy a decir sólo una vez más, una obra maestra.

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