Un día más, bienvenidos a esta nueva entrega de Leyendas Urbanas del Cómic Américano, una serie de artículos que repasan diferentes curiosidades y leyendas urbanas que existe alrededor de la industria del cómic y que no hacen nada sino enriquecer esta historia y nuestro conocimiento friki. Comenzamos.

John Byrne dejó fuera a Jack Kirby de la portada del 20 aniversario de los 4 Fantásticos por orden de Jim Shooter.

Falso. Esta es la portada del número 236 de Fantastic Four (noviembre 1981), obra de John Byrne. En ella a parte de los personajes más importantes de la serie aparecen los creadores de la serie… espera, que falta Jack Kirby, así pues nos encontramos a una portada que homenajea la creación de la serie en la que sale Stan Lee (arriba a la derecha) pero no Kirby. Según el propio Byrne, Kirby estaba dibujado, pero Jim Shooter, el editor Marvel de entonces, borró al co-creador de la portada. Sin embargo, la verdad es otra. Resulta que por la época Jack Kirby tenía abiertos varios litigios con Marvel, uno de estos litigios era sobre el uso indebido de nombre e imagen del ‘Rey’. Así que parece ser que cuando él o sus abogados se enteraron de que la imagen de Kirby saldría en la portada del número, pidieron a Marvel que retirase el retrato.

DC produjo comics de Superman específicamente para Alemania
Verdadero. En la década de 1980 la popularidad de Superman en Alemania era enorme, tanto que DC hizo un trato con la editorial alemana Ehapa para realizar nuevas historias de Superman para el mercado germano, pero en vez de dejar que Ehapa contase con sus propios autores para estas nuevas historias (que por cierto estaban incluidas dentro de la continuidad del personaje) DC realizó directamente estos comics. Algunos comics fueron reeditados posteriormente en Estados Unidos.

Claremont quisó resucitar a Coloso pero fue detenido por la editorial
Falso. Cuando Lobdell mató de forma estúpida a Coloso todos le queríamos de vuelta, tanto que cuando Claremont lanzó X-Treme X-Men empezó a circular el rumor de que Claremont quería resucitar a Coloso. En la primera saga de X-Treme X-Men, Vargas mató a Mariposa Mental, todo formaba parte de un plan del patriarca mutante para sanear la historia de Betsy Braddock ¿alguien dijo Alba Escarlata?. Pero Marvel inició una nueva norma para sus comics “No más resurrecciones, muerto es muerto”. Con lo cual Claremont no podía resucitar a Mariposa ni, según los fans, a Coloso, la verdad es que Claremont no tenía intención, al menos en esa época, de resucitar al soldado de hojalata. Coloso resucitó en las páginas de Astonishing X-Men obra y gracia de Joss Wheddon, aprovechando la abolición de la norma “Muerto es muerto”, acontecimiento que aprovechó Claremont para resucitar a Mariposa Mental en Uncanny X-Men.

Mark Waid quitó su nombre de los créditos de un número del Capitán América
Verdadero. Hace poco P. Roberto nos comentó el debate montado sobre los pros y contras de trabajar de forma independiente vs. trabajar para una gran editorial. El caso es que me he acordado de ese artículo al leer sobre este caso. Resulta que Mark Waid tuvo una interesante etapa en Capitán América, pero hubo un número que desató la polémica, se trata del número 14 de Captain’s America (vol. 3, Febrero de 1998) en la que se nos presentaba una historia sobre Cráneo Rojo. Bien, Mark Waid retiró su nombre de los créditos de ese tebeo porque Marvel modificó los textos cómic hasta el punto de transformarlo en una historia muy distinta a la elaborada por Waid. Eso sí, Marvel conservó las descripciones de los dibujos y el dibujo en sí obra de Andy Kubert.

El Pato Donald descubrió el Metileno

En una manera de hablar, verdadero. En 1944 Carl Barks dibujó esta historia para el Pato Donald en el cual el pato tenía un momento de lucidez científica elaborando Duckmite a partir de metileno (CH₂), todo normal de no ser porquela existencia de esa sustancia química no se pudo probar hasta casi veinte años después. De hecho la página que os he mostrado de este cómic constituye una nota de un estudio sobre los efectos de los carbonos publicado en 1963.

Smallville fue establecido en la costa este en un cómic de Superboy
Verdadero. De todos es sabido que Smallville es un ‘pueblo’ del medio oeste, enclavada en el estado de Kansas. Pero antes la localización de Smallville era más o menos como la de Springfield, nadie sabía donde estaba. Pero remontándonos en el pasado, el primer dato que se dio sobre la localización de Smallville fue dado por Mort Weisinger, el editor, en la sección de correos de Superboy a principio de la década de 1960: Nunca hemos establecido definitivamente en qué estado está, pero Smallville es un suburbio de la costa este de los Estados Unidos. Definitivamente no Kansas. Sin embargo posteriormente fue establecida como localidad de Kansas

DC convirtió a Bart Allen en Flash porque era el Flash de Smallville
Falso. Hablando de Smallville, trasladémonos a la serie de TV. En ella pudimos contemplar la primera aparición de The Flash, el hombre más veloz del mundo. El problema viene porque la identidad de Flash (que en los comics había sido encarnado por Jay Garrick, Barry Allen y Wally West) era Bart Allen el jóven compañero y nieto de Barry y que en los comics usaba los nombres de guerra de Kid Flash e Impulso. Pocos años después de esta irrupción televisiva Bart Allen se convertía en el nuevo Flash en los comics como consecuencia de los acontecimientos de Crisis Infinita. La gente relacionó este ‘ascenso’ con el hecho de que Bart Allen era el Flash de la serie de TV, sin embargo según Gough, productor ejecutivo de Smallville, utilizaron a Bart porque era el nombre que les dio DC para el personaje. Por cierto, que en el regreso de Bart Allen en Smallville, el apodo era Impulso.

Un hombre pidió permiso a DC para someterse a cirugía plástica para parecerse a Superboy
Falso. Ya os hablé de la popularidad de Superboy, pues hay un caso muy curioso en torno a este hecho sobre un lector de Superboy que escribió a DC contando que había sufrido un accidente que había desfigurado su cara y afirmaba que iba a someterse a cirugía plástica, y pedía permiso a DC para ponerse la cara de Superboy. Poco después otro lector preguntó a DC sobre la operación y DC le dio los datos del supuesto operado. Pero la carta que envió al operado le fue devuelta porque ni el nombre ni la dirección existían. DC admitió entonces que habían caído en un engaño.

Matt Murdock aparece en el primer número de las Tortugas Ninja.
Verdadero. Las tortugas ninja parodiaban mucho, en sus orígenes, a los comics de Frank Miller, en concreto Ronin y la etapa ‘ninja’ de Daredevil, con Elektra y La Mano. De hecho la parodia llegaba hasta tal punto que asisitíamos en Teenage Mutant Ninja Turtles #1 de Kevin Eastman y Peter Laird al conocidísimo accidente que sufrió Matt Murdock.

Sólo dos frases de Secret Wars terminan en punto
Falso. Terminamos con uno de los datos más frikis de los que llevo dando en esta serie de artículos. Porque atención no son dos frases sino catorce las que terminan con un punto en la edición original de Secret Wars (el primer macrocrossover de Marvel), ojo que estoy diciendo que las catorce frases ‘normales’ están repartidas entre los doce números, de veintitantas páginas cada uno de ellos. El resto de las frases terminan o bien con un punto de exclamación o bien con uno de interrogación. Suponemos que Jim Shooter, guionista de la serie y editor Marvel quería hacer un cómic muy dinámico y lleno de acción, recordemos que Secret Wars era un cómic diseñado para lanzar una línea de muñecos de acción de los superhéroes Marvel.

Pues hasta aquí por hoy, ya aviso que al igual que en la anterior entrega, tendremos posts derivados de esta serie sobre Leyendas Urbanas. Permaneced atentos porque he seleccionado un par de historias bastante interesantes.

Más Info | Comic Book Urban Legends Revealed History
En Zona Fandom | Leyendas Urbanas del Cómic Americano (I), (II), (III), (IV) y (V)

En la última entrega de Leyendas Urbanas del Cómic Americano, había una curiosidad que destacó sobre las demás, no por lo que le dediqué de texto (seis líneas) sino por lo sorprendente, me estoy refiriendo a la existencia de Thomas Wayne Jr., hermano de Batman.

Realizando ese artículo me di cuenta que debía dedicarle más líneas a este descubrimiento, de hecho, en los comentarios, queríais saber más, y DoodoM nos enlazaba, en un comentario, a una serie de imágenes. A partir de ahí decidí ir a las fuentes, es decir, localizar los números en los que se cuenta la historia del hermano de Batman.

La historia del ‘Bat·Hermano’ se encuentra en dos números de World’s Finest Comics, una serie que en cada número presentaba historias de los superhéroes más famosos de DC. En la década de 1970 esta serie era bimestral y presentaba aventuras de equipo de Superman y, normalmente, Batman, e historias de complemento de otros personajes.

En el número 223, fechado en Mayo/Junio de 1974, Bob Haney y Dick Dillin, el equipo creativo de la serie, presentaban un número protagonizado por Superman, Batman y co-protagonizado por Deadman:

La primera historia de este número se titulaba Limpia la sangre de mi nombre (Wipe the blood off my name). En dicha historia comienza el caso del Asesino del Boomerang, un nuevo asesino en serie que usa el Boomerang como arma homicida, y que está aterrorizando a Gotham City. Clark Kent será enviado a Gotham para cubrir el caso para el canal de televisión WGBS. Paseando con la unidad móvil presencia un intento de asesinato del asesino de Boomerang, intento que, por supuesto, Superman frustra.

Mientras Batman se alía con Deadman para investigar el caso, y siguen al asesino hasta su apartamento, donde mirando en sus cuadernos y diarios descubren que el nombre del asesino es Thomas Willowwood. Apellido del que deducen que es o ha sido paciente del Sanatorio de Willowwood, una institución mental situada a pocas horas de Gotham.

La visita a Willowwood tuvo cierto éxito, ya que aunque el director no les dio acceso a los archivos sobre Thomas, Deadman le poseyó y Batman pudo leer el nombre real del asesino del Boomerang. Con esta revelación importante Batman comienza a investigar el caso por su cuenta, ocultando pruebas a las autoridades y hasta a Superman. Superman, que investiga también por su cuenta sigue a Batman hasta las típicas instalaciones abandonadas que supuestamente sirven de base del asesino. Superman, ni corto ni perezoso aprehende a Batman.

Descubierto el pastel llega el momento de las obligadas explicaciones:

Resumiendo, para los que no sepan inglés: Tres años antes de nacer Bruce, Martha y Thomas Wayne tuvieron un hijo, al que llamaron Thomas Jr., un día cuando su enfermera le sacó de paseo un coche atropelló el carrito del bebé, lo que le ocasionó un daño cerebral permanente, haciéndole mentalmente inestable. Se decidió entonces ingresarlo en la institución de Willowwood donde permanecería de por vida. Años después nacería Bruce, pero antes de que sus padres consideraran el contarle sobre la existencia de Thomas Jr., estos fueron asesinados, con lo que el secreto seguiría quedando oculto, porque parece ser que Alfred guarda muy bien los secretos familiares.

Una vez dadas las explicaciones proceden a la caza y captura de Thomas, en el que, aunque Thomas escapa, descubren al verdadero asesino, Moses Donner, el propietario de Ironworks, que había estado enviando cartas amenazantes a un juez y que utilizó a Thomas para sus propósitos. Superman y Batman dan por cerrado el caso, pero una última viñeta nos descubre el destino de Thomas Wayne, es poseído por Deadman, para comenzar una nueva vida.

Deadman es el fantasma de un trapecista de circo, Boston Brand, que fue asesinado en plena actuación. Ahora, poseyendo el cuerpo de Thomas Wayne Jr. puede retomar su vida como artista circense. En el número 227 de la misma serie, fechado en Enero / Febrero de 1975, nos encontraríamos con la continuación de la historia. Con un Batman asaltando trapecistas circenses para localizar a su hermano.

Pero resulta que su hermano no está en el circo, sino que está en el mundo de los globos aerostáticos, así se produce una persecución de globo en globo hasta que Batman da con Deadman / Thomas Wayne Jr. Deadman accede a dejar en paz al hermano de Batman y todos quedan en paz hasta que, bajando del globo, se encuentran con unos bandidos. Uno de los cuales dispara a Batman, pero Thomas, libre de la influencia de Deadman, recibe la bala en su lugar salvándole la vida a Bruce, y muriendo.

Y esa es la historia del hermano de Batman, una historia breve y que pasó muy desapercibida… de hecho en la Tierra DC post crisis no ha habido ninguna mención a Thomas Jr. Pero, sin embargo, hay un autor que sí que ha hecho una historia con Thomas Wayne Jr., se trata de Grant Morrison, quien guionizó un especial de la JLA titulado JLA: Tierra 2, en la que nos presentaba la Tierra-2, donde los superhéroes son los malos y Lex Luthor es un superhéroes, tratándose de una nueva versión del Sindicato del Crimen de América post Hora Cero. En esta nueva encarnación nos encontramos que la contrapartida de Batman, Owlman es Thomas Wayne Jr.

Por cierto, hay teorías sobre que quien se encuentra detrás de Black Glove, la organización criminal con la que Batman se enfrenta en su última historia Batman R.I.P. (cuyo autor es Morrison y que ya os contaré mis impresiones sobre la saga) es ni más ni menos que su hermano. ¿Son fundadas estas teorías? Sólo Morrison lo dirá. Si no lo son ¿volveremos a saber de un tal Thomas Wayne? Yo espero que sí, pero sólo si su historia mereciera contarse. Para daros el alegrón os voy a proporcionar la historia completa del Bat·Hermano. Disfrutadla.

Material | Historia del Hermano de Batman en formato CBR

EEUU se volcó en la Segunda Guerra Mundial, no solo militarmente sino que en la industria del entretenimiento surgió una campaña patriótica y anti Eje creo que sin equivalente, y esto incluso antes de que EEUU entrase en la guerra. En los comics Superman nos pedía abofetear a un japonés, a través de sellos y bonos, como podéis ver en la ilustración de cabecera, surgen personajes como el Capitán América, los cómics bélicos se disparan con historias en las que se combaten a los nazis. Hasta los Looney Tunes (Bugs Bunny, El Pato Lucas…) ridiculizaban al enemigo, al igual que Disney y Tex Avery.

Ya os comenté que el cómic es un medio muy versátil y entre sus múltiples funciones están el servir para los propósitos de propaganda y formación del ejército y servicios de inteligencia. Si en el anterior artículo hablé de panfletos animando al sabotaje al gobierno nicaragüense, en esta ocasión voy a hablaros de un manual para distinguir a un chino de un japonés. Así como lo leeis.

Como ya os comenté nos tenemos que situar en el año 1942, Estados Unidos acaba de entrar en la Segunda Guerra Mundial y tiene múltiples tropas en China, por entonces nación aliada no-comunista. Las tropas afincadas en China y Sudeste Asiático componen el frente asiático de EEUU, cuyo objetivo es derrotar a la nación que le atacó, es decir, Japón.

Suele ser habitual el que el ejército elabore una pequeña guía sobre el país donde el soldado está destinado, sitios, datos culturares y sociales, nociones básicas del idioma… Lógicamente los soldados destinados en China tenían su Guía de Bolsillo de China, la primera edición de 1942 constaba de 75 páginas, las últimas 10 páginas eran un cómic titulado How To Spot a Jap (Cómo descubrir a un japonés).

Esta historieta estaba realizada por Milton Caniff, autor de la famosa tira Terry y Los Piratas, y presentaba métodos para descubrir a un espía japonés entre la población china, a través de rasgos físicos, de lenguaje e incluso por la forma de caminar o la sonrisa.

La historia fue suprimida en las siguientes ediciones de la Guía de Bolsillo de China, pero, gracias a Ethan Persoff, que la recuperó para su página web, podemos disfrutar de este curioso cómic:

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Scans | Ethan Persoff

Con una semana de retraso seguimos con nuestro repaso semanal (vale, resulta mal querer poner una periodicidad a una sección y no cumplirla) a las diversas curiosidades y leyendas que existen alrededor de la industria comiquera estadounidense. Bienvenidos a la cuarta entrega de Leyendas urbanas del cómic americano.

Alias iba a estar protagonizada por Jessica Drew pero Brian Michael Bendis tuvo que sustituirla por Jessica Jones.
Falso. Esta leyenda me gusta especialmente sobre todo porque creo que es la más famosa de todas las que he ido exponiendo en las últimas entregas. Muchos conoceréis Alias, la serie que era el buque insignia del recién creado sello Marvel para lectores adultos, MAX (y que después tendría su secuela en The Pulse). Bien en cualquier artículo sobre este cómic se puede leer que Bendis, su creador, quería que la serie fuera protagonizara por Jessica Drew (Spider-Woman) pero que al final creó un personaje nuevo para la ocasión, Jessica Jones una ex-vengadora bajo el nombre de Joya. Bendis en persona negó este hecho diciendo que Jessica Jones había sido siempre la primera elección.

Igor Kordey tuvo que dibujar un cómic de Nuevos X-Men en una semana
(Casi) Verdadero. Todo lector de los X-Men de Morrison se ha acordado de la familia de Igor Kordey. ¿Por qué? Porque en un momento realizó unos tebeos de Marvel muy deprisa, lo que afectaba a su calidad. Uno no sabía si estaba viendo a Lobezno o a un conejo mutante. ¿Pero en una semana? Sí amigos y amigas. Era una época en la que Kordey quería el máximo trabajo posible y le encargaron dibujar en New X-Men 120 (Nuevos X-Men #80 Forum) tardó 10 días en dibujarlo y entintarlo. Por esa rapidez le pidieron que dibujara el número anterior. Pocos meses después se encontró dibujando cuatro series distintas en el mismo mes (Cable, Soldier-X, MAX: Black Widow y New X-Men). Su horario por aquel entonces era claro, el tiempo para terminar cada número era una semana. Hecho que pasó factura sobre todo al arco Shi’ar de X-Men.

Los primeros encuentros de los Vengadores con el Escuadrón Supremo eran en realidad crossovers con la JLA
Verdadero. Todo los que conocen al Escuadrón Supremo piensa que es un plagio / sátira de la JLA, bien pues eso no es del todo cierto. Vayamos a finales de los 60. Roy Thomas y Denny O’Neil escribían las colecciones del Gran Grupo de la editorial correspondiente, así que un día pensaron ¿no estaría bien si hicieramos una especie de crossover que fuera un guiño hacia la otra colección? y se pusieron al lío. En el Avengers #70 (Noviembre 1969) Los Vengadores se enfrentaban por primera vez al Escuadrón Siniestro, que eran, en esencia, las contrapartidas malignas de Batman, Superman, Flash y Green Lantern. Pero, sin embargo, en Justice League of America #75 la JLA se enfrentaba a sus contrapartidas malvadas, pero la similitud de estas contrapartidas con Los Vengadores estaban cogidas por los pelos. En 1971 Thomas lo volvió a intentar y creó al Escuadrón Supremo a imagen y semejanza de la JLA. El guionista de Justice League, Mike Friedrich, creó a los héroes del planeta Hangor que eran versiones de Chaqueta Amarilla, La Bruja Escarlata, Mercurio y Thor.

Los Luchadores de la Libertad y Los Invasores tuvieron un crossover no oficial.
Verdadero. Continuando con crossovers no oficiales también tenemos a dos grupos bastante similares que tuvieron encuentros que no lo fueron, estoy hablando de los Freedom Fighters (Tío Sam, Black condor, Doll Man, Human Bomb, Phantom Lady, The Ray) y The Invaders (Capitán América, La Antorcha Humana “Original”, Namor y Spitfire) los dos grupos (de DC y de Marvel, respectivamente) cuyo objetivo era liberar al mundo de los nazis. El caso es que Bob Rozakis, el escritor de Luchadores de la Libertad, se le ocurrió crear un grupo llamado The Crusaders con el que se encontrarían y comentó que le gustaría que Roy Thomas, el encargado de Los Invasores hiciera algo similar. Así pues ambos acordaron que Los Cruzados fueran las contrapartidas del otro grupo. En 1977 salió dicho “crossover”.

La Tierra-X de DC iba a ser llamada Tierra 卐
Verdadero. Hablando de los Freedom Fighters, estos vivían en la Tierra X (ya os explicaremos lo que es el multiverso de DC), una Tierra paralela en la que la Segunda Guerra Mundial se alargó y los nazis ganaron. Len Wein quería que en el encuentro “anual” de la JLA con la JSA, las llamadas Crisis en Tierras Múltiples, los dos grupos se encontraran con los Luchadores de la Libertad en una historia que se titularía Crisis en Tierra 卐. Pero el editor, Schwartz se negó a que hubiera esvásticas en el título del cómic, así que propuso que la Tierra fuera X (no sé que era peor…) y se uniese al esquema de Tierra-1, 2, 3, S…

La Alemania Nazi se encargó de refutar un cómic de Superman
Verdadero. Sin alejarnos de los Nazis todos sabemos que la propaganda se extiende por todos lados siempre que se necesite, para subir la moral, para desmentir al contrario para lo que sea. Bien, en los años de la Segunda Guerra Mundial era bastante habitual que los comics hablasen de la guerra para subir la moral, surgieron los Comandos Aulladores, el Sgt. Rock, Capitán América, todo el mundo sabía que Hitler tenía una varita mágica para evitar que la JSA le pateara el trasero… Pero poco menos de dos años antes de Pearl Harbour los creadores de Superman crearon una historieta titulada Cómo Superman acabaría la Guerra. Como podréis imaginar a los Nazis no les hizo nada de gracia y la maquinaria propagandística se puso en marcha y… en Das Schwarze Korps un periódico semanal de las SS salió un artículo criticando a Superman en base a que Jerry Siegel era judío y que Superman era subversivo y contaminaba a la juventud americana, que podeis leer aquí.

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Scott Lobdell fue despedido de Alpha Flight por “sacar del armario” a Estrella del Norte
Falso. En el Alpha Flight #106 el miembro del grupo Estrella del Norte salió del armario. Meses después el guionista de ese controvertido número abandonó la colección en medio de un arco argumental, lo que hizo nacer el rumor de que había sido por “sacar del armario” al personaje canadiense. Scott Lobdell desmintió estos rumores afirmando que en esa historia había plasmado lo que quería la editora Bobby Chase y que si abandonó el título fue por la llegada de DeFalco al título quien tenía ideas opuestas a las de Lobdell para el título. Lobdell se fue de Alpha Flight y desembarcó en X-Men.

Grant Morrison cogió un antiguo personaje francés de Dominio Publico y le convirtió en personaje de X-Men
Verdadero. Fantomas era un personaje francés que gozó de cierta popularidad en la primera mitad del siglo XX, creado por Pierre Souvestre y Marcel Allain Fantomas era una especie de kingpin cuyas aventuras se plasmaron a lo largo de varias películas y novelas. En 2001 Grant Morrison se aprovechó de que este personaje cayó en dominio público para añadirlo como personaje de los X-Men bajo el nombre de FantomEX. Pero para dar una vuelta de tuerca el personaje de Morrison estaba basado también en Diabolik un personaje italiano basado a su vez en Fantomas.

Claremont iba a incluir a Kitty Pryde como personaje de Los 4 Fantásticos.
Verdadero. La etapa de Los 4 Fantásticos de Claremont y Larroca fue conocida porque el guionista recurría a argumentos y personajes de los mutantes: Genosha, villanos de Excalibur… y aparentemente entre los planes del guionista estaba la acogida de Kitty Pryde por parte de Los 4 Fantástico, básicamente la idea era dearrollar la Kitty rebelde, y esa rebeldía haría que Sue Storm la adoptara y así ser la ‘hermana mayor’ de Franklin. Pero ese argumento nunca llegó a florecer.

El MIT copió una vez los diseños de un trabajo para una subvención multimillonaria de un cómic.
Un poco triste, pero verdadero. El Instituto Tecnológico de Massachusetts utilizó el arte de un cómic, Radix, para obtener una subvención multimillonaria de la Armada de los Estados Unidos, sin conocimiento ni permiso de los creadores del cómic, Ray y Ben Lai. El diseño fue utilizado para un proyecto de armadura de alta tecnología para super soldados.

Lobdell no quería que Tormenta fuese una asesina, por ello resucitó a Médula.
Falso. Este es un ejemplo de cómo los caminos de los editores no son los caminos de los guionistas. Resulta que en el Uncanny X-Men 325 Tormenta tomó la vida de Médula. Médula era la jefa de Gene-Nación, un grupo terrorista surgido de las cenizas de la masacre mutante de los Morlocks, tras varios intentos la Patrulla-X determinó que no había posibilidad de redención y por lo tanto debía morir. Tormenta, tras un combate encarnizado contra Médula, le arrancó el corazón. Lobdell no quería que Tormenta fuera una asesina, porque no iba con el personaje, pero la editorial decidió que así fuera. Un año y pico después asistíamos a la ‘resurrección’ de Médula. La gente supuso que era porque Lobdell nunca tuvo intención de que Tormenta fuera una asesina, pero en realidad no fue cosa suya, sino del editor y del guionista de Excalibur quienes resucitaron a Médula y a muchos de los personajes de GeneNación cambiándoles el nombre y los colores de los trajes. Así que Lobdell decidió que Medula volviera a los X-men en plena Operación: Tolerancia Cero.

Esto es todo por hoy, espero que os haya resultado interesante. Nos vemos en una próxima entrega.

En Zona Fandom | Leyendas Urbanas del Cómic Americano (I), (II), (III)
Más Info | Comic Book Urban Legends Revealed

Los días 23 al 27 de Julio se celebra en San Diego, California, el mayor evento comiquero de EEUU, la Comic-Con International. Para que os hagais idea de cómo es, pensad en el Salón del Cómic de Barcelona y elevadlo a la enésima potencia. Quizás estoy exagerando, pero ya podréis imaginar cómo son las convenciones en EEUU, muy grandes y con muchísimo más presupuesto que aquí.

Sólo hay que comparar, aquí vienen grandes artistas del cómic pero a cuentagotas y allí lo más normal del mundo es que se presenten los protagonistas de Lost, o de Heroes además de los jefazos de las editoriales y todos o casi todos los grandes guionistas y dibujantes de comics. Estoy generalizando mucho, pero creo que os habéis hecho una idea. Claro que también ayuda a esa reunión el hecho de que sea la sede de la ceremonia de entrega de los premios Eisner, uno de los premios más prestigiosos del cómic.

Pero no he venido a hablar de la Comic Con de 2008, hoy toca hablar de la de 1984, no por nada que sucediese en San Diego hace veinticuatro años, sino de lo que sucedió en los más importantes títulos Marvel cierto mes de enero. Voy a hablaros del Mes del Asistente del Editor.

¿Qué era el mes del asistente del editor? Pues fue una iniciativa que tuvo Marvel en 1984 aprovechando la Comic Con de ese año. La iniciativa partía de la premisa de que todos los editores Marvel estaban en la Comic-Con de San Diego y legaron su trabajo de editor a sus asistentes quienes dieron mucha libertad creativa a los autores y salieron comics más bien extraños con unos argumentos fuera de lo habitual.

Así pues, en algunos comics con fecha de portada de Enero de 1984 podíamos contemplar cómo Los Vengadores asistían al Late Night de David Letterman, el Capitán América se enfrentaba a la fusión de Modok y Cráneo Rojo (ModSkull), Alpha Flight tenía nada menos que 6 páginas en blanco con bocadillos debido a una tormenta de nieve y los X-Men iniciaban una gran búsqueda del tesoro incentivados por un gracioso extraterrestre y que les llevaba a causar el caos en las mismas oficinas Marvel.

Pero si debo destacar una sola historia de este dichoso mes, me quedo con la que aconteció en las páginas de Marvel Team Up #137, en la que el equipo protagonista era… ¡La Tía May y Franklin Richards! Sí, habéis leído bien. Nos enfrentamos quizás a la más estrambótica de las historias de este mes, lo cual es mucho decir. Resulta que Los 4 Fantásticos, Peter Parker y la Tía May se encuentran en un circo, pero surge una urgencia y Tía May se encarga de cuidar a Franklin hasta que sus padres vuelvan.

Pero Galactus ha llegado a la Tierra en busca de un nuevo heraldo y la Tía May es designada para esa misión. La Tía May, heraldo de Galactus, cuya función es llevarle a planetas que sacien su hambre, decide cambiar la dieta de Galactus y alimentarle con… bollos twinkle. Os lo repito estais leyendo bien. Ocurrió de verdad, aunque al final todo fue un sueño de un sueño, de un sueño…

En definitiva nos podíamos encontrar historias bastante divertidas. Agrada el encontrarse de vez en cuando con cosas así, con meses diferentes, como el mes Flashback (1997), en el cual las series sacaban un número menos 1 que narraba un hecho anteror al número 1 de esa colección, o el mes ‘Nuff Said (2002), con menos éxito, en el que los comics eran silenciosos, es decir, no había diálogos (aunque hubo quien hizo trampa en este sentido).

La industria del cómic, como la del cine, la música, cualquiera que se precie, tiene una historia, protagonizada, en su mayor parte, por las personas que la integran. Todos conocemos, casi seguro, la maldición de los que rodaron El Exorcista, o la que rodea a los protagonistas de Superman a través de los tiempos. O, pasando a la música, todo el mundo ha oído la leyenda de que Marilyn Manson se arrancó un ojo en directo. Pues en el cómic no se iba a ser menos, y aunque quizás no es tan espectacular como en otros medios, sí que hay muchas leyendas y curiosidades dignas de conocerse. Bienvenidos a la tercera entrega de Leyendas Urbanas del Comic Americano.

Uno de los G.I. Joe estaba basado en Larry Hama
Verdadero. Como sabréis a menudo las empresas jugueteras colaboran con las editoriales para crear historias sobre las figuras de acción. En este caso Larry Hama escribió los comics de G.I. Joe, dotándoles de gran realismo y unos orígenes muy detallados. Como muestra de agradecimiento, Hasbro creó un muñeco tomando como modelo el cuerpo de Hama.

Las leyes postales de EEUU causaron a algunos comics cambiar su título.
Verdadero. Las leyes postales en EEUU, por lo menos a mediados de siglo XX, requerían que siempre que una publicación comenzara un nuevo volumen, este obtendría un nuevo código postal para las suscripciones y, por consiguiente una nueva cuota. En los años 40 los magazines sí que podían afrontar este pago, pero, sin embargo, los comics tenían más dificulades para ello. Así que si querían cambiar la temática de un cómic, en vez de comenzar un nuevo volumen o una nueva publicación, lo que hacían era cambiar el título del cómic. Así, durante la crisis de los superhéroes en los años 40, Moon Girl fue superheroína hasta el número 6, en el 7 pasó a combatir el crimen y en el número 9 se convirtió en un cómic romántico.

Algo parecido ocurrió con la cabecera de Green Lantern, Alan Scott era sustituido por… El Perro de Green Lantern, Streak (Green Lantern v.1 30).

Frank Miller acuñó el término ‘Dark Knight’
Falso. Debido a la obra maestra de Frank Miller “El Regreso del Caballero Oscuro” (Dark Knight Returns), el término Dark Knight obtuvo mucha popularidad y se asoció intrínsecamente a Batman, pero sin embargo no fue Miller el primero que llamó por ese sobrenombre al murciélago, sino que ya le llamó así Bill Finger en el número 40 de Detective Comics, con fecha de portada Junio de 1940, cómic en el que se puede leer “Un momento después, Batman, El Caballero Oscuro y Robin, el Chico Maravilla…”.

Hulk es verde a causa de la pobre separación de colores.
Verdadero. Esta es, probablemente una de las curiosidades más conocidas. Cómo todos sabréis, Hulk estaba diseñado para ser un monstruo gris, y así salió en la portada de Incredible Hulk 1, pero sin embargo, debido al bajo presupuesto que tenían por aquel entonces en Marvel para la separación de colores, Hulk se convirtió en una Masa Azul. Marvel reacionó rápidamente y decidieron que Hulk debía ser verde, puesto que es un color más fácil de controlar.

Apocalipsis iba a ser El Buho.
Verdadero. Apocalipsis es uno de los mayores villanos del universo X-Men, considerado el primer mutante de la historia, Apocalipsis proclama la supremacía de la “mutandad” y ha sido pesadilla de los grupos mutantes desde su primera aparición, en su historial están hechos como la conversión de Ángel en Arcángel, la inoculación a Nathan Summers del tecnovirus… bien pues cuando en X-Factor se creó a un nuevo villano misterioso que fuera la principal némesis de sus integrantes el plan original era que ese villano fuera… El Buho, un villano de Daredevil. Pero afortunadamente estimaron que la idea no tendría el suficiente gancho y Louise Simonson creó a Apocalipsis. Pero imaginaos… La Era del Buho, escalofriante.

La carta de dimisión de Dave Cockrum de Marvel apareció en un número de Iron Man como travesura.
Verdadero. Sucedió durante la historia que presentaba los problemas de alcoholismo de Tony Stark. David Michelinie y Bob Layton eran responsables de esa historia, en la que, en el número 127, Tony Stark, ya sobrio, recoge la carta de dimisión de Jarvis, que podeis observar a la derecha. Esta carta era, cambiando las referencias a los Vengadores por Marvel, palabra por palabra, la misma carta de dimisión que Dave Cockrum había presentado poco antes de la realización del cómic.

Los comics de Superman no iban a casar a Lois y Clark hasta que la serie de televisión les casó
Falso (aunque no del todo). Es una leyenda bastante extendida que en DC decidieron retrasar indefinidamente la boda de Lois Lane y Clark Kent hasta que los responsables de la serie Lois y Clark, Las Nuevas Aventuras de Superman decidieron casarlos. De hecho desde que se inició la producción de la serie (1993-1997) en DC el supes iba por otros derroteros, comenzando por su muerte a manos de Doomsday en plena pre-producción de Lois y Clark y en 1996, el Lois Lane y Clark Kent del cómic… rompieron. Pero mientras que en los comics rompían en la serie anunciaban su boda, por lo tanto en DC tuvieron que acelerar los acontecimientos y casarles a ellos.

El co-creador de Tank Girl co-creó The Gorillaz.

Verdadero. Jamie Hewlett creó, en 1988 y junto a Alan Martin, Tank Girl, un cómic que narraba las aventuras de una chica y su tanque. Este cómic se volvió muy popular entre los musicos que pedían a los autores aparecer en él. Años después cuando Jamie Hewlett compartía piso con Damon Albarn, el líder de Blur, ambos comenzaron a desarrollar la idea de una banda musical de dibujos animados. Así surgió Gorillaz, el grupo musical animado los diseños corrían a cargo de Hewlett y la música a cargo de Albarn. El caso es que la idea funcionó bastante bien pues el primer album vendió mucho.

Keith Giffen destruyó la Tierra en la Legión de Superhéroes porque nadie estaba “vigilando”
Verdadero. En el número 38 del volumen 4 de Legion of Superheroes asistíamos a la destrucción de la Tierra. Keith Giffen declaró que creó esa historia y se fue de la colección porque nadie prestaba atención a la colección, cosa que era cierta, ya que en el momento de crear la historia Legion estaba cambiando de editor y en ese momento nadie estaba al cargo de la edición del título. Cuando ya estaba preparado el número, el editor en jefe quiso impedir que saliese publicado, pero el recién nombrado editor de la serie luchó para que el número saliese tal y como había sido realizado.

Antes de ser miembro de X-Men, Rondador Nocturno iba a ser miembro de la Legión de Superhéroes
Falso. Dave Cockrum creó a Rondador Nocturno para DC justo antes de llevárselo a Marvel para formar parte de la Segunda Génesis de La Patrulla-X Pero cuando creó a Rondador, no fue para que fuera un superhéroe del montón enrolado en La Legión, sino para que formara parte de un nuevo equipo situado en el universo Legión llamado The Outsiders.

Bueno, pues esto es todo por hoy, espero que os haya gustado esta selección, nos vemos en nuestra próxima entrega. Hasta entonces, un saludo.

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En Zona Fandom | Leyendas Urbanas del Cómic Americano (I), (II)

Continuamos con esta serie de leyendas y curiosidades sobre el mundo del cómic americano. Hoy os tengo seleccionados otras diez leyendas, algunas ciertas, otras no, pero seguro que todas son remarcables. Y ya sabéis que el saber no ocupa lugar, y si es conocimiento friki, este vale por dos. Sin perder más tiempo comenzamos

Kevin Smith mató a Misterio sin permiso de la oficina Spidey.
Verdadero. Cuando a Kevin Smith se le encargó el relanzamiento de Daredevil en la línea Marvel Knights, el director de Mallrats escribió la historia del canto de cisne de Misterio. Misterio, viejo villano de Spiderman estaba muriéndose, y había planeado la venganza definitiva contra su peor enemigo, pero por aquel entonces Spidey estaba inmerso en la saga del clon y quien vestía el traje era Ben Reilly, no Peter Parker. Así que trasladó el plan para el Hombre Sin Miedo. Al final de la historia, Misterio se suicidó. El problema viene cuando al mes siguiente de morir, Misterio luchaba contra Spiderman. Parece ser que eso fue porque a Smith se le olvidó comentar que iba a matar al villano.

Steve Skeates reutilizó una historia de Aquaman para otra compañía dos veces.
Verdadero. Se trataba del último número de la primera serie regular de Aquaman, el Aquaman #56 (1971). Número que acababa con Aquaman destruyendo un satélite justo cuando guardias armados entraban en la sala donde él estaba con no muy buenas intenciones. Con este emocionante final terminó la publicación de Aquaman pero no la historia. Skeates creó para la editorial Warren un nuevo superhéroe marino, el Príncipe Targo, y con él reutilizó el guión del que hubiera sido el Aquaman #57 de no ser por su cancelación. Pero no quedó sólo allí, en el #72 y último de The Submariner, la cabecera protagonizada por Namor eramos testigos de las consecuencias de la caída del satélite destruído en las páginas del Aquaman #56.

H.E.R.B.I.E. sustituyó a la Antorcha Humana en los dibujos de los 4 Fantásticos porque temían que los niños se prendieran fuego imitándole.

Falso. En otoño de 1978 la NBC emitió la que sería la segunda serie animada de los 4 Fantásticos, la serie constó de 13 episodios y se hizo famosa por el hecho de que HERBIE, el ingenio robótico de Reed Richards sustituyó a la Antorcha Humana. De la noche a la mañana surgió el rumor de que la razón era por temer que los niños se prendieran fuego emulando a Johnny Storm. Nada más lejos de la realidad. La razón era que en el momento de producir la serie Universal tenía los derechos de varios héroes para adaptar sus aventuras a la pantalla, y uno de estos héroes era la Antorcha Humana y no quiso “prestar” el personaje.

Superman vs. Spider-man fue el primer crossover entre DC y Marvel
Falso. Es un error bastante común pensar que el primer crossover Marvel/DC fue Superman vs. Spider-man, realizado en 1976. Agarraos porque el primer cómic Marvel / DC fue la adaptación en 1975 de El Mago de Oz... vale, no es exactamente un crossover sino más bien una colaboración entre editoriales, pero sigue siendo curioso.

William Moulton Marston, creador de Wonder Woman inventó el test del polígrafo.
Falso. Es curioso que el creador de Wonder Woman, que posee un Lazo de la Verdad que hace que quien esté rodeado por él diga la verdad, inventara el famoso polígrafo. Pero no es así. Sin embargo y aunque no fuera creador del polígrafo, sí que fue un hombre de referencia en el campo de la detección de mentiras, publicando su tesis doctoral en la universidad de Harvard titulada “La presión sistólica como síntoma de engaño e integrante del estado mental”. Aunque no fuera creador del polígrafo, sus estudios sirvieron para desarrollar uno de los cuatro tests que realiza el polígrafo simultáneamente.

Lobezno iba a ser originalmente un carcayú (wolverine) mutado.
Verdadero. Cuando planearon el personaje de Lobezno (Wolverine), pensaron en él como un carcayú o glotón (traducción real de wolverine), un roedor mamífero de la familia de los mustélidos feroz y salvaje, al que el Alto Evolucionador había mutado hasta convertirle en un adolescente que poseía guantes con garras telescópicas de adamantium. Pero Dave Cockrum, el dibujante, le añadió en su diseño unos treinta años más y Claremont desestimó por completo los planes originales de Len Wein, con lo que, aparte de insertarle las garras en el esqueleto de adamantium, el origen de Lobezno como carcayú evolucionado quedó en el limbo hasta que…

...Spiderwoman cogió el origen original de Lobezno.
Verdadero. Corría el año 1976 (un año después de la creación de Lobezno) y Filmation, una productora de dibujos animados basados en superhéroes (reponsables de The Tarzan / Batman Time), iba a crear nuevos héroes, entre ellos, al parecer, una mujer que lanzaba telarañas. Marvel entonces actuó rápido y creó a Spider-Woman para evitar que pudiesen utilizar un nombre parecido a Spiderman. Parece ser que funcionó, ya que la superheroína de Filmation pasó a llamarse Web-Woman. Como siempre cuando se crea un personaje, había que actuar rápido y bucar un origen, así que Marv Wolfman, su creador, utilizó el no usado origen de Lobezno, estableciendo que Spider-woman era una araña evolucionada por el Alto Evolucionador.

Bruce Banner obtuvo un nuevo primer nombre debido a un descuido continuo de Stan Lee
Verdadero. En los comienzos de Marvel, Stan Lee escribía la mayoría de las colecciones del Universo Marvel y era habitual en él cometer descuidos con los nombres de los protagonistas. Así podíamos ver como, por ejemplo, Bobby Drake (El Hombre de Hielo) pasó a apellidarse Blake. Lapsus puntuales. Pero con Hulk no fue un simple lapsus de una viñeta y ya, sino que Stan Lee le llamó Bob Banner durante un tiempo. Ante las críticas por la confusión del nombre Lee cortó de raíz el problema diciendo que “De ahora en adelante su nombre es Robert Bruce Banner”.

Batman y Superman empezaron a formar equipo habitual por causa de la inflación.
Verdadero. Las editoriales de cómic debían superar la inflación cómo medianamente podían y en cabeceras que agruparan varias historias la solución era disminuir las páginas del comic book. Eso le pasó a World’s Finest Comics cabecera que reunía historias de varios personajes, sobre todo Batman y Superman, pero, aunque compartían serie, no compartían historias, hasta que por causa de la inflación el número de páginas de la cabecera se redujo de 68 páginas hasta 36. Lo que hacía imposible encajar una historia de Batman y otra de Superman con lo que se decidió que formasen equipo a partir de World’s Finest Comics #71.

El peinado de Elvis Presley está basado en el del Capitán Marvel Jr.
Verdadero. El Capitán Marvel y compañía fueron muy populares sobretodo en su primera época, los años 40. Elvis Presley era fan absoluto del Capitán Marvel Jr., le apasionaba tanto que decidió que su pelo tuviera el mismo aspecto que el del héroe comiquero. Esto se supo gracias a la biografía que escribió Elaine Dundy. La verdad es que parece un poco forzado, pero el caso es que si te fijas sí que hay parecido entre ambos peinados.

Nada más por hoy, espero que os haya gustado esta selección que he hecho, nos vemos próximamente con una nueva entrega.

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En Zona Fandom | Leyendas Urbanas del Cómic Americano (I)

¿Qué ocurriría si la humanidad debiera abandonar la Tierra y alguien se olvidara de apagar al último robot? Esa es la intrigante y atractiva premisa que plantea WALL•E, la novena película de animación generada por ordenador de Pixar.

En Zona Fandom nos sobran los motivos para dedicarle todo el espacio del mundo a una producción de animación que se desarrolla dentro del género de la ciencia-ficción y que además, viene firmada por uno de nuestros estudios preferidos, así que como ya hicimos hace unos días con Las Crónicas de Narnia, aquí os traemos una recopilación con algunas de sus curiosidades más interesantes.

Homenajes

• WALL•E está llena de referencias a las películas clave de la ciencia-ficción de los años sesenta y setenta hasta el punto de que Pixar ajustó al máximo su software 3D para que las cámaras se pareciesen a las Panavision de 70 mm que se utilizaban en gran parte de estas producciones (incluyendo Star Wars).
• La cucaracha que hace compañía a WALL•E en la Tierra a es conocida cariñosamente en Pixar como Hal, un homenaje al ordenador de 2001: Una Odisea del Espacio. Más evidente aún, Auto, el piloto automático de la nave, tiene el característico “ojo/cámara” de color rojo de HAL 9000.
• La voz del ordenador de abordo de Axioma, la nave espacial en la que se alojan los humanos, es ni más ni menos que Sigourney Weaver, un guiño a MADRE, el ordenador de la nave de Alien.
• A nadie se le escapan las similitudes entre WALL•E y el protagonista de Corto Circuito y la escena en la que aplasta accidentalmente a la cucaracha es una muestra más de ello.
• Siguiendo la tradición, WALL•E está llena de referencias a las anteriores películas de Pixar, incluyendo apariciones de la tortuga de Buscando a Nemo, la camioneta de Pizza Planet y Rex de Toy Story, el pájaro de Bichos, la scooter de Skinner en Ratatouille, y algún que otro giño a Los Increíbles.
• Aunque el trabajo de WALL•E consiste en recoger la basura y compactarla en bloques, a veces hace excepciones y se guarda algún objeto… como un iPod que aún sigue funcionando varios cientos de años después de ser construido y que utiliza para ver la película de Hello Dolly.

Inspiración

• La idea de WALL•E surgió en 1994 durante una comida a la que asistieron los pioneros de Pixar Andrew Stanton (quien finalmente dirigiría la película), John Lasseter, Pete Docter, y el difunto genio de la narración Joe Ranft. Toy Story se encontraba en fase de producción y el grupo se reunió para buscar ideas para próximos proyectos. De esa misma comida también nacieron Bichos, Monstruos S.A y Buscando a Nemo.
• Durante la pre-producción de la película, el equipo de animación de Pixar visitó plantas de reciclado para observar los gigantescos trituradores de basura y otros tipos de máquinas, visitaron a científicos de la NASA, asistieron a conferencias sobre robots, e incluso se llevaron algunos robots para estudiarlos, incluido un detector de bombas del departamento de la policía local.
• Ralph Eggleston, el diseñador de WALL•E, se inspiró en los dibujos de la NASA de los años cincuenta y sesenta, y en dibujos de conceptos originales para Tommorowland de Disneyland.
• Para el diseño de EVE, Stanton decidió llamar a Steve Jobs para pedirle consejo y como resultado, Jonathan Ive, el gurú del diseño de Apple, terminó conduciendo hasta los cuarteles generales de Pixar para pasar todo el día trabajando sobre su prototipo. Más información en Applesfera.
• La inspiración para el diseño de la nave Axioma surgió de buscar barcos para cruceros de lujo, incluidos los que gestiona Disney. Algunos viajes a las Vegas también sugirieron la forma de utilizar una iluminación práctica para un entorno de lujo artificial. Como veis, los empleados de Pixar son únicos engañando a sus jefes para que les paguen los vicios como horas de trabajo.

Personajes

• WALL•E es la abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class (algo así como Recolector y Cargador de Desechos Clase Tierra).
• EVE es la abreviatura de Extra-terrestrial Vegetation Evaluator (Examinador de Vegetación Extraterrestre).
• En la nave Axioma, cuando un robot resulta ser defectuoso se envía al taller de reparación y se marca con un punto rojo (sí, como el del título de la película).
• Inicialmente WALL•E tenía codos que le permitían doblar los brazos pero finalmente fueron sustituidos por una especie de raíl que le da también cierta movilidad.
• El modelo en 3D de WALL•E tiene unos 50 controles sólo en la cabeza y aunque no es algo orgánico resultó realmente complicado de animar.
• Además de algunos robots protagonistas, el equipo de diseño de personajes creó un catálogo de robots y 10.000 humanos para poblar la nave Axioma. Para ello se diseñó un sistema que permitía crear robots modulares utilizando una serie de cabezas que podían combinarse con una variedad de brazos y cuerpos de todos los colores y formas. En total se crearon casi cien variaciones y alrededor de 25 siluetas básicas diferentes que podían mezclar y adaptar para que pareciese que había más personajes en la película.

Música y Sonidos

• El compositor de la banda sonora, Thomas Newman, colaboró con Peter Gabriel para crear la canción que se escucha al final de la película. No os digo el título que es un poco spoiler.
• WALL•E está obsesionado con la versión cinematográfica de 1969 del musical Hello Dolly y en gran medida define su personalidad, en especial, su concepto del amor. Casualmente, la banda sonora de Hello Dolly fue compuesta por Lionel Newman, el tío de Thomas.
• Para crear la “voz” de WALL•E y todo el repertorio de sonidos que aparecen en la película, Pixar recurrió a Ben Burtt, responsable de la voz de R2-D2, el sonido del látigo de Indiana Jones o el siseo de Alien.
• Burtt también fue el responsable de las voces de M-O, Auto y EVE, cuyos tonos creó manipulando la voz de la empleada de Pixar Elissa Knight.
• Para el resto de los sonidos de la película, Burtt creó una biblioteca de 2.400 archivos, el mayor número que ha utilizado nunca para una película.
• Burtt grabó el sonido de unas esposas de la policía al separarse y volverse a unir para crear el ruidillo que hace la cucaracha al moverse.
• La voz de Auto está generada utilizando Macintalk, la tecnología de síntesis de voz de la propia Apple.
• EVE debe de funcionar con alguna versión de Mac OS ya que al conectarse emite el mismo sonido de arranque que los Mac. WALL•E en cambio utiliza una versión más antigua del mismo sonido cuando carga por completo sus baterías.

Varios

• La web de la ficticia compañía fabricante de robots Buy n Large contiene una gran cantidad de información sobre el año 2057, momento en el que fue construido WALL•E.
• Pixar creó cerca de 9,5 kilómetros de paisaje urbano extremadamente detallado para hacernos ver que el protagonista es realmente el último robot de la Tierra.
• Una de las zonas de la Axioma recrea Ginza, uno de los barrios más conocidos de Tokio.
• Las primeras críticas que está recibiendo la película son extraordinarias y Kirk Honeycutt del Hollywood Reporter ha llegado a declarar que WALL•E sobrepasa los méritos de las ocho películas previas de Pixar y que contiene “todo el corazón, el alma y el romance de las mejores películas mudas de la historia”.

Para concluir con el trío de artículos especiales que hemos preparado de cara al estreno de El Príncipe Caspian, la segunda entrega de Las crónicas de Narnia, hoy os traemos una recopilación de los datos y cifras más interesantes de esta nueva superproducción de Hollywood aderezados con cierta ración de curiosidades sobre C. S. Lewis, autor de las novelas de Narnia.

El Príncipe Caspian es un proyecto más ambicioso que El león, la bruja y el armario en el que asistiremos a grandes batallas, mejores efectos especiales, más criaturas generadas por ordenador y algunos de los mayores platós de la historia del cine. Aún está por ver si tal despliegue ha merecido la pena pero mientras tanto, atentos a los datos…

Repercusión

• Los libros de Las Crónicas de Narnia han vendido más de 100.000.000 copias y se han traducido a más de 35 idiomas. En España, a raíz del estreno de la primera entrega, el libro pasó de estar descatalogado a vender más de 1 millón de ejemplares.
• La recaudación total de taquilla de El león, la bruja y el armario ascendió a 745 millones de dólares, convirtiéndose en una de las películas de más éxito de todos los tiempos.
• En España se estrenó en diciembre de 2005, recaudó cerca de 19 millones de euros y fue vista por casi 4 millones de espectadores.

Vestuario y Armaduras

• La diseñadora de vestuario Iris Mussenden afirma que se inspiró en El Greco para crear los vestidos de los Telmarinos.
• Los actores principales de la película han utilizado 1.042 piezas de vestuario.
• El Rey Miraz, sus Lores y el ejército telmarino han utilizado 3.722 piezas, incluidos cascos, máscaras, botas y guantes.
• Cada cota de malla de los soldados telmarinos está formada por 2.184 remaches de metal (tachuelas). En total, se han utilizado unos 850.000.
• El diseñador visual Richard Taylor de Weta Workshop diseñó casi 600 armaduras y armas para los habitantes de Narnia y los Telmarinos, incluidas 200 lanzas, 200 estoques, 100 dagas, 250 escudos y 55 ballestas.
• Taylor también diseñó escudos flexibles y equipos especiales para montar a caballo durante las escenas de la batalla principal de la película.

Localizaciones y Platós

• Adamson visitó 5 continentes en busca de las localizaciones de la película. Los únicos que no visitó fueron el Ártico y la Antártida. PD: ¿No os parece una excelente forma de viajar por la patilla?
• Las principales localizaciones de la película están en Nueva Zelanda, la República Checa, Eslovenia y Polonia.
• Algunas de las localizaciones resultarán familiares a los fans de la trilogía de El Señor de los Anillos, ya que parte de la película se rodó en algunas de las zonas remotas de la isla sur de Nueva Zelanda que había representado antes a la Tierra Media.
• El diseñador de producción de El Príncipe Caspian, Roger Ford, ha trabajado durante cuarenta años en la industria de cine, pero el plató del castillo del Rey Miraz, que se construyó en los Estudios Barrandov, es el mayor que ha diseñado nunca.
• El castillo del Rey Miraz ocupaba 20.000 metros cuadrados y tiene ciertas influencias del Castillo Pierrefonds, ubicado en Francia, a las afueras de París.
• Pese a estas dimensiones, durante la post-producción de la película se multiplicó por tres el tamaño del castillo utilizando imágenes generadas por ordenador.
• El puente de madera que aparece en el punto álgido del final de El Príncipe Caspian fue construido sobre el Río Soca en la Región de Bovec, Eslovenia. Fue necesario un equipo de 20 ingenieros y obreros para construirlo en 1 mes e incluso se llegó a desviar temporalmente la corriente del río.
• Ford basó su diseño del puente en el que Julio César construyó en el Rin en su batalla contra los germanos.
• La estación de metro londinense donde los niños Pevensie comienzan su aventura no está en Londres. Ford construyó este plató tan realista en los Henderson Studios, ubicados en Isla Norte de Nueva Zelanda.

Actores

• El reparto el equipo de El Príncipe Caspian proviene de 15 países diferentes, entre los que se cuentan la República Checa, Nueva Zelanda, los Estados Unidos, Gran Bretaña, Australia, Canadá, Alemania, Polonia, Eslovenia, España (concretamente, Alicia Borrachero y Simón Andreu), México, Italia y Francia. En el plató se hablaban más de 9 idiomas diferentes.
• El actor Skandar Keynes, que interpreta a Edmund Pevensie, creció 16 cm entre el rodaje de El león, la bruja y el armario y el de El Príncipe Caspian.
• El director Andrew Adamson se pasó más de un año buscando al actor adecuado para interpretar al Príncipe Caspian y finalmente eligió al británico de 26 años Ben Barnes tres semanas y media antes de que comenzase el rodaje.
• El director le dio días libres a Anna Popplewell (Susan Pevensie) durante el rodaje para que pudiese ir a Londres y asistir al baile de fin de curso. Anna se puso su vestido de fiesta en un cuarto de baño y le dio tiempo a bailar dos canciones antes de volver a Praga.
• Skandar Keynes y Anna Popplewell consiguieron sus papeles en Las Crónicas de Narnia compitiendo contra miles de candidatos de todo el mundo. Después se dieron cuenta de que viven muy cerca en el norte del Londres.

Maquillaje

• Al contrario que en El león, la bruja y el armario, la maquilladora Tami Lane y Howard Berger, decidieron crear narnianos de diferentes edades y razas para El Príncipe Caspia. En la nueva película aparecerán por primera vez centauros hembra, así como niños centauro y un fauno de 80 años.
• El diseñador de efectos de maquillaje Howard Berger trabajó con un equipo de 50 maquilladores y supervisó 4.600 sesiones individuales de maquillaje durante el rodaje.
• El actor Warwick Davis se pasaba tres horas y media diarias colocándose una prótesis facial que le transformaba en el Duende Negro Nikabrik.

C.S. Lewis y los libros de Narnia

• Cuando C. S. Lewis empezó a escribir su primera historia sobre Narnia, comenzó con las palabras: “Este libro trata sobre cuatro niños que se llaman Ann, Martin, Rose y Peter. Pero trata principalmente sobre Peter, que es el benjamín de los cuatro”. Peter era el único de los nombres originales de C. S. Lewis para los niños de sus libros que se conservó, y era el mayor, no el más joven.
• Parece que Lewis escogió el nombre de “Peter” porque era el nombre de un ratón que tuvo como mascota cuando era niño. Además, de joven escribió algunas historias inspirándose en su mascota en las que un heroico y diminuto personaje llamado Sir Peter Mouse conquista el país cercano de Gatolandia. Este personaje terminaría convirtiéndose en Reepicheep en El Príncipe Caspian.
• Lewis dedicó El león, la bruja y el armario a su nieta, Lucy Barfield, y Lucy se convirtió en la primera de los cuatro niños que encontró el camino a Narnia.
• Nadie sabe exactamente por qué C. S. Lewis llamó a su otro mundo “Narnia”. Puede que haga referencia a la ciudad italiana de Nequinium, que los romanos rebautizaron como Narnia, como el río Nar, cuando la conquistaron en el año 299 a.C.
• De niño, cuando C. S. Lewis vivía en Belfast, en Irlanda del Norte, tenía una niñera irlandesa llamada Lizzie Endicott que le contaba maravillosos cuentos para irse a la cama sobre gigantes y duendes. Lizzie y sus cuentos inspiraron al escritor para crear el personaje de la niñera del Príncipe Caspian, que contaba al príncipe historias sobre la Antigua Narnia.
• Lewis le mostró los primeros capítulos de El león, la bruja y el armario a su amigo J. R. R. Tolkien, pero al autor de El Hobbit y de El Señor de los Anillos no le gustó la historia y Lewis estuvo a punto de dejar de escribir. Fue otro bueno amigo del escritor, Roger Lancelyn Green, quien animó a terminar el primer libro sobre Narnia y quien, más tarde, le sugirió que les diese a los siete libros el título general de “Las Crónicas de Narnia”.
• J. R. R. Tolkien le recomendó a Lewis que se pusiese en contacto con la ilustradora Pauline Baynes, que acababa de ilustrar su propio libro Egidio, el granjero de Ham.
• Tras escribir El león, la bruja y el armario, C. S. Lewis empezó a trabajar en un segundo libro: era una historia sobre un chico llamado Digory que finalmente se publicaría con el título de El sobrino del Mago. Mientras pensaba en esta historia, se le ocurrió otra idea sobre niños que quedan atrapados en un cuadro mágico de un barco y que más tarde se convertiría en La travesía del viajero del alba. Pero ambas ideas tendrían que esperar, ya que empezó a escribir El Príncipe Caspian.
• El Príncipe Caspian comenzó como una idea anotada en una de las libretas de C. S. Lewis unos meses después de que hubiese terminado El león, la bruja y el armario. Esto es lo que escribió: “Secuela de LBA: Los actuales tiranos serán hombres. La historia de Narnia la cuenta el Enano…”
• El título original de C. S. Lewis para el libro que hoy conocemos como El Príncipe Caspian era Drawn into Narnia (Arrastrados por Narnia), pero a sus editores no les gustó. Mientras buscaba un nuevo título, Lewis llegó a sugerir también A Horn in Narnia (Un cuerno en Narnia), pero finalmente se quedó con El Príncipe Caspian: El Regreso a Narnia, siendo el único libro de la serie con un subtítulo.
• El nombre Aslan proviene de “león” en turco.
• El nombre Caspian podría estar inspirado en el Mar Caspio, entre Europa y Asia, y que es el mar interior más grande del mundo.
• El Príncipe Caspian descubre que su tío Miraz se ha convertido en el soberano de Narnia tras matar a su hermano (padre de Caspian) el Rey Caspian IX. Como C. S. Lewis sabía, el argumento se parece al Hamlet de Shakespeare.
• En el colegio, C. S. Lewis estudió griego y latín, e incorporó personajes de las mitologías de la antigua Grecia y la antigua Roma en Las Crónicas de Narnia, como el dios del vino Baco y su compañero Sileno, así como faunos, centauros y las ninfas del árbol y del agua conocidas como dríades y náyades.
• Narnia tiene sus propias estrellas y planetas, incluidos Tarva, el Señor de la Victoria, y Alambil, la Señora de la Paz y de Narnia.

Varios

• Además de las nuevas películas producidas por Disney y Walden Media, existen otras dos versiones anteriores: una de animación dirigida en 1979 por Bill Melendez que adapta El León, la Bruja y el Armario, y otra de imagen real producida por la BBC formada por tres partes: El León, la Bruja y el Armario (1988), El príncipe Caspian y la travesía del Viajero del Alba (1989) y La silla de plata (1990).
• La autora de Harry Potter, J.K. Rowling, ha reconocido públicamente su inspiración en la saga de Narnia, incluyendo la publicación de la historia en siete libros, el concepto del paso al andén 9 y 3/4 de la estación de Kings Cross (en lugar del armario), o el nombre del personaje de Cedric Diggory.
• Aunque fue criado en una familia religiosa de la Iglesia de Irlanda, C. S. Lewis fue un ateo bastante fervoroso la mayor parte de su juventud. Entre 1929 y 1931 experimentó un profundo acercamiento al cristianismo, en parte propiciado por su relación con Tolkien y Hugo Dyson que terminaría marcando de una forma más o menos evidente muchos de sus trabajos posteriores, incluyendo Las Crónicas de Narnia. Esto originó cierta controversia cuando en el libro El caballo y el muchacho, se introduce el reino Calormen (con características notoriamente árabes) y describe a los calormenos de manera algo despectiva como adoradores del “falso dios” Tash, una alegoría a la rivalidad cristiana con el Islam.

Y como despedida, el ultimísimo trailer en español con un buen número de imágenes exclusivas…

En ocasiones, no sé sabe muy bien cómo, surgen leyendas urbanas en torno a la industria del cómic, sobre los guionistas, dibujantes, editores, editoriales, las propias historietas… algunas son ciertas, otras no. Desde piques entre autores hasta asuntos de derechos pasando por escarceos amorosos, despidos nulos, parecidos sospechosos, pasados de artistas y editores…

Pues bien, los chicos de Comic Should Be Good reúnen, desde hace tres años, leyendas urbanas del mundillo del cómic americano, investigándolas y determinando su veracidad o falsedad. Hasta la fecha llevan casi 500 mitos, muchos de los cuales han sido confirmados y otros desmentidos.

Todo esto propiciado porque se “tragaron” la leyenda de que Walt Simonson (Thor, Los 4 Fantásticos) tiene una lista con todas las apariciones de Muerte distinguiendo cuando es Muerte de verdad y cuando es un Muertebot. Bien, pues en Zona Fandom hemos hecho una pequeña selección de todas las leyendas reseñadas en CSBG.

Bien, preparaos porque creo que os interesarán a todos, primero porque algunas de estas leyendas han cruzado el charco gracias a la red, y segundo porque en todo caso son curiosidades que todo friki debe conocer.

Las cenizas de Mark Gruenwald fueron mezcladas en la impresión de un cómic.
Verdadero. Mark Gruenwald (Capitán América) murió en 1996 a la edad de 42 años, sus últimas voluntades exponían su deseo de que sus cenizas fueran mezcladas con tinta para la impresión de un cómic. Bob Harras, el editor en jefe de Marvel en aquel entonces, tras consultarlo con la viuda, decidió usar sus cenizas en la impresión en tomo de una de las series más memorables de Gruenwald: El Escuadrón Supremo, escrita entre 1985 y 1986.

Jim Steranko inspiró el personaje de Mr. Miracle.
Verdadero. Jim Steranko (Nick Furia: Agente de SHIELD, Capitán América) fue, además de guionista y dibujante de comics, un escapista. Esto antes de su carrera en el mundo del cómic. Pero no sólo Jack Kirby se inspiró en Steranko para crear a Scott “Mr. Miracle” Free, también Michael Chabon creó un artista escapista para su cómic Kavalier & Klay.

Al Milgrom fue despedido por colar un insulto a Bob Harras en un cómic.
Verdadero. Al Milgrom no era el mayor fan de Bob Harras. Meses después de que Harras fuera sustituido como editor en jefe por Joe Quesada salió a la venta Universo-X: Spidey un especial enclavado en la saga Universo-X que Milgrom entintó. En una de sus páginas, concretamente en los lomos de los libros de una estantería podía leerse la siguiente frase “Harras. Ja Ja. ¡Se ha ido! Ya era hora para esa porquería, él era un desagradable H.D.P”. Fue cazado y despedido.

La Cosa del Pantano es un plagio de El Hombre Cosa (o viceversa)
Falso. Ambos personajes debutaron prácticamente a la vez, con una diferencia de poco más de un mes (El Hombre Cosa debutó en mayo de 1971 y la Cosa del Pantano en junio o julio de ese mismo año), lo que hace imposible el plagio ya que un cómic no se crea de un mes para otro. Aunque dicho sea que son dos personajes con muchas cosas en común, aspecto, empatía, viven en un pantano… Simplemente es producto del típico movimiento entre empresas que compiten y sacan lanzamientos similares.

Marvel cambió los nombres de X-Force, Cable y Masacre para evitar pagar los derechos a Liefeld.
Falso. En 2002 estos tres títulos fueron relanzados con un nombre nuevo. X-Force pasó a ser X-Statix, Cable se convirtió en Soldier-X y Masacre en Agent-X. Pero no por problema de derechos con Rob Liefeld, ya que aunque cambiasen el nombre el personaje es, en esencia, el mismo y seguiría siendo creación de Rob! y no se solucionaría nada, si no que fue un intento de subir las bajas ventas.

Jimmy Olsen, Perry White el Daily Planet y la kriptonita aparecieron en la radioserie antes que en el cómic de Superman.
Verdadero. En 1940 la popularidad de Superman era tal que se empezó a emitir un serial para la radio. Ante las pocas historias que habían sido publicadas hasta el momento los responsables del serial decidieron crear nuevas historias, así pues Clark Kent dejaba de ser reportero del Daily Star para trabajar en el Daily Planet junto a su jefe, Perry White y el chico de los recados Jimmy Olsen. La kriptonita llegó después en 1942, además también tuvo lugar en la radio el primer encuentro entre Batman y Superman.

Superhéroe es una marca registrada compartida por Marvel y por DC Comics.
Verdadero. “Super Hero” es TM DC Comics y Marvel Comics desde 1981. No se puede usar sin su consentimiento en las distintas publicaciones, particularmente en comics, revistas y otras cosas ilustradas como cartas, figuras, posters…

Lisa Marie Presley hizo vender a Nicolas Cage su colección de comics
Falso. Sí que Cage vendió su colección antes de casarse con Lisa Presley, pero esta acción no tuvo nada que ver, según sus allegados, con Lisa Presley. Lo que sí que es cierto es que Nicolas Coppola escogió el apellido Cage por Luke Cage, Héroe de Alquiler, al menos es lo que él mismo decía al principio, ya que últimamente asocia el nombre al músico John Cage.

Destino y Mística iban a ser los padres de Rondador Nocturno.
Verdadero. En 1994, en el X-Men Unlimited #4, se reveló que Mística era madre de Kurt Wagner. Diez años después se reveló la identidad de su padre, un demonio que sedujo a Mística. Pero esto no es como fue planeado en un momento. Mística sí que iba a ser uno de los padres de Rondador, pero no la madre. Chris Claremont tenía la intención de revelar que Destino era la madre de Rondador Nocturno y Mística el padre. Evidentemente tal planteamiento no llegó a ver la luz. Aunque sí que se insinuó una relación de “más que amigas” entre estas dos mutantes.

Marvel licencia el nombre de Hulk a Hulk Hogan.
Falso, ahora. En 1979 debutó el “Increíble Hulk” Hogan, el gran luchador de lucha libre. Marvel enseguida se puso en contacto con la WWE para que dejaran de usar el nombre “Incredible Hulk”, ya que era marca registrada. Pero al final llegaron a un acuerdo de licencia, por el que dejaban usar el nombre Hulk a Hogan. En 2005 y tras varios procesos legales Hogan logró registrar el nombre “Hulk Hogan”, prescindiendo así del contrato de licencia.

Hasta aquí por hoy. Ya es suficiente para un día, por eso nos vemos en breve con una nueva entrega de esta recopilación de Leyendas y curiosidades sobre el cómic americano.

Más Información | Comic Book Urban Legends Revealed

Atentos a este vídeo de diciembre de 1984, una prueba de animación de Little Nemo dirigida por Yoshifumi Kondo (Whisper Of The Heart) bajo las órdenes de Hayao Miyazaki e Isao Takahata cuando estos estaban implicados en la preproducción de esta película. Lástima que ambos decidieran abandonarlo para trabajar en otros proyectos a causa de sus diferencias creativas con la productora.

Little Nemo: Adventures In Slumberland (El Pequeño Nemo: Aventura en la Tierra de los Sueños) es toda una leyenda en el mundo de la animación a causa de la enorme cantidad de artistas que estuvieron implicados en ella en un momento u otro durante la década que le costó a la TMS (Tokyo Movie Shinsha) sacar el proyecto adelante. George Lucas, Chuck Jones, Gary Kurtz, Ray Bradbury, Chris Columbus, Moebius, John Canemaker, Frank Thomas o Brad Bird entre otros muchos llegaron a subirse al carro de esta adaptación de la obra maestra del comic de Winsor McCay que terminaron codirigiendo Bill Hurtz (George de la Jungla, El Unicornio en el Jardín) y Masami Hata (Sea Prince and the Fire Child).

Hace demasiado tiempo desde que vi la película como para recordar si lograron sacar algo en claro de tal batiburrillo pero no me temblaría el pulso lo más mínimo si pudiese borrarla de la faz de la tierra y hacer realidad la versión de Miyazaki. Que sencillo es dejar volar la imaginación.

Vía | 4 color rebellion
Vídeo | Little Nemo Test Film (Youtube)

Con un tirón de orejas. Así es como terminan los vulcanianos desarrollando sus orejas… o al menos eso es lo que sugieren los creativos de la agencia española Shackleton en este original anuncio para Sci Fi Channel.

¿Qué creéis? ¿Sería la madre de Spock demasiado dura con su hijo? ¿Estaría pensando en su infancia Gene Roddenberry cuando cuando creó Star Trek?

Vía | Ads of the World
Más anuncios | Sci Fi Channel