Si el discurso ecologista es el mayor denominador común de la obra de Hayao Miyazaki, la crítica social es el de Isao Takahata y con ‘Mis vecinos los Yamada’ (Hohokekyo Tonari no Yamada-kun, 1999) el director vuelve a abordar su visión de la sociedad japonesa distanciándose esta vez del estilo realista de sus obras clave para optar por sencillas acuarelas en movimiento que centran toda la atención en el fondo en lugar de la forma.

Basada en las tiras cómicas de Hisachi Ishii, la película sigue una estructura dividida en pequeñas historias que enfatizan su origen y en las que conocemos el día a día de la típica familia japonesa de clase media. Los Yamada, integrados por Takashi y Matsuko (el padre y la madre), Noboru y Nonoko (el hijo y la hija), Shige (la abuela) y Pochi (el perro de la familia), son el medio para tratar cuestiones como las relaciones entre padres e hijos, esposos, suegros, sus frutraciones y anhelos, pero sobre todo, el amor y el cariño por encima de los defectos y dificultades.

A medio camino entre Shin Chan y Mafalda, los Yamada ofrecen un retrato muy creíble del entorno familiar que traspasa las fronteras culturales. Desgraciadamente, sin un hilo que enlace las diferentes historias, la película avanza dando tumbos entre lo divertido y lo aburrido, lo entrañable y lo intrascendente, fallando a la hora de mantener el interés del espectador y dejando un sabor de boca bastante irregular. Solo recomendable para los fans más a acérrimos de Takahata o aquellos que no quieran dejar un hueco en la filmografía del estudio (como es mi caso).

Algunas curiosidades

• Además de Ghibli, también participaron económicamente en la producción de la película la editorial Tokuma Shoten, la cadena Nippon Television, la agencia de publicidad Hakuhodo (la segunda más grande del país, superada solo por Dentsu) y Buena Vista Home Entertainment (Disney), quien aportó un 10% del coste de producción a cambio de los derechos de distribución internacional.
• La película se basa en la serie de tiras cómicas yonkoma (manga en 4 viñetas) de Hisaichi Ishii que se publicaron entre 1991 y 1997 en Asahi Shinbun, uno de los periódicos más importantes de Japón. Su título original era ‘Tonari no Yamada-kun’ (Mis vecinos los Yamada) pero después de que Nonoko se convirtiese en el personaje preferido por los lectores e Ishii empezase a contar más historias desde su punto de vista terminó cambiando el nombre de la serie a ‘Nono-chan’.
• ‘Mis vecinos los Yamada’ fue la primera (y hasta el momento única) película de Ghibli realizada enteramente con ordenador. Cada uno de los fotogramas de la película se dibujaron directamente en el ordenador utilizando tabletas gráficas, buscando un estilo que imitase fielmente a las acuarelas. Además, también se utilizaron gráficos 3D en algunas escenas, como la del trineo y la tarta de boda, pero están tan bien integradas con el resto de la animación que es difícil darse cuenta.
• El título original de la película, ‘Hohokekyo Tonari no Yamada-kun’, difiere del original para mantener una especie de broma interna o mania de Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Si os fijáis, todas las películas de Miyazaki tiene siempre “no” en sus títulos (‘Tonari no Totoro’, ‘Gake no ue no Ponyo’, ‘Mononoke Hime’...) mientras que las de Takahata tienen “ho” (en hiragana, “ho” y “po” se escriben igual, “ほ”, solo diferenciadas por el dakuten, un signo diacrítico utilizado para indicar que la consonante de una sílaba se pronuncia sonora)... ‘Hotaru no Haka’, ‘Omohide Poroporo’, ‘Heisei Tanuki Gassen Pompoko’. Así que querían incluir un “ho” en el título de alguna forma y a alguien se le ocurrió la palabra “Houhokekyo”, el sonido que hace el uguisu (ruiseñor japonés). Por cierto, en los títulos de crédito del principio aparece un uguisu.

• La historia no se desarrolla en ninguna ciudad en particular sino que pretende reflejar la vida de cualquier gran urbe japonesa. Matsuko y Shige hablan con un acento de Kansai similar al de Osaka pero el resto de personajes utilizan un acento “estándar”.

• Como de costumbre en las películas de Takahata existen un buen número de referencias al arte y folclore japonés, incluyendo La gran ola de Kanagawa, los nacimientos de Noboru y Nonoko representados del mismo modo que los protagonistas de dos de los cuentos más famosos de la cultura japonesa (Momotaro, nacido del interior de un melocotón gigante y la Princesa Kaguya de un bambú) o los diferentes haikus que dividen la película, obra de poetas como Matsuo Basho o Taneda Santoka.
• El superhéroe enmascarado es una referencia a ‘Gekko Kamen’ (conocida en España como ‘Centella’), la primera serie de televisión del género tokusatsu en 1958.
• La película fue un fracaso en taquilla. Su estreno en Japón se produjo el 17 de julio de 1999 coincidiendo en cartel con la segunda película de ‘Pokemon’ y ‘Star Wars: Episodio 1 – La amenaza fantasma’, algo que desde luego no benefició a un título que se había saltado su presupuesto inicial hasta llegar a los 2.000 millones de yenes (coste estimado, no hay datos oficiales, y sí, a mi también me cuesta creer que costase más que Chihiro).

• ‘Taketori Monogatari’, la nueva película de Takahata prevista para este mismo año, llegará once años después de ‘Mis vecinos los Yamada’, más de una década en la que el director tan solo ha trabajado en un segmento de un minuto de duración para la película ‘Fuyu no hi’ (Winter Days, 2003), un proyecto bastante experimental de 36 piezas, cada una realizada por un animador diferente de todo el mundo. Curiosamente, el nuevo proyecto del director es precisamente una adaptación del ya mencionado cuento de la Princesa Kaguya.

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Con ‘La Princesa Mononoke’ (Mononoke Hime, 1997), Hayao Miyazaki vuelve a tomar la batuta de director, quizás para transmitir al máximo todos los matices de su guión. No en vano, su implicación en este proyecto fue tal que le llevaría a replantearse su forma de acometer los proyectos, terminando completamente agotado.

La historia, que rezuma épica y folclore, se ambienta en el periodo Muromachi (1336-1573), y cuenta el relato de la lucha mística entre los humanos, señores de la forja y el hierro, y los Dioses Animales del Bosque, la fuerza misma de la naturaleza.

El nombre de la película procede del título honorífico por el que es conocida San, Princesa Mononoke, criada entre los espíritus del bosque por la diosa loba Moro. La humana, que desde la cuna ha vivido entre los espíritus de la naturaleza, será una de las mayores bazas de los Dioses Animales en su batalla contra los voraces humanos, que arrasan con cualquier recurso que necesiten con tal de seguir alimentando sus hornos.

Lady Eboshi es la líder de un reino en construcción en el que todos son acogidos y tratados por igual. Ex-prostitutas, proscritos e incluso leprosos la adoran por permitirles recuperar su dignidad y le ofrecen a cambio su esfuerzo y dedicación trabajando en la producción de metales y armas, necesarios para expandir las fronteras del naciente imperio, casi anónimo, de esta Ciudad del Hierro.

Mientras ambos contendientes se aproximan inexorablemente a la la batalla final (hoy estoy de un pomposo que no me aclaro), aparece en escena Ashitaka, el último príncipe Emishu, un pueblo a punto de desaparecer. Tras salvar a su aldea del ataque de un Tatarigami, un demonio que arrasa con toda vida con tan sólo tocarla, Ashitaka descubre que en realidad, el demonio es un Dios Animal. El jabalí Nago, maldito por el sufrimiento y el odio originado por el daño que los humanos le han causado al bosque, había enloquecido hasta convertirse en muerte.

Ashitaka se ve infectado por esta maldición y cuando el odio le domina, la maldición se extiende y le vuelve tan poderoso como destructivo. El joven deberá exiliarse y salir a la búsqueda de una cura, si es que la hay, antes de que esta termine de propagarse y acabe con él. Para ello deberá tratar de que ambos bandos, el de los hombres y el de la naturaleza y los espíritus, encuentren un equilibrio que les permita coexistir. Pero, ¿es posible algo así?

El amor que Miyazaki dedicó a esta película se respira en cada fotograma. Cada imagen es en si misma una obra de arte, y contiene más realismo, más detalle, que cualquier película de animación europea o americana al completo. Ghibli juega en otra liga. Y para los que aún piensan que “dibujos animados” es sinónimo de “cine infantil”, ahí están la sangre, la crudeza de la muerte, el olor de la descomposición y un profundo mensaje de respeto por la naturaleza que se hace más evidente que en cualquier otra película anterior del estudio (con permiso de Nausicaä).

Porque en Mononoke no hay sitio para sentimentalismos, para canciones, para el sosiego. Si hay escenas de calma, sólo sirven para que su devastación sea más dolorosa. Empieza con muerte y destrucción, y a partir de ahí la acción va in crescendo. Es lo que sucede cuando tratas de imponerte a la naturaleza, apropiarte de ella para tus fines.

Fue la primera película que vi del estudio Ghibli, y creo que elegí un escenario especialmente apropiado. Porque junto a la principal vía de tráfico de Málaga se encuentra también uno de sus mejores parques, frente al puerto, y en mitad del parque hay un auditorio al raso. Así que estaba entre naturaleza y hierro, sin pretenderlo. Y la entrada era gratuita.

Por motivos como este, para mi ‘La Princesa Mononoke’ estará siempre en un lugar privilegiado dentro de las obras de Ghibli.

Algunas curiosidades

• Miyazaki revisó personalmente todos los fotogramas clave de la película corrigiendo y a menudo volviendo a dibujar muchos de ellos para que se ajustasen a su propia visión.
‘Mononoke’ está compuesta por un total de 144.000 fotogramas de los que 80.000 son fotogramas clave de modo que se trató una tarea titánica, y el director llegó a afirmar que ni sus ojos ni sus manos le permitirían volver a trabajar de esa forma. El gran éxito le animó a seguir con ‘El Viaje de Chihiro’ aunque adoptando un papel más cercano al del resto de directores (Mamoru Oshii por ejemplo ni tan siquiera revisa los fotogramas clave, tiene un director técnico que se encarga de ello. Takahata sí los revisa, pero les pasa las correcciones a los animadores principales para que ellos las hagan).
• Un Mononoke es un espíritu enfadado o vengativo mientras que “Hime” significa princesa. La gente llama a San, la heroína, “Mononoke Hime” para honrarla, y porque, al ser criada por un mononoke se parece y actúa como uno de ellos.

• Mononoke normalmente hace referencia al espíritu de un objeto. Los japoneses culpan a los mononokes de las cosas inexplicables, desde una jaqueca a un desastre natural. Pueden ser el espíritu de una silla, de una persona muerta o viva, de un animal, un espíritu natural… Incluso Totoro es un mononoke.

• Kodama significa “eco” (literalmente es un “espíritu arbóreo”). Al estar escrito en Katakana, no en Kanji, también puede significar “bolita” o “pequeño espíritu”. Aunque los Kodamas aparecen en muchos cuentos populares japoneses, las adorables criaturitas de cabezas giratorias son invención de Miyazaki.
• Miyazaki ambientó la película en el periodo Muromachi porque la relación de los japoneses con la naturaleza cambió mucho en esa época. Se popularizó la producción de hierro, lo que requería talar muchos bosques, y había un sentimiento general de dominio sobre la naturaleza. Es anterior a la formación del actual Japón, una época confusa pero interesante. Las mujeres tenían más libertad y nacieron muchas artes. Aún no estaba establecida la férrea estructura de clases con samuráis, granjeros y artesanos. Para Miyazaki, es muy similar a la época actual, de cambios y confusión.
• La primera versión que escribió Miyazaki en 1980 trataba sobra una princesa forzada por su padre, un señor feudal, a casarse con una especie de león humanoide (algo así como un extraño Totoro) llamado Mononoke como parte de un pacto por el que tras ser derrotado logró permanecer con vida y obtener más poder. La chica hace caso omiso a su padre y se decide a salvarlo del espíritu maligno que posee su cuerpo. El proyecto, anterior a ‘El Castillo en el Cielo’, no llegó a materializarse y guardaba algunas similitudes con ‘La Bella y la Bestia’.
• Miyazaki se planteó cambiar el título a ‘Ashitaka Sekki’ (El Cuento de Ashitaka), puesto que desde el borrador inicial la historia ya no se centraba tanto en San tomando un papel más secundario.
• Las armas de fuego que aparecen en la película se llaman Ishibiya, la versión japonesa de este tipo de armas. Aunque fueron los portugueses quienes introdujeron los primeros fusiles en Japón alrededor de 1543, se cree que los chinos ya importaron algunos de estos cañones antes de eso.
• Yakkul, la montura de Ashitaka, es un Akashihi (alce rojo), un animal fictício basado en los yak que creó Miyazaki y que también aparece (o al menos uno muy similar) en su manga ‘Shuna no Tabi’ (El viaje de Shuna), considerado por algunos como el borrador de Nausicaa.
• ‘La Princesa Mononoke’ es una gran película en muchos sentidos. Con una duración de 134 minutos, fue la película de animación más larga jamás creada hasta el estreno de ‘The Disappearance of Haruhi Suzumiya’ que le arrebató el título con sus 162 minutos. También fue la cinta de animación más cara creada en Japón con un coste de producción de 2.400 millones de yenes (Akira costó “tan solo” 1.000).

• Los 18.650 millones de yenes que recaudó en Japón la convirtieron en la película más taquillera de la historia del país desbancando a ‘E.T.’ tras 15 años en primera posición. Poco después otra película estadounidense volvería a reclamar el título, ‘Titanic’, solo para perderlo a manos de ‘El Viaje de Chihiro’. ‘Mononoke’ también batió el record de ventas en DVD con 4 millones de copias. Hasta el momento lo tenía ‘Aladdin’, con 2.2 millones. Este record también se lo quitó ‘Titanic’.

• Mononoke fue la primera película de Ghibli en utilizar de forma extensa gráficos por ordenador. Se creó un nuevo departamento con dos servidores y veintiuna estaciones de trabajo Silicon Graphics en las que se realizaron las más de 100 tomas con imágenes generadas por ordenador, composición digital y dibujo digital. En total, hay unos 15 minutos de CGs de los que, 10 se corresponde con dibujo y coloreado digital, y los 5 restantes con diferentes técnicas que van desde mapas de texturas (por ejemplo, el suelo en algunas persecuciones), renderizado 3D (las “serpientes” del brazo de Ashitaka) o morphing (la descomposición del dios jabalí) hasta la generación de partículas y la composición digital. Desde el principio el objetivo fue utilizar “gráficos por ordenador que no pareciesen gráficos por ordenador” y definitivamente lo lograron.
• En la película participaron cinco directores de arte, algo sin precedente hasta la fecha: Kazuo Oga (‘Mi vecino Totoro’, ‘Recuerdos del ayer’, ‘Pompoko’), Nizou Yamamoto (‘Sherlock Hound’, ‘El castillo en el cielo’, ‘La tumba de las luciérnagas’), Satoshi Kuroda (‘Susurros del Corazón’), Naoya Tanaka (‘Puedo escuchar el mar’) y Youzou Takeshige (‘On Your Mark’).
• Como de costumbre, la banda sonora de Joe Hisaishi fue una auténtica maravilla y el compositor recibió gracias a ella el Japan Record Award, algo así como los Grammy japoneses.
• Disney/Miramax, distribuidora internacional de la película, estaba obligada por contrato a no editar de ninguna forma la cinta para su lanzamiento en Estados Unidos. Aún así, intentaron solicitar que les permitieran cortar algunas de las escenas más violentas pero Ghibli se negó. Después Disney se mostró sorprendida por los pobres resultados en taquilla, quizás por su calificación para mayores de 13 años, o quizás porque Disney la estrenó en un número muy limitado de salas.
• En la película aparecen incluso amputaciones de miembros y decapitaciones y es que, según Miyazaki, “Cuando se produce una pelea, inevitablemente siempre se derrama algo de sangre y no podemos evitar representarla. Sin embargo, incluso en mitad del odio y las matanzas, hay cosas por las que merece la pena vivir. (...) Mostramos el odio, pero es para describir que hay cosas más importantes. Mostramos la maldición, pero es para representar la alegría de la liberación”.
• La traducción al inglés (y por ende el resto de idiomas traducidos de él) no se hizo de forma literal a partir del original en japonés. Neil Gaiman (‘The Sandman’) fue elegido para esa tarea, adaptando el guión con “frases que la gente diría”. Gaiman, que se mostró encantando con el trabajo, declaró: “Mi objetivo era mantenerme fiel a la historia pero proporcionar una traducción que una audiencia no japonesa fuera capaz de seguir” y para ello se vio obligado a estudiar el folclore japonés que inunda la historia.
• Miramax pretendía que el DVD sólo incluyera el audio doblado al inglés, pero las protestas de los fans hicieron que retrasaran el lanzamiento para poder incluir los diálogos en japonés.

• Gillian Anderson, la popular intérprete de la agente Scully de ‘Expediente X’, dobla a Moro en su versión en inglés. La actriz pidió expresamente el papel de algún personaje porque es fan incondicional de Hayao Miyazaki. Le acompañaron Billy Crudup (Ashitaka), Claire Danes (San), Minnie Driver (Lady Eboshi) y Billy Bob Thornton (Jigo).

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Dirigida por Yoshifumi Kondo con guión y storyboards de Hayao Miyazaki, ‘Susurros del Corazón’ (Mimi wo Sumaseba, 1995) es sin duda una de las películas más entrañables y mágicas del Studio Ghibli, una maravillosa obra acerca del primer amor en el que la fantasía, contenida en la imaginación de la joven protagonista, cede su espacio a una historia costumbrista en la que el sentimiento y la nostalgia se adueñan de nosotros.

Shizuku Tsukishima, una estudiante de secundaria con una gran afición por la lectura, descubre que en las fichas de los libros que coge de la biblioteca aparece siempre el nombre de otro estudiante, Seiji Amasawa. Shizuku empieza a sentir una curiosidad irrefrenable por averiguar la identidad de este chico y un día, mientras sigue a un misterioso gato hasta una tienda llena de antigüedades, se sorprende al descubrir que pertenece al abuelo de Seiji y que este trabaja en ella como aprendiz en la fabricación de violines persiguiendo el sueño de viajar a Italia para convertirse en un gran Luthier. Shizuku, que hasta ese momento no se había planteado lo que quería hacer de mayor, decide tomar ejemplo de Seiji y esforzarse en encontrar su auténtica vocación.

La relación de ambos jóvenes, lejos de responder a las clásicas y manidas premisas de la mayoría de películas sobre romances adolescentes, huye de los clichés, el falso sentimentalismo y el melodrama de otras producciones para ofrecernos un relato con personajes honestos, tiernos y sinceros realmente conmovedores. Con esta frase, la mitad de los tipos duros lectores de Zona Fandom que no salieron huyendo tras leer en voz alta el título, ‘Susurros del Corazón’, estarán pensando en hacerlo, pero comenterían un terrible error. No hace falta ser una ingenua adolescente para disfrutar de esta película y cualquier persona con un mínimo de corazón se descubrirá a si misma recordando aquella etapa de su vida a través de la diáfana mirada de Shizuku.

Tan sencilla como emotiva, la película pertenece sin lugar a dudas al olimpo de las mejores obras del estudio. Su animación, magnífica en todos los sentidos pero particularmente brillante al retratar los paisajes de la típica ciudad japonesa, se ve reforzada por una banda sonora a la que le debemos una de las escenas más dulces que recuerdo (gran elección la de Country Road).

Puede que ‘Susurros del Corazón’ no sea perfecta, pero como en las relaciones que merecen la pena, esto no evitará que caigamos completamente enamorados de ella.

La muerte de Yoshifumi Kondo

El director de ‘Susurros del Corazón’, Yoshifumi Kondo, fue uno de los principales animadores del estudio y amigo íntimo de Isao Takahata y Hayao Miyazaki desde que empezaron a trabajar juntos en animes como ‘Lupin III’, ‘Ana de las Tejas Verdes’ o ‘Sherlock Hound’. Tras dirigir ‘Susurros del Corazón’ en 1995, todos esperaban que se sumase al dúo formado por Miyazaki y Takahata empezando a dirigir más películas para Ghibli de forma regular, pero desgraciadamente murió el 21 de enero de 1998, seis meses después del estreno de ‘La princesa Mononoke’ en la que trabajó como director de animación y poco después de que Miyazaki le encargarse realizar otro proyecto juntos.

Kondo murió en el hospital de Tachikawa a la edad de 47 años a causa de un aneurisma provocado por el exceso de trabajo y todo parece indicar que la decisión de Miyazaki de anunciar su retirada estuvo íntimamente ligada a los problemas de salud de su amigo. Afortunadamente, aunque Miyazaki llegó a abandonar Ghibli para empezar a trabajar de un modo mucho más relajado en un nuevo estudio que fundó cerca de este, el estudio Butaya (La casa del cerdo), al final regresó un año más tarde, el 16 de enero de 1999 para dirigir ‘El viaje de Chihiro’ que se estrenaría en 2001 cosechando un gran éxito de crítica y público que le valió el Óscar a la Mejor película de animación y el Oso de oro del Festival Internacional de Cine de Berlín como mejor película.

Algunas curiosidades

• ‘Susurros del Corazón’ está basada en el manga del mismo nombre de Aoi Hiiragi publicado por Shuueisha en un tomo único. Hiiragi publicó una secuela titulada ‘Shiawase na Jikan’ (Tiempos felices) situada dos años después de que Shizuku y Seiji se conociesen.
• Se proyectó en cines junto al vídeo musical ‘On Your Mark’ creado por Hayao Miyazaki para el grupo Chage and Aska.
• Aunque el anime es bastante fiel a la historia general del manga, tiene muchísimas diferencias como que la madre de Shizuku sea originalmente la típica ama de casa japonesa; que Seiji tenga un hermano mayor llamado Kouji que es el novio de Shiho; Seiji tampoco hace violines en el manga, sino que es pintor, y tampoco aparece nada de irse a estudiar al extranjero (a Miyazaki le encantan los artesanos y quería cambiar la historia para que este tuviese que trabajar realmente duro para alcanzar sus sueños); Shizuku no no tiene problemas en la escuela a causa del tiempo que dedica a escribir su historia y no hay ni rastro de la subtrama del examen de ingreso (Shizuku estaba en el primer año de secundaria, no en el tercero); los padres de Shizuku apenas si aparecen; Seiji tan solo le dice “Te quiero” al final en lugar de pedirle a Shizuku que se case con él (algo que en la película está realmente metido con calzador); hay dos delgados gatos negros, Luna y Moon (en español e inglés en la versión original) en lugar del gordo de Moon y pertenecen a Seiji y Kouji (Miyazaki no quería poner otro gato negro en la película puesto que ya tenía a Jiji de ‘Kiki’s Delivery Service’ así que unió los dos gatos en uno y Moon se volvió gordo); el abuelo de Seiji estuvo en Alemania de negocios en lugar de como estudiante y nunca conoció a la mujer que se menciona en la película, la prometida del Barón no estaba terminada aún (en lugar de estar siendo restaurada) y pretendía recogerla en otro viaje que nunca llegó a realizar a causa de la guerra; o que Shizuku viva en una casa unifamiliar como la de Yuko en lugar de un pequeño apartamento.
• Aunque la película está dirigida por Yoshifumi Kondo, Miyazaki jugó un papel fundamental en la misma ya que además de producirla, también se encargó de escribir el guión y dibujar los storyboards.
• ‘Susurros del Corazón’ fue la primera película del estudio que utilizó un sistema de composición digital. Concretamente se empleó en la escena del vuelo del Barón de la historia de Shizuku, en la que existen una gran cantidad de elementos que se mueven de forma independiente. Aún así, la animación se realizó de forma tradicional y el ordenador tan solo se utilizó para combinar todos los elementos en una misma toma, imposible de realizar por otros medios.
• La película también fue la primera en utilizar sonido Dolby Digital en Japón.
• La historia tiene lugar en la ciudad de Tama al oeste de Tokio, el mismo lugar en el que se desarrolla ‘Pompoko’ y se encuentran los estudios de Nippon Animation en los que Miyazaki trabajó.
• El mundo imaginario de Iblard creado por Shizuku está dibujado por el artista Inoue Naohisa. Naohisa envió una invitación para una exposición suya a Miyazaki, del que era admirador, y aunque no esperaba que se presentara, este finalmente apareció y compró un cuadro (que está colgado en la pared de la cafetería de Ghibli) que es exactamente como el mundo que aparecería finalmente en la escena de ‘Susurros del Corazón’. Naohisa también trabaja en la película dándole voz a uno de los amigos de Nishi que se unen a la sesión improvisada en la que cantan la canción “Country Road” (el es el más alto). No contento con esto, Ghibli también produciría más tarde un corto de 30 minutos a cargo de Naohisa en 2007, ‘Iblard Jikan’, que básicamente es una historia contada através de los cuadros del artista con pequeñas porciones animadas de forma digital.
• En la película hay varias bromas internas que hacen referencia a otros trabajos del estudio además de un cartel donde se anuncia a si misma. Así, por ejemplo, en el reloj del péndulo que mira Shizuki está escrito “Porco Rosso”. También, cuando Shizuku va a la biblioteca de la escuela para coger un libro, aparece uno que se llama Totoro, y durante la segunda escena de fantasía aparecen dos pequeños Totoros y Jiji de ‘Kiki’s Delivery Service’.
• Hablando de Jiji. Durante la producción de ‘Kiki’s Delivery Service’ se discutió acerca de si este personaje podría entrar en conflicto con la compañía de mensajería Kuroneko Takkyubin, que utiliza un gato negro como logo, pero al final todo se resolvió gracias a que la compañía accedió a patrocinar la película. Tras eso, se desconoce si la aparición en ‘Susurros del Corazón’ de múltiples camiones de reparto de Kuroneko Takkyubin (algunos incluso con su logo bien visible) es también una especie de cameo o sencillamente son un reflejo del tono realista de la película, ambientada en los 90.
• Como decía antes, la proposición de matrimonio de Seiji está introducida de un modo bastante forzado en la trama y aunque en el manga original tan solo dice “Te quiero”, Miyazaki defiende su cambio afirmando que “Yo darle una conclusión, un final diese la sensación de ser definitivo. Demasiados jóvenes de hoy día tienen miedo a comprometerse y retrasan todo indefinidamente. Quería que ellos dos se comprometiesen en algo, no solo un ‘bueno,ya veremos lo que va a pasar’”.
• La figura del Barón se basa en una real que posee Hiiragi, la autora del manga. La mujer se enamoró de la figura en cuanto la vio pero no podía permitírsela y cuando regresó más tarde a la tienda para comprarla se encontró que ya se había vendido. Sin embargo, resultó que quien la había comprado había sido su novio para dársela como regalo de cumpleaños. Ahora ambos están casados.
• El grabado que ve Shizuku en uno de los libros de la biblioteca en el que aparece un hombre fabricando un violín en prisión fue realizado por Keisuke Miyazaki, uno de los dos hijos del director y artesano experimentado en la talla en madera.
• La voz de Shizuku en la versión japonesa la puso Yuko Honna, que en aquella época tenía la misma edad del personaje. Honna también hizo de Taeko (en 5º curso) en ‘Recuerdos del ayer’. Curiosamente, otros actores de doblaje migraron también de ‘Recuerdos del ayer’ a ‘Susurros del Corazón’ como Kazuo Takahashi, la voz de Seiji, que dobló a uno de los chicos de la escenas de la infancia de Taeko, o Yorie Yamashita, la voz de Shiho, la hermana mayor de Shizuku, que también hizo de la hermana mayor de Taeko.
• En el caso del padre de Shizuku, en lugar de contratar a un actor de doblaje profesional se recurrió a Takashi Tachibana, un periodista muy famoso en Japón. En la película, la verdadera pasión del padre de Shizuku es investigar y escribir acerca de la historia local así que Tachibana prácticamente se interpretó a si mismo.
• El tema principal de la película es una versión de la canción de 1971 Take Me Home, Country Roads de John Denver, Bill Danoff y Taffy Nivert. La canción no solo es el himno de facto de Virginia Occidental, sino que la NASA la llegó a utilizar para despertar a los astronautas que iban a bordo del transbordador espacial en las misiones STS-5 y STS-41-G. Cuando aparece al principio de ‘Susurros del Corazón’ está cantada por Olivia Newton-John y luego, es la propia Yoko Honna, quien la canta a lo largo de la película y en los títulos de crédito.
• La canción fue traducida al japonés por la Mamiko Suzuki, la hija de Toshio Suzuki, el presidente del Studio Ghibli y principal productor de todas sus películas. Al principio Miyazaki intentó traducirla por si mismo pero no funcionó así que le pidió a una “joven real” que lo hiciera. Mamiko tenía en aquella época 19 años y Miyazaki tan solo tuvo que pulir un poco su trabajo.
• La canción Concrete Road está escrita por el propio Miyazaki.

• El resto de la banda sonora fue realizada por Yuji Nomi, habitual colaborador del genial compositor Ryuichi Sakamoto (‘Honneamise no Tsubasa’, ‘El último Emperador’). Nomi colaboraría más tarde con el spin-off de ‘Susurros del Corazón’, ‘Haru en el reino de los gatos’, así como en cortometraje ‘Kujiratori’ (La caza de la ballena) realizado en 2003 para el Museo Ghibli.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

‘On Your Mark’ es un delicioso vídeo musical dirigido por Hayao Miyazaki que se estrenó en cines de forma conjunta con la película ‘Susurros del Corazón’ el 15 de julio de 1995. Seis maravillosos minutos de cine mudo fruto de seis meses de trabajo que dieron una nueva dimensión al sencillo del mismo título del duo de rock japonés Chage and Aska.

La historia, narrada de un modo no lineal en la que, inspirada por la letra de la canción, vemos a dos hombres que no ceden en sus esfuerzos por rescatar a una joven alada sin importar cuantas veces fracasen, es un fantástico ejemplo de todo lo que hace grande al Studio Ghibli en general y a Miyazaki en particular, capaz de emocionarnos en cuestión de minutos y transportarnos a un mundo con un lenguaje que no distingue entre jóvenes y adultos. No es de extrañar que durante años fuese uno de los vídeos más vistos por los aficionados al manganime y/o la música japonesa.

“Debemos mantener siempre la esperanza (...) dejarla ir a un lugar en el que nadie pueda tocarla” – Hayao Miyazaki

Junto a Miyazaki también encontramos en la realización del vídeo a Masashi Ando, quien se encargó de la dirección de animación, puesto que volvió a ocupar años más tardes en ‘El Viaje de Chihiro’, también con Miyazaki al frente; y al director de fotografía Atsushi Okui, colaborador habitual del director en buena parte de sus películas incluyendo ‘Porco Rosso’, ‘La princesa Mononoke’, ‘El Viaje de Chihiro’, ‘El castillo ambulante’ y la reciente ‘Ponyo en el acantilado’.

Algunas curiosidades

• Chage and Aska realizó una versión en inglés de la canción con diferente letra titulada Castles in the Air. Podéis ver el unplugged que hicieron para la MTV en este enlace.
• El videoclip está incluido en el DVD ‘Ghibli ga Ippai Special Short Short’ editado en 2005 en Japón en el que se recopilan la mayor parte de trabajos publicitarios y de otra índole desarrollados por el estudio hasta ese año. Curiosamente, en el DVD podemos seleccionar tanto la pista de audio original con la canción ‘On Your Mark’ como una alternativa con ‘Castles in the Air’.
• Según explica Miyazaki, en el mundo mostrado en el videoclip, los seres humanos viven bajo tierra para escapar de la contaminación, la radiación y los rayos ultravioleta, y se hace una referencia a la planta nuclear de Chernóbil y el sarcófago de hormigón con el que se contuvo la radiación de su reactor a través de ese enorme edificio parecido a un cubo que puede verse al principio del vídeo.
• Los dos carteles en japonés que pueden verse en la escena del túnel dicen “Cuidado con la luz solar” y “La vida no está garantizada”. En otra escena también aparece un letrero en chino que significa “Dios te vigila”, el eslogan de la secta que aparece al principio en “La Iglesia de Saint Nova”.
• El ángel guarda ciertas similitudes con el personaje de Nausicaa y Miyazaki llegó a referirse a ella en una entrevista como “Tori no Hito” (persona pájaro), uno de los apodos de Nausicaa, puntualizando “Yo nunca he dicho que fuese un ángel” aunque sin llegar a negarlo tampoco. Lo más interesante es que dado que como ya he comentado, ‘On Your Mark’ fue el primer trabajo creativo de Miyazaki tras completar el último capítulo del manga de Nausicaa, es más que probable que lo utilizase para despedirse del personaje y la obra que había formado parte de su vida durante más de diez años. Una despedida que culmina con la escena final en la que los protagonistas dejan ir a chica y esta se pierde entre las nubes.
• Miyazaki utilizó ‘On Your Mark’ como campo de pruebas para combinar las técnicas tradicionales de animación con el uso del ordenador y le fue tan bien que volvió a utilizarlas ya de forma intensiva en muchas de las escenas de ‘La princesa Mononoke’.
• Los personajes de los dos policías son las encarnaciones animadas de Chage y Aska.

• El grupo se separó en 1996 para volver a unirse en 1999 compaginando el grupo con sus carreras en solitario. El 30 de enero de 2009 anunciaron su separación definitiva.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

Tras ‘La tumba de las luciérnagas’ y ‘Recuerdos del ayer’, Isao Takahata se puso manos a la obra con su tercera película del Studio Ghibli, Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Pompoko, 1994), una comprometida y ecologista fábula sobre los problemas del desarrollo urbanístico descontrolado y la destrucción de los hábitats naturales.

En Pompoko, los tanuki (una especie de mapaches originaria de Asia) ven como el bosque en el que viven empieza a ser destruido por un proyecto de construcción del gobierno japonés a las afueras de Tokio. Ante esta amenaza común y conscientes de los problemas que puede acarrearles, las diferentes tribus de tanuki empiezan a unirse para trazar un plan con el que frenar el avance de los humanos gracias a su legendaria habilidad para cambiar de forma.

Pese a lo que pueda parecer, Pompoko no es una película para niños y siguiendo la tónica general de todas las producciones de Takahata, ofrece un relato adulto que aunque recurre frecuentemente al humor y la fantasía, se encarga de recordarnos constantemente lo serios y reales que son los temas que abarca. Con un estilo sobrio que en ocasiones podría definirse casi documental, Takahata nos pone en la piel de los tanuki para que sintamos en nuestras propias carnes lo que está en juego cuando se habla no solo de la coexistencia con el medio ambiente, sino también del respeto por las tradiciones y la empatía con los demás, sean o no de nuestra misma especie.

Ambientada en un entorno cargado hasta el delirio de referencias a la mitología y el folclore japonés, Pompoko es quizás una de las películas menos accesibles del estudio para el público occidental, y todos los mapaches del mundo no son capaces de esconder el hecho de que sus 114 minutos de duración adolecen de serios problemas de ritmo que van y vienen de forma intermitente.

Por lo demás, hay que reconocer como virtud el que Takahata se atreva a lanzar un mensaje de esperanza a través de un final desolador que no cae en la complacencia y deja en el espectador toda la responsabilidad moral y ética para decidir lo que hacer a continuación. El desarrollo es una fuerza imparable, y esta película, por encima de cualquier otra de la factoría Ghibli, nos enfrenta con sus consecuencias sin concesiones. Si vas a consentir que donde antes había un bosque ahora se construyan pistas de pádel o campos de golf, al menos ten la decencia de mirar lo que pasa con la fauna y flora que antes había allí, no te conformes con hacerte el tonto y suponer que los animales se habrán ido a otra parte. Cada vez quedan menos “otras partes”.

Algunas curiosidades

• El título original de Pompoko, ‘Heisei tanuki gassen pompoko’, significa literalmente La batalla Pompoko de la era Heisei Tanuki. Heisei es el nombre de la era actual de Japón iniciada por el emperador Akihito tras la muerte de su padre Hirohito en 1989 (de modo que ese fue el primera año de la era Heisei y ahora nos encontramos en el año 22). Curiosamente, los tanukis parecen tener también su propio sistema de calendario al margen del japonés y al principio de la película, el narrador dice “En el año 31 de la era Pompoko…”. Respecto a esta palabra, “Pompoko”, es el sonido que se supone hacen los tanuki cuando golpean sus barrigas (o testículos según la versión). En una canción infantil muy famosa llamada “Shojoji no Tanuki Bayashi” los tanuki inflan sus barrigas y las golpean cantando bajo la luna el estribillo “Pom poko poko pom pom”.
• El tanuki o perro mapache, es una especie de cánido salvaje (Nyctereutes procyonoides) de aspecto semejante al mapache que es originario de China oriental y Japón.
• Pompoko es una historia original de Takahata aunque fue Miyazaki quien tuvo la idea de hacer una película acerca de los Tanukis mientras pensaba en cuál sería el próximo proyecto que debería hacer Ghibli después de Porco. Al parecer, mientras se encontraban en mitad de un brainstorming Miyazaki empezó a decir en voz alta “Buta, buta, buta… ¡Tanuki!” (Cerdo, cerdo, cerdo… ¡mapache!).
• La zona en la que viven los tanuki es Tama Kyuryou (las colinas de Tama), una vasta zona de colinas que abarca dos prefecturas en la parte suroeste de Tokio y que fue fruto en los años 60 del mayor proyecto de desarrollo residencial de Japón abarcando las ciudades de Tama, Machida, Inagi y Hachioji. En esta misma zona es donde se desarrolla la historia de ‘Susurros del corazón’.
• La estación de tren que aparece en la película es la estación Seiseki-Sakuragaoka en la linea Keio de Tama, Tokio.
• Los avistamientos de tanuki en zonas urbanas se han vuelto más frecuentes en los últimos años por culpa de la destrucción de su hábitat natural por proyectos urbanísticos como el que se muestra en Pompoko.
• La película tiene un enorme número de referencias al folclore japonés, incluyendo la personalidad de los tanuki y su habilidad para cambiar de forma para engañar a los humanos (es frecuente encontrar estatuas de tanuki en muchísimos templos y santuarios de Japón, a menudo sujetando una botella de sake) al igual que los zorros (conocidos como kitsune) más astutos y maliciosos y también representados en multitud de santuarios (se estima que hay entre 30.000 y 40.000 estatuas de ellos en los santuarios del país).

• Las estatuas de piedra en la que se transforman los tanuki se corresponden con Jizo, la deidad protectora de los viajeros, los condenados al infierno y las almas de los muertos entre otros, muy fáciles de encontrar en los caminos.

• En Japón se cree que los tanuki pueden transformarse colocándose una hoja sobre la cabeza y que también pueden convertirlas en dinero pero en la película, Oroku puntualiza que “Eso solo lo hacen los novatos”. Curiosamente, el traje de mapache que podemos utilizar en el ‘Super Mario Bros 3’ cuando cogemos una hoja es en realidad un traje de tanuki y entre otras habilidades nos permite convertirnos en una estatua de piedra inmune a los enemigos.
• Otra característica asociada a los tanuki es su habilidad para estirar sus testículos hasta alcanzar un gran tamaño (unos ocho tatamis, lo que es una barbaridad teniendo en cuenta que el tamaño estándar de un tatami son 180×90 cm) y las mismas estatuas con botellas de sake de las que os hablaba antes también suelen destacar por sus… atributos. Los japoneses son más tolerantes que los occidentales (especialmente que los estadounidenses) en este tipo de temas y nos es de extrañar que las frecuentes alusiones a los testículos en varias conversaciones y canciones hayan sido eliminadas del doblaje inglés o español o sustituidas por sinónimos más rebuscados como criadillas.
• En la película se utilizan tres diseños diferentes para representar a los tanuki: una versión realista para cuando interactúan con los humanos que recalcar que no estamos ante una película familiar de Disney y que los problemas a los que se enfrentan los tanuki (e infinidad de otras especies) son muy reales; una versión humanizada para que los espectadores se identifiquen más con ellos; y otra simplificada basada en el estilo del mangaka Shigeru Sugiura (del que Miyazaki es admirador). Al principio, cuando decidieron hacer una película acerca de los tanukis, Miyazaki tenía en mente un manga de Sugiura titulado ’808 Tanukis’ y aunque al final las ideas de Takahata tomaron otro rumbo, decidieron conservar este diseño más propio de los dibujos infantiles para representar cuando los tanukis pierden la concentración y no son capaces de conservar por completo su forma.
• El barco con los tanukis que no pueden transformarse parte hacia Fudaraku, según un antiguo culto budista, una isla en el mar occidental en la que puedes abandonar tus temores y sufrimiento para alcanzar el Nirvana, representando así el viaje a la muerte.
• En el mándala que utilizan para enseñar a los tanuki más jóvenes aparece (además de un tanuki y un kitsune), un gato muy parecido a Moon de ‘Susurros del corazón’.

• Los espíritus de las dos jóvenes gemelas proceden del cuento de Kenji Miyazawa ‘Futago no Hoshi’ (Estrellas gemelas). Tanto Miyazaki como Takahata son dos grandes admiradores del trabajo de Miyazawa y este último llegó a dirigir la película ‘Sero Hiki no Goshu’ (Gorsch el violonchelista) en 1982 basada en otro cuento de este autor a cuya obra se hacen multitud de referencias a lo largo de Pompoko.

• En la escena en la que los tanukis se dirigen a la ciudad de los humanos para llevar a cabo su desfile de monstruos puede verse volando a Porco (‘Porco Rosso’), Kiki (‘Kiki’s Delivery Service’), Toroto (‘Mi vecino Totoro’) y Taeko (‘Recuerdos del Ayer’).
• Y hablando de esa escena, los monstruos que aparecen en la película son en su mayoría monstruos del folclore japonés llamados Yokai (¿os acordáis del libro ‘Yokai Attack!’?) y cada uno tiene su propia historia. Además, también tienen cabida en el desfile Fujin (el dios del viento) y Raijin (el dios del trueno) tal y como aparecen en la obra Fujin-Raijin-zu de Tawara Sotatsu, la obra de arte más importante de la historia de Japón; las ranas del Choju Giga, el manga más antiguo de la historia; los zorros contrayendo matrimonio del capítulo ‘Sol a través de la Lluvia’ de la película ‘Yume’ (Sueños) de Akira Kurosawa; o el tren de la novela de Kenji Miyazawa ‘Ginga Tetsudō no Yoru’ (La noche en el Tren Galáctico).
• Otro yokai sacado de una famosa historia de fantasmas japonesa son los Nopperabou, la gente sin cara que aterrorizan al pobre policía. La escena entera es basicamente idéntica a la historia original salvo por que no visten kimonos y el hombre se dirige a la estación de policía en lugar de a un puesto de Soba (fideos japoneses).
• La secuencia en la que el viejo tanuki se transforma en un samurai montado a caballo se basa en la famosa historia del samurai Nasu no Yoichi narrada en el poema ‘Heike Monogatari’ (El cantar de Heike) del siglo XIII. Al principio Takahata quería llevar esta historia al anime en lugar de la de los tanuki pero parece que Miyazaki puede ser muy persuasivo. Con sus 999 años, el viejo tanuki pudo presenciar con sus propios ojos la batalla de Yashima entre los clanes Minamoto y Taira y por eso todos le piden que les cuente lo que ocurrió.
• Buena parte de la música de Pompoko pertenece a Shang Shang Typhoon, un grupo de rock de Okinawa que utilizó muchas canciones infantiles tradicionales como “Shojoji no Tanuki Bayashi” o “Antagata Dokosa”, esta última cantada por Shoukichi y Okiyo cuando salen jugando a la pelota (como lo hacen los niños japoneses) y que trata acerca de un cazador de tanukis. Otra canción, bastante más tierna y que le encanta a los niños trata acerca de los testículos de los tanuki balanceándose en el viento. A algunas de estas canciones se las conoce como Warabe Uta, y aunque son utilizadas por los niños en sus juegos muchas veces sus letras son incomprensibles en el japonés moderno. Un ejemplo de Warabe Uta es la canción ‘Toryanse’, la melancólica melodía que suena en algunos pasos de peatones en Japón (y frecuentemente utilizada en toda clase de animes y películas).

• Pompoko fue escogida para representar a Japón como mejor película extranjera en los Oscar de la academia aunque finalmente no resultó nominada.

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Tras un pequeño descanso navideño retomamos nuestro especial sobre el Studio Ghibli con ‘Puedo escuchar el mar’ (Umi ga Kikoeru, 1993), un especial de televisión basado en la novela homónima de Himuro Saeko (por aquel entonces una de las escritoras más populares entre el público femenino), que destaca por ser la primera película del estudio dirigida por alguien al margen de Hayao Miyazaki e Isao Takahata. Esta enorme responsabilidad recayó sobre Tomomi Mochizuki, un joven director de tan solo 35 años que ya se había labrado bastante renombre por su trabajo al frente de las películas de ‘Kimagure Orange Road’ y ‘Maison Ikkoku’.

Taku Morisaki, un estudiante de una universidad de Tokio, viaja hasta su ciudad natal para celebrar una reunión de antiguos alumnos. En el avión, Morisaki empieza a recordar sus días de instituto junto a su mejor amigo, Yucata Matsuno, y la chica que lo cambió todo entre ellos, Rikako Muto. Muto, era guapa, deportista y una estudiante extraordinaria, pero no lograba adaptarse a su nueva vida en el pueblo tras mudarse desde Tokio a causa del divorcio de sus padres. Para Matsuno, un joven tímido aunque aplicado, fue amor a primera vista pero, ¿qué es lo que siente Morisaki al respecto?

“El amor y las dudas de los 17 años teñidos con la calma que da el paso del tiempo.” Con esta acertada frase se describía la película así misma en su trailer original, definiendo con exactitud el tono de una historia cuyo mayor mérito es ofrecernos una visión realista e interesante de los romances escolares sin necesidad de recurrir a ninguno de los trucos y artificios de los que habitualmente se sirve el género.

Precisamente por este motivo, la película causa reacciones opuestas en función de las propias vivencias de quien la ve; intrascendente para unos, sincera y evocadora para otros. Para mi, ‘Puedo escuchar el mar’ es una historia en la que hay mucho más de lo que se ve, una historia en la que el protagonista no es el amor, sino de las tonterías que hacemos para protegernos a nosotros mismos o a los demás.

Pese a tratarse de un proyecto con un presupuesto ajustado, hace gala de una animación limpia y atrevida que muestra un uso muy efectivo de la cámara con encuadres frescos y algún que otro efecto bastante interesante como el cambio del plano enfocado. A su cargo estaba Katsuya Kondo, director de animación y diseñador de personajes de la película, para quien la historia no era ninguna desconocida puesto que ya había ilustrado la novela original.

Aun sin estar a la altura de las obras maestras de Ghibli, ‘Puedo escuchar el mar’ ofrece un retrato sutil y hermoso de las relaciones personales, de la adolescencia y el amor que merece la atención de los aficionados al estudio. Disfrutadla sin crearos ninguna expectativa y probablemente os sorprenderá.

Algunas curiosidades

• El proyecto buscaba permitir que algunos de los miembros más jóvenes del estudio (de entre 20 y 30 años) pudiesen realizar en poco tiempo una película razonablemente barata, pero al final terminaron saltándose el presupuesto y el calendario inicial.
• Al director Tomomi Mochizuki le ofrecieron encargarse de las OVAs de ‘Here is Greenwood’ cuando aún se encontraba trabajando en el proyecto de Ghibli, y él, ni corto ni perezoso, aceptó el reto. La presión hizo mella en él y durante la producción tuvo que ser hospitalizado con anemia a causa de un úlcera duodenal. A pesar de esto, Mochizuki logró terminar su trabajo desde el hospital mientras aún se alimentaba por vía intravenosa y ambas obras obtuvieron el reconocimiento del público.
• La mayor parte de la película tiene lugar en la ciudad de Kouchi, situada en Shikoku, la más pequeña de las cuatro islas principales que componen Japón al sur del país.
• La estación en la que Taku ve a Rikako es la estación Kichijoji de la linea Chuo de Tokio, cerca de la cual se encontraba originalmente el Studio Ghibli antes de que se trasladasen en 1992 a Koganei.
• En esta misma escena en la estación puede verse un poster de ‘Porco Rosso’ pegado en una pared. Porco también aparece en la escena del festival escolar, y en un anuncio de televisión aparece la palabra “Ghibli” en clara referencia al estudio.
• Saeko Himuro escribió una secuela en 1995, su última novela hasta la fecha. ‘Umi ga Kikoeru II ~ Ai ga Aru Kara’ (Puedo escuchar el mar 2: Porque siento el amor) fue ilustrada nuevamente por Kondo y Tokuma Shoten volvió a encargarse de su publicación. Desgraciadamente, en lugar de adaptarse también al anime, tan solo llegó a materializarse en forma de un deficiente telefilme de imagen real con un pésimo guión lleno de tijeretazos para lograr que encajar la historia de los dos libros en sus dos horas de duración, un reparto de actores sin el menor talento y una Rikako que, para colmo, ni tan siquiera era realmente atractiva.
• El título de la película en español, ‘Puedo escuchar el mar’, es una traducción directa del japonés, ‘Umi ga Kikoeru’, y aunque en inglés se terminó titulando como ‘Ocean Waves’ (Las olas del mar) la cinta sigue siendo más conocida en los países angloparlantes por su traducción directa, ‘I Can Hear the Sea’. Lo curioso es que en la película, más allá de una escena en la que los protagonistas contemplan el mar, es difícil encontrar una relación directa con el oceano y parece que la idea es más bien expresar de una forma abstracta lo que se siente al descubrir el amor; como escuchar las olas del mar por primera vez.
• La película se estrenó el 5 de mayo de 1993 durante la festividad del Día de los Niños (que además es también el último día de la Golden Week), coincidiendo con la celebración del 40 aniversario de la NTV y el lanzamiento de “Nandaro”, la mascota de la cadena creada por el mismísimo Hayao Miyazaki junto a una serie de spots dirigidos también por él. La NTV tiene una conexión muy íntima con el Studio Ghibli y posee los derechos exclusivos de emisión de sus películas.

• La edición en DVD de Aurum no pasará precisamente a la historia dentro de la colección Ghibli y a diferencia de la edición original japonesa que cuenta con dos discos y un documental de 45 minutos con el equipo de producción, la española apenas si incluye un mísero tráiler. Por suerte, al menos es facil de encontrar a precio de saldo.

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El Museo Ghibli se inauguró el 1 de octubre de 2001 y se encuentra ubicado dentro del parque Inokashira Onshi de la ciudad de Mitaka, Tokio (a unos 20 minutos en tren desde la estación de Shinjuku). Diseñado por el maestro Miyazaki en persona, el edificio está plagado de pequeños detalles que lo convierten en algo tan interesante y fascinante como las exhibiciones que acoge: paredes que se curvan hasta servir como prolongación del suelo, diminutas puertas para niños (o adultos sin problemas para agacharse) que sirven de atajo para muchas estancias, coloridas vidrieras con los personajes más entrañables del estudio o fósiles que asoman entre las texturas de los ladrillos. Cada estancia tiene una personalidad propia, no es una simple división de un espacio mayor, e intenta estimular la imaginación del visitante para invitarle a explorar el museo sin un orden determinado, a su propio ritmo.

Las principales zonas en las que se divide son:

• Cine Saturno. Este pequeño pero maravilloso cine con capacidad para 80 personas es una de las principales atracciones del museo. En él se proyectan de forma cíclica (uno diferente cada mes) una serie de cortos exclusivos realizados por Hayao Miyazaki para el museo, no estando disponibles en DVD ni ningún otro formato, ni proyectándose en ningún otro lugar. Aunque todo el museo es una delicia, el cine en particular es una obra de arte donde el mero hecho de apagar las luces antes de la proyección ya es un espectáculo digno de verse. Por cierto, en la taquilla del cine podéis comprar el libreto del corto que se esté proyectando y si os interesa no lo dejéis para más tarde u os pasará como a mi, que no lo compré creyendo que lo venderían también en la tienda de la salida y no, no lo tienen.
• Exhibiciones permanentes. A lo largo de cinco habitaciones que comienzan en la planta inferior y se extienden hasta la superior se nos ofrece una introducción a los fundamentos de la animación y las herramientas que utilizan para crear sus películas. Mientras que la primera sala está repleta de ingeniosos artilugios como las panorama boxes (ilustraciones divididas en capas superpuestas para dar una sensación de tridimensionalidad), esculturas que cobran vida mediante luces estroboscópicas o una cámara de proyección construida de forma que podamos apreciar su funcionamiento, las otras nos dejan con la boca abierta al recrear “Donde nace una película”, mesas y escritorios en los que parece que alguien ha estado dibujando o coloreando apenas unos minutos atrás repletos de bocetos originales, acuarelas, libros y toda clase de maquetas. Es una de las pocas zonas del museo donde recuerdas que es una lástima no saber el japonés suficiente como para poder apreciar las notas con bromas sobre el día a día del estudio escritas de puño y letra de Miyazaki que hay pegadas aquí y allá.

• Exhibiciones extraordinárias. Cada año el museo renueva una de sus espacios para ofrecer una exhibición inédita. Actualmente (hasta el 1 de mayo de 2010) encontramos una sobre ‘Ponyo en el acantilado’ pero anteriormente han desfilado por el museo exhibiciones de ‘El Viaje de Chihiro’ (2001-2002), “Laputa y las máquinas voladoras imaginarias” (2002-2004), los trabajos del animador ruso Yuri Norstein (2003-2004), Pixar (2004-2005), ‘Heidi’ (2005-2006), Aardman Studios y ‘Wallace y Gromit’ (2006-2007), ‘Panda Kopanda’ (2007-2008) o el Petit Louvre (2008-2009), probablemente la más sosa de todas y precisamente la que tuve yo la oportunidad de ver.

• Sala del Gato-bús. Un peluche gigante réplica del gato-bús de ‘Mi Vecino Totoro’ hace las delicias de todos los niños menores de 13 años mientras algún que otro mayor suelta una lágrima por no poderse montar.
• Terraza superior. Otra parada imprescindible de la visita es la terraza exterior a la que accedemos subiendo por una escalera de caracol de hierro forjado enterrada bajo las enredaderas. Allí podemos hacernos la foto de rigor con una réplica a tamaño real (5 metros se gasta el tío) del robot de ‘El Castillo en el Cielo’, el guardián del museo. Entre la maleza, siguiendo el sendero, también encontramos el cubo de Laputa y sus misteriosos jeroglíficos.
• Tienda “Mamma Aiuto”. El remedio definitivo para terminar de gastar los yenes que llevéis en los bolsillos es esta tienda llena de artículos del estudio, algunos de ellos exclusivos del museo como camisetas o pins.

• Cafetería “Sombrero de Paja”. Y antes de salir, ¿qué tal un helado o un perrito caliente servido en una cafetería que parece sacada de ‘Kiki’s Delivery Service’?

En definitiva, una visita obligada para todos los fans de Ghibli o la animación en general que estéis planeando un viaje a Japón. Eso sí, debéis saber que las entradas para el museo no se pueden comprar directamente allí sino que hay que hacerlo utilizando las máquinas expendedoras que se encuentran en los cientos de miles de tiendas 24 horas de la cadena Lawson (atentos a las instrucciones) que hay por todo Japón o más facil aún, desde España a través de la agencia Jaltour. El precio es de 1000 yenes para los mayores de 18 años (7,7 euros, probablemente más por el cambio que harán en la agencia y la gestión). Una ganga, creedme.

Algunas curiosidades

• Miyazaki se inspiró en la arquitectura de ciudades como Génova o el pintoresco pueblo de Calcata en Italia para diseñar el museo, algo que no es de extrañar si tenemos en cuenta que estas ciudades dejaron una profunda huella en el director cuando las visitó por primera vez en busca de localizaciones para Heidi.
• Su construcción costó 5000 millones de yenes (más de 38 millones de euros al cambio actual) y se realizó en un año y medio.
• El hall central comparte muchas similitudes con el de la casa de baños termales de Yubaba (El viaje de Chihiro), incluyendo la disposición de los múltiples pisos y el puente central que lo cruza.

• El estudio lanzó en 2005 un documental de 63 minutos en DVD sobre el museo titulado ‘Miyazaki Hayao to Jiburi Bijutsukan’ (Hayao Miyazaki y el Museo Ghibli) conducido por Isao Takahata y Goro Miyazaki (por aquel entonces director del museo). Los extras incluyen un paseo guiado por el recinto, una galería fotografía de Génova y entrevistas sobre la arquitectura del museo a John Lasseter (Pixar) y Yuri Norstein (uno de los máximos exponentes de la animación rusa).

Galería de fotos

Nota: A excepción de las zonas exteriores, está completamente prohibido sacar fotografías o vídeos en el interior del museo. Aún así, y dado que me gusta vivir peligrosamente, a continuación encontraréis algunas fotos tomadas a escondidas (muchas veces sin mirar por el visor) a sabiendas de que dificilmente lograrán reflejar ni el 1% de la magia que tiene este lugar.

(Haz click en una imagen para ampliarla)

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Sitio oficial | Ghibli Museum (inglés)

Cuando pensamos que es muy improbable que vaya a ocurrir un hecho determinado, se suele decir que ocurrirá “cuando los cerdos vuelen”. Pues bien, como la palabra imposible no existe en el vocabulario de Ghibli, este rosado y rechoncho animal no sólo consiguió volar, sino también expresarse con fluidez, tener romances apasionados y una valentía a prueba de bombas. Esto y más es lo que encontramos en el protagonista de ‘Porco Rosso’, la divertidísima película estrenada en 1992.

La historia se sitúa en diversas localizaciones del mar Adriático en la década de los años 20. Porco Rosso es un experimentado piloto que trabaja como cazarrecompensas, enfrentado continuamente a una banda de barbudos piratas que, aunque le metan en más de un apuro, no tienen tan mal corazón como cabría esperar. Porco es un lobo estepario, un veterano de la Guerra Mundial con un pasado del que quiere huir a toda costa.

Las noches las pasa bebiendo en el bar del hotel Adriano, al que también acuden todos los maleantes aéreos de la región. Allí actúa Gina, una célebre cantante que está secretamente enamorada de Porco, aunque él siempre la evita por temor a que pueda perderla como a tantas otras personas. Una noche, en ese mismo lugar, se encuentra con el piloto norteamericano Donald Curtis, que ha sido contratado por los piratas del aire. El enfrentamiento entre ambos será uno de los puntos álgidos de la cinta, pero ni mucho menos el único punto de interés.

Y es que lo principal de la película, al margen de las preciosas imágenes del vuelo del hidravión de Porco y de las escenas de acción, es el retrato psicológico del protagonista. Por un lado, las cicatrices que le quedan del pasado, producidas por una escena que descubriremos ya bien adentrados en el metraje. Y por otro, las viejas sensaciones que vuelven a despertarse en él cuando conoce a Fio, una muchacha que es la nieta del dueño del taller al que lleva siempre su hidroavión. La joven se encargará de reparar la aeronave para el enfrentamiento con Curtis y supondrá una reivindicación del trabajo de las mujeres en tiempos de guerra.

Son, por tanto, varios los temas que encontramos en esta película. Para empezar, el alegato pacifista que siempre suele aparecer en las producciones de Ghibli. Sin necesidad de alcanzar la crudeza de ‘La tumba de las luciérnagas’, ‘Porco Rosso’ también nos habla de los horrores de la guerra y de los efectos que produce en las personas que participan en ella. También está el tema del amor, un amor que no llega a ser tormentoso pero sí muy complicado, ya que tanto Gina como Porco han perdido a demasiados seres queridos en los últimos años, y es posible que una nueva relación sólo consiga hacerles más daño.

Por último, está el hecho de que Porco se haya convertido en cerdo. Para muchos, es una especie de alegoría de su pesimismo frente a la humanidad, de su deseo por apartarse de ella. Unos pensamientos que van evolucionando a la par que la historia, y que desembocan en un final abierto que, a pesar de todo, apunta a una reconciliación con todo aquello de lo que llevaba huyendo durante años.

No seré más explícito para no destripar las sorpresas que nos tiene guardadas la trama. Baste decir que es una cinta cargadas de mensajes interesantes, llena de humor y con algunas de las imágenes más hermosas que han salido de las entrañas del Studio Ghibli.

Algunas curiosidades

• En un principio, la película estaba pensada para ser un mediometraje de 30-45 minutos, destinado a proyectarse en los vuelos de Japan Airlines. A medida que Miyazaki dejó volar su imaginación, la historia fue creciendo hasta alcanzar el resultado que conocemos hoy. También influyó en este cambio el hecho de que estallara la guerra civil en la antigua Yugoslavia.
• La película está inspirada en el manga ‘Zassou Note, Hikoutei Jidai’ (La era de los hidroaviones) que Miyazaki serializó en ‘Model Graphix’.
• El nombre real del protagonista, Marco Pagot, es un homenaje a los hermanos Pagot, famosos dibujantes italianos que diseñaron a Calimero y colaboraron con Miyazaki en la creación de la serie de anime de Sherlock Holmes.
• El avión de porco es un Savoia S.21, un modelo que existió en la realidad, aunque su aspecto era totalmente diferente. Para diseñarlo, Miyazaki se inspiró en una aeronave que vio de niño.
• ‘Mamma aiuto’, que así se llama la banda de los piratas, es una expresión coloquial italiana que quiere decir ‘¡Socorro, mamá!’
• La canción que canta Gina en el bar es ‘Les Temps de Cerises’ (La temporada de las cerezas), en la que se habla de la comuna de París.

• El motor del hidroavión reparado de Porco lleva escrito el nombre de Ghibli. En otra escena, cuando Porco y Fio huyen en coche de sus perseguidores, al doblar una esquina pasan al lado de la Pensione Ghibli.

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Tras un imperdonable parón retomamos con las pilas cargadas este gran especial que le estamos dedicando a Estudio Ghibli. Así que nos toca hablar de ‘Recuerdos del Ayer‘ (‘Omohide Poro Poro’, 1991), dirigida por el segundo de a bordo del estudio, Isao Takahata.

‘Recuerdos del Ayer’ está basada en el manga homónimo de Hotaru Okamoto (guión) y Yūko Tone (dibujo) y nos cuenta la historia de Taeko una oficinista que toma un breve periodo de vacaciones para ir a recoger cártamo con la familia de su hermana. Durante este viaje empezará a recordar muchos sucesos de cuando tenía once años, en 1966, con escenas cotidianas con su familia y su escuela.

Esta película rompe en cierto sentido la uniformidad de las películas del estudio. Ya que al contrario que obras anteriores, esta no tiene una presentación, nudo y desenlace al uso, sino que nos encontramos con un drama costumbrista con un leve hilo conductor de la historia. Isao Takahata plantea, con ‘Recuerdos del Ayer’ una mirada hacia la infancia con la perspectiva de la adultez. La típica mirada que nos hacemos todos según vamos creciendo, viendo como lo que antes para nosotros era un mundo cuando lo miramos de mayores nos parecen chiquillerías.

El estilo de narración ya deja absolutamente claro que Isao Takahata es el lado más “realista” de Ghibli, algo que ya comentó nuestro compañero Jaime en la reseña de ‘La tumba de las Luciérnagas‘, pero que en esta película (aunque de menor calidad que su predecesora) va a un nuevo nivel. Otros hubieran optado por haber otorgado a esta película algo más de “magia” o de “imaginación” como quisieramos llamarlo, pero Isao vuelve a demostrar que una buena historia es buena con o sin florituras.

Otra gran labor de Takahata es cómo logra hilar las escenas de la Taeko de 1966 con la de 1982 que, aunque en principio parece un poco forzado según va avanzando la cinta las transiciones se hacen de modo completamente natural y efectivo.

Creo, sin temor a equivocarme, que ‘Recuerdos del Ayer’ es una de las películas más adultas de todo el estudio. Una película que profundiza en nuestra relación con el niño interior (y pasado) pero que no cae en la sensiblonería típica de las películas con un argumento similar, todo un acierto más. Puede que no sea la película más aclamada de Takahata, ni de Ghibli, pero es una película que encandila y desde luego tiene un hueco en mi corazón.

Algunas curiosidades

• El manga en el que está basada la película era simplemente una colección de historias cortas de la vida cotidiana de Taeko y los recuerdos de su infancia, sin ningún hilo argumental. Ante esta situación Isao Takahata ideó el viaje de Taeko a Yamagata para otorgar algo de coherencia a la película.
• En la película aparece lo que sería el equivalente al corazón con los nombres para los occidentales. Se trata del Ai Ai Gasa, (Paraguas Amor Amor) donde debajo del paraguas se escribe los nombres de los presuntos enamorados.
• El programa que ve Taeko en la tele es ‘Hyokkori Hyotanjima’ un programa infantil de marionetas muy popular en Japón en los años 60.

• La letra de la canción del final (‘The Rose’) fue escrita por Isao Takahata y cantada por un popular cantante enka (estilo similar al country americano) Harumi Miyako.

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Continuamos nuestro especial con la quinta cinta del Studio Ghibli. Estamos hablando de ‘Majo no Takkyūbin’ (‘Kiki’s Delivery Service’ o, como se tradujo en España Nicky Aprendiz de Bruja). Quinta película de Hayao Miyazaki que se estrenó en Japón en julio de 1989 basada en el libro infantil homónimo escrito por Eiko Kadono e ilustrado por Akiko Hayashi.

La verdad es que con ese título en español la película espanta a cualquiera, y no ayuda mucho leer la sinopsis… pero amigos, esto es Ghibli, la factoría que hace que todo sea mágico en el anime. Kiki es una joven bruja de trece años de edad que, como es tradición, decide instalarse en otro pueblo para poder empezar a ser una bruja independiente. Kiki se instalará, con su gato Jiji en un tranquilo pueblo de la costa llamado Koriko.

La película se estructura en forma de pequeñas aventuras y vivencias que le ocurren a Kiki dentro de su servicio de entregas a domicilio y que van definiendo su paso de la infancia a la madurez. Pequeñas y sencillas aventuras con un cariz infantil que dominan una película que se desarrolla de una forma bastante natural y que mantienen al espectador atento.

Como bien decía nos encontramos con una de las películas con el tinte más infantil de la filmografía tanto del estudio como de su director, sin que esto sea necesariamente malo, ya que al fin y al cabo estamos hablando de un estudio de animación que realiza cintas para todos los públicos. En cualquier caso, lo cierto es que tras realizar historias tan potentes como ‘Totoro‘ o ‘La Tumba de las Luciernagas‘, Ghibli acometió ‘Kiki’ como una historia menor. Tanto Hayao Miyazaki como Isao Takahata andaban ocupados con los dos títulos mencionados anteriormente y mientras encontraban a alguien que pudiese dirigirla, Miyazaki comenzó ocupándose solamente de la producción de la cinta, designando la adaptación a un guionista anónimo. Sin embargo, parece que este primer borrador no le gustó lo más mínimo a Miyazaki, quien consideró que era demasiado seco y diferente de su propia visión de la película, por lo que terminó arreglándoselas para asumir la vacante de director y guionistas sin apenas descanso tras el estreno de Totoro.

‘Kiki’s Delivery Service’ es una buena película, quizás menor dentro de la filmografía de Miyazaki, pero que sin embargo mantiene ese halo tan característico de la compañía. Un dibujo genial y una animación estupenda se unen para plasmar una historia de superación, de cómo lograr adaptarse al cambio que supone separarse de los padres y encontrar nuestro propio camino.

Algunas curiosidades

• Takyuubin es una palabra creada por Yamato Unyi para referirse al nuevo servicio de entregas a domicilio de su empresa. De hecho, el logo distintivo de este servicio de Yamato Corp. era una madre gata sosteniendo a su cría con la boca y además Yamato patrocinó la cinta, a pesar de que el libro original usó esta palabra sin permiso.
• Como dijimos al inicio del artículo ‘Kiki’s Delivery Service’ está basada en el libro infantil de Kadono y Hayashi. Viendo el abrumador éxito de la película Kadono realizó la segunda parte que tituló ‘Majo no Takkyuubin sono 2: Kiki to Atarashii Mahou’ (‘Kiki y su nueva magia’), esta vez ilustrado por Takako Hirono.
• Miyazaki realizó cambios significativos para adaptar este libro al cine, lo que disgustó a su autora. De hecho fue tal la situación que estuvo a punto de congelarse la producción en plena escritura de guión. El libro básicamente era una sucesión de historias cortas de entregas que realiza Kiki. Miyazaki añadió la pérdida de poderes de Kiki y el accidente del dirigible porque sentía necesidad de realizar una historia en la que la protagonista creciera como persona.
• Koriko está inspirada en varias ciudades costeras europeas (Napolés y Lisboa entre otras) aunque la mayor parte de la ciudad está basada en Estocolmo, ciudad que Miyazaki visitó en un infructuoso viaje para conseguir los derechos de ‘Pippi Calzaslargas’ para realizar un anime.
• El cuadro de Úrsula se titula ‘El barco volando sobre el arcoiris’ y fue realizado por los alumnos de una escuela para niños con necesidades especiales. Miyazaki le dio algún retoque y agregó el retrato de Kiki.
• Hay varias referencias al Studio Ghibli en la película. Por ejemplo nos encontramos con un peluche de Totoro en la cama de Kiki. Ya en Koriko el autobús que casi atropella a Kiki tenía un cartel del Studio Ghibli y en una de las últimas escenas sale Hayao Miyazaki de extra viendo la tele junto a una multitud de gente rodeando al barrendero.

• El nombre de la pastelería, Guchokipanya, no es más que la fusión del juego Piedra (Gu), Papel (pa) y Tijeras (choki) con la palabra panya, que significa panadería.

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