A raíz de los comentarios en el análisis del primer tomo de ‘X-Men Forever’ he pensado que quizás sea buena idea adentrarnos en un concepto que tantos quebraderos de cabeza ha dado a lectores, autores y editores de las principales editoriales de cómic: la continuidad. La continuidad no es un concepto propio de los comics, sino que es común a la ficción en general: sagas de libros, películas y sobre todo series.

La continuidad es un esfuerzo por dar coherencia a los personajes, objetos y sucesos a lo largo de un dilatado periodo de tiempo. Es decir (simplificando mucho las cosas) que si en un episodio de cualquier obra un personaje se corta el pelo, en el siguiente salga con el pelo corto. Parece una tontería si hablamos de una serie o una trilogía literaria o cinematográfica, pero si hablamos de sagas más grandes, como ‘Star Trek’ o los universos Marvel o DC nos encontramos con un pilar fundamental.

De hecho es tan importante que hay gente cuyo trabajo consiste en supervisar los guiones intentando hallar errores en la continuidad o canon de la saga. Os recomiendo, por ejemplo, que escuchéis la entrevista que hicieron en Fuera de Órbita a Richard Arnold, embajador de Star Trek, donde hablan precisamente de su trabajo como “vigilante de la continuidad”.

Trasladándonos al cómic nos encontramos con que la continuidad es el medio por el cual los superhéroes han ido viviendo aventuras juntos, evolucionando y encontrándose a lo largo de su historia aunque sea a través de cameos. De hecho hubo una época en el que parecía que en Marvel tenían puesto un calendario gigante en el que estaban anotados donde estaban cada uno de los superhéroes en ese preciso momento.

Así pues era muy común (ahora ya no tanto) que si Spiderman y Daredevil se encontraban en una de las series del primero, Daredevil recuerde el encuentro (aunque sea solo nombrarlo) en su colección. No eran crossovers pero eran gestos que daban consistencia al Universo Marvel como un sitio de lo más normal en el que pasaban muchas cosas y los héroes estaban conectados entre sí. Otro ejemplo que me gusta comentar es que si en Manhattan se desataba una tormenta de nieve que forma parte de una trama de Thor, las colecciones de los héroes afincados en la gran Manzana son testigos de que está ocurriendo dicha nevada.

Retcon – Retrocontinuidad

El máximo enemigo de la continuidad es la retrocontinuidad, también conocido como retcon. El retcon consiste en la reescritura o inclusión de sucesos en la historia de un personaje o una saga que no fueron contemplados en la continuidad hasta ese momento y que pasarán a ser relevantes a partir de entonces. Vamos, que son de estas cosas que sirven para enloquecer hasta al lector más avezado.

Por ejemplo, cuando se revisa el origen de un personaje se suelen incluir nuevos elementos o cambiar algunas cosas. Pues bien, a partir del momento de la publicación de esa historia esos elementos pasan a formar parte de la continuidad del personaje siempre y cuando se considere que la historia forma parte del canon oficial.

Un ejemplo lo tenemos con las colecciones de DC de mediados de los ochenta. Tras ‘Crisis en Tierras Infinitas‘ y la unificación de los principales personajes de la editorial en un mismo universo se hacía necesario narrar de nuevo los orígenes de los principales personajes adaptándolos a la nueva DC así Frank Miller realizaría un magnífico ‘Batman: Año Uno‘ y John Byrne haría lo propio con Superman en ‘The Man of Steel‘.

Pero mientras que el retcon puede tener un propósito bueno, también es verdad que la mayoría de las veces es una justificación para que el autor o la propia editorial pueda hacer lo que le dé la gana con el personaje sin quitarle coherencia. El último ejemplo que tenemos de esto es ‘Un día Más‘ en el que Joe Quesada borraba, a través de Mefisto, varios elementos de la continuidad de Spiderman como por ejemplo, el matrimonio con Mary Jane, la muerte de Harry Osborn, la identidad pública de Peter Parker como Spiderman…

El Multiverso Marvel

Para terminar con este articulillo y ya, que he empleado la continuidad marveliana como ejemplo y ‘X-Men Forever’ como detonante, voy a hablar del universo Marvel. Marvel, al igual que DC tiene, además del universo que podríamos llamar “clásico”, un sinfin de universos paralelos en el que transcurren varias líneas y series de la editorial. Repasemos las más importantes:

• Tierra 616: El universo Marvel “clásico”, establecido en 1961 con la aparición de Los 4 Fantásticos, es en el que transcurre la continuidad “normal” y las principales series de Marvel.
• Tierra 1610: Universo Ultimate.
• Tierra 161: Tierra “Forever”, en donde transcurre ‘X-Men Forever’ y sucedáneos.
• Tierra 295: La Era de Apocalipsis. Un mundo en el que Charles Xavier fue asesinado accidentalmente por Legión antes de que Xavier fundase La Patrulla-X.
• Tierra 311: 1602. Tierra en el que la Era de los héroes ocurre en 1602 en vez de en el siglo XX.
• Tierra 555: New Universe de ‘NewUniversal’ de Warren Ellis y Salvador Larroca, el anterior New Universe (de Jim Shooter) se encuentra en Tierra 148611.
• Tierra 811: Tierra de ‘Días del Futuro y del Pasado’ (Uncanny X-Men #141)
• Tierra 928: Universo 2099, una línea de comics realizada a mediados de los 90 en el que se presentaba versiones futuras de los héroes y villanos Marvel.
• Tierra 982: Tierra de la línea casi extinta MC2. Hogar de Spider-girl (la única de esta línea en publicación) o los Cinco Fantásticos.
• Tierra 1218: Nuestra realidad.
• Tierra 2149: Marvel Zombies.
• Tierra 2301: Mangaverso, en el que existen las versiones manga de los superhéroes Marvel.
• Tierra 7207: Tierra de la línea Noir, ambientada en los años 30.
• Tierra 9602: Universo Amalgama, en el que se mezcla Marvel y DC.
• Tierra 9997: Tierra-X, en donde transcurre el universo creado por Alex Ross.

• Tierra 58163: Dinastía de M.

Y esto sin olvidarnos de otras dimensiones como la de ‘Heroes Reborn’, la Zona Negativa o el Microverso.

En Zona Fandom | Glosario DC: El Multiverso

En el mercado USA se publican cientos de comics al mes, algunos de los cuales pertenecen a series regulares, otros a series limitadas, algunos son especiales, reediciones y otros los llamados one-shots. En esta nueva entrega de nuestro Glosario USA quisiera acercaros a estos términos.

Serie Regular

Es una serie que se supone sempiterna, es decir, tiene un comienzo y no tiene una duración determinada por lo que, si nadie se encarga de terminar la historia puede durar hasta el fin de los tiempos. Estas series suelen tener una periodicidad mensual aunque las hay bimensuales, trimestrales e incluso semanales…

La longevidad que tienen estas series hace que estos títulos tengan que renovarse cada cierto tiempo cambiando de autores, situaciones y, en los comics sobre grupos, cambio de miembros en el equipo. Lo que hace que la calidad conjunta de la serie sea irregular y dispar. Ejemplos de series regulares tenemos: X-Men, Amazing Spider-man, Batman... básicamente las series de ‘los grandes’. Pero también nos encontramos series de ‘autor’ y regulares como Y, el último hombre, Fables, The Sandman...

Otra de las características que tiene la serie regular son los fill-ins, es decir, relleno. Son comics realizados por un equipo creativo que no es el que trabaja actualmente en la serie, y que se publican cuando por alguna razón el equipo creativo necesita algo de tiempo para terminar el número del mes o tienen algún tipo de descanso. Estos fill-ins suelen situarse entre arcos argumentales de la serie regular. Últimamente en algunas ‘series estrella’ la política de las distintas editoriales es esperar a que el número de turno esté preparado para su publicación, con el correspondiente retraso. Así ha ocurrido en series como las recientes All Star Superman y All Star Batman & Robin The Boy Wonder. Curiosamente All Star Superman comenzó siendo regular hasta que Grant Morrison decidió terminar la serie en el número doce.

Las series regulares se pueden dividir en varios tipos según su duración y su comportamiento editorial:

• Series Regulares continuas: Conocidas en inglés como Ongoing Series. Sería la definición más extendida de lo que es una serie regular, una serie que comienza pero que no tiene un final determinado, como por ejemplo Uncanny X-Men, Detective Comics... Dentro de este tipo están las series relanzadas, que son aquellas series regulares que por motivos estratégicos o de marketing se ven renumeradas o renombradas como por ejemplo Amazing Spider-Man, Nuevos Vengadores...

• Series Finitas: Son series en las que el autor, o la editorial, ha determinado el número de entregas pero que es demasiado grande para ser una serie limitada. Como ejemplo tenemos 52, Cuenta Atrás, 100 Balas... Es quizás el tipo que más se asemeja a la serie limitada ya que muchos consideran que si tienen un número determinado de entregas aunque sean muchas, debe ser consideradas maxiseries.

• Serie terminada: Son series en las que el autor decidió terminar la historia que estaba contando, como por ejemplo Neil Gaiman acabó Sandman en su número 75.

• Serie cancelada: Las que la editorial decide retirar del mercado, a veces el autor responsable puede escribir una historia que sirva de final a la serie, pero otras veces la serie desaparece sin más. Por ejemplo las series de Gambito y de Bishop.

Como apunte decir que a las series regulares les suele acompañar multitud de especiales, los más conocidos serían los Anuales que suelen estar escritos por el autor de la serie regular y nos presenta una historia autoconclusiva.

Serie Limitada

En contraposición a las series regulares tenemos las limitadas que son series que tienen un claro comienzo, nudo y desenlace y el número de entregas está determinado. Otra de las características que suelen tener estas obras es que suelen estar realizadas por un solo equipo creativo, aunque en algunos casos pueden variar.

Según su longitud podemos dividir la serie limitada en dos:

• Miniserie: si su longitud es menor de doce números. Entre cuatro y seis números es básicamente el tamaño estándar de las series limitadas ya que no suelen ser más grandes. Ejemplos de miniseries serían Lobezno: Honor, Civil War, Kingdom Come, V de Vendetta...

• Maxiserie: son aquellas cuya longitud es mayor de doce números, aunque algunos consideran que doce números todavía es miniserie. Ejemplos de maxiserie son Ultimates 2, Watchmen, Camelot 3000... Los hay quienes consideran 52 y Cuenta Atrás como maxiseries.

La serie limitada es el formato a través del cual las editoriales suelen publicar los crossovers y grandes eventos como Secret Invasion, Final Crisis... y también se suelen usar para realizar historias en solitario o u otras tramas que no tendrían cabida en la serie regular del personaje o grupo.

A veces, si la historia a contar es muy larga, se ha llegado a usar una fórmula consistente en un evento multiserie, consistente en lanzar varias series limitadas interconectadas entre sí. Ejemplo de ello es La Era de Apocalipsis, evento que agrupaban, si no me equivoco, siete series limitadas y unos pocos one-shots. Esta fórmula también la repitió Morrison con Los Siete Soldados de la Victoria y Marvel con los especiales de Dinastía de M. Aunque esto lo desarrollaré mejor cuando hable de los grandes crossovers y eventos.

One Shot

One Shot vendría a ser un número único. Es un cómic normalmente autoconclusivo cuyo fin es contar una historia que no tuviera cabida en otro formato, como por ejemplo Franklin Richards: Son of a Genius o Los Vengadores: La Directiva Ultrón. Historias cortas de características similares a las que ocupan las series limitadas.

Los one shots también puede servir para un propósito superior como, por ejemplo, relatar las consecuencias de un evento o servir de preludio o prólogo a esa saga (Brave New World, Dinastía de M: El Día Después…).

El Multiverso es uno de los hallazgos clásicos de los cómics de DC y, a la vez, uno de sus mayores quebraderos de cabeza. En los tebeos de la editorial, varios personajes iguales pueden coexistir en las mismas o en diferentes página. Eso significa que, sin problema, se pueden ver dos Superman, o dos Batman o dos cualquiera. Cada uno de ellos viene de un mundo distinto.

Sin duda, la idea del multiverso ha permitido historias clásicas de la editorial, como todos los cruces entre la JSA y la JLA previos a Crisis en Tierras Infinitas. Además, a media que DC iba comprando otras editoriales, los personajes de éstas se incorporaban a la continuidad de la editorial simplemente diciendo que venían de “otra tierra”.

Sin embargo, hubo un momento en que tantos personajes duplicados, tantas historias paralelas, hicieron difícil que el lector nuevo pudiese leer un cómic de DC sin perderse. Por ejemplo, ¿cómo se entendía que en unos tebeos Batman se hubiese casado e incluso hubiese muerto y en otros se pareciese al que ahora todos conocemos? Eran historias que se publicaban a la vez y que podrían haber vuelto loco a cualquiera que no fuese ya seguidor de DC.

En la editorial, en una maniobra comercial excelente que dio, además, un buen resultado en forma de tebeo, se solucionó todo reseteando su historia en Crisis en Tierras Infinitas, la saga que involucró a todo el Universo DC y que sirvió para que todos los personajes empezasen de cero. En principio, gracias a ella, desapareció el Multiverso, pero el paso de los años, y en especial Crisis Infinita y 52, lo han traído de vuelta.

Crisis Infinita fue una especie de homenaje a los 25 años de las primeras Crisis. Desde aquel reseteo, DC había cometido muchos nuevos errores y la continuidad empezaba a tener un embrollo considerable, la mayoría de las veces por culpa de los propios jefazos de la editorial, que crearon sagas y eventos anuales que no hicieron otra cosa que liar la madeja.

Con Crisis Infinita, no se empezó de cero, pero se solucionaron algunos problemas graves de determinados personajes. Y, además, se dio vida a un nuevo multiverso. A diferencia del pre-Crisis, el de ahora es limitado. Sólo existen 52 mundos, de los que ni siquiera conocemos todos, porque van apareciendo salteadamente en distintos cómics de la editorial, como por ejemplo Cuenta atrás a Crisis Final.

Éstos que vienen a continuación son algunos de los mundos más importantes del nuevo Multiverso:

• TIERRA-1: Nueva Tierra es el nombre oficial del principal mundo DC, el que surge en Crisis Infinita #6. Si estás leyendo cualquier cómic normal de DC, lo más probable es que esté ambientado en Tierra-1.

• TIERRA-2: Un mundo donde todos los héroes pertenecen a la Sociedad de la Justicia. No hay ni Superman (pues era el Kal-L que muere al final de Crisis Infinita, cuando comprueba que estaba equivocado), ni Power Girl, puesto que ella es la que vemos en series como la JSA. Aparece por primera vez en el último número de 52.

• TIERRA-3: Un mundo donde los papeles están cambiados. Es el hogar del Sindicato del Crimen de América, la versión maligna de la JLA. Los héroes aquí son gente como el Joker. Aparece brevemente en 52 y en breve lo vamos a poder ver en la edición española de Cuenta Atrás a Crisis Final.

• TIERRA-11: Todos los héroes de este mundo son como los de la tierra original, pero con los sexos cambiados. Así, Batman es Batwoman, Superman es Superwoman y Wonder Woman es Wonderman.

• TIERRA-12: La tierra del futuro de la serie de animación Batman Beyond.

• TIERRA-19: La línea Elseworld servía a DC para historias fuera de continuidad. Con la llegada del Multiverso, algunas de ellas se han incorporado a las historias oficiales, como el excelente Gotham: Luz de Gas de Brian Augustyn y Mike Mignola.

• TIERRA-22: La tierra de Kingdom Come (Mark Waid y Alex Ross).

• TIERRA-30: La Tierra de Superman: Rojo (Mark Millar y Dave Jonson).

• TIERRA-31: El mundo del Batman maduro de Frank Miller: es decir, de las historias del Retorno del Señor de la Noche y de DK2.

• TIERRA-43: La tierra de Red Rain (Doug Moench y Kelley Jones) donde Batman es un vampiro tras enfrentarse con Drácula.

• TIERRA-50: Todas las series de Wildstorm viven en este mundo.

Hay muchos más mundos, hasta completar la cifra de 52. Como veis, DC trata, con este nuevo Multiverso, de aprovechar las ventajas de tener varios mundos “oficiales”, pero sin que la cosa se le vaya de madre. Lo malo es que Cuenta Atrás es una serie tan aburrida que, de momento, no se está sabiendo aprovechar el potencial de la idea. Veremos a dónde lleva todo y cuánto tardamos en vivir un nuevo reseteo de la historia de DC.

Como vimos en la primera parte de este post, tras largos debates tanto entre los senadores como entre los editores, ese mismo año, el 26 de Octubre de 1954 se instituyó el Comics Code. Como el senado había pedido la autorregulación voluntaria de los contenidos de los comics, el Comics Code tenía por tanto carácter voluntario. Ideal de no ser por el hecho de que las principales empresas de distribución se negaban, en muchos casos, a distribuir comics sin el sello de aprobación.

Una política semejente tenían los vendedores de comics, que sólo realizaban pedidos de aquellos comics que tuvieran el sello, ya que de lo contrario podrían tener problemas, no legales, si no más bien vecinales, y es que nadie quería ser responsable de perturbar las mentes de los dulces e inocentes infantes. En este segundo artículo dedicado al Comics Code Authority voy a hablaros de los artículos del código y de las consecuencias de su implantación.

El Comics Code es un pequeño código de cuarenta y un artículos, treinta y dos con los estándares para el contenido del cómic y nueve para la publicidad, y reza así:

Estándares Generales “A”
Este apartado estaba centrado en el crimen y su representación. Siempre el crimen debería presentarse como algo no placentero y sórdido, su representación debe ser sin detalles, y las escenas que representen crímenes truculentos o con excesiva violencia están prohibidas. Los criminales no tendrán una posición que pueda incentivar su emulación, y siempre recibirán castigo. Las fuerzas del orden se presentarán de forma respetuosa y nunca de manera que provoque desconfianza hacia ellos. A parte, la palabra crimen en el título deberá ir siempre acompañada y no debe ser de un tamaño superior al resto de las palabras del título.

La representación del uso de drogas, naturalmente, estaba prohibida de forma implícita, pero en 1971 el Departamento de Salud, Educación y Bienestar de los Estados Unidos encargó a Stan Lee realizar un cómic donde se denunciase el consumo de drogas. Stan Lee escribió una saga de tres partes en los que Peter Parker descubría que Harry Osborn consumía droga. Estos comics, Amazing Spider-Man #96-98 (mayo a julio de 1971), salieron a la venta sin el sello del Comics Code, presentando un precedente. Ese mismo año se revisó el código y la asociación permitió la representación del uso y adicción de drogas siempre que se muestren como un hábito malo y vicioso. En septiembre de ese mismo año apareció la famosa historia “Speedy es un yonki” en las páginas de Green Lantern/Green Arrow #85-86, este cómic ya venía con el sello.

Estándares Generales “B”
En este apartado se prohibía el uso de las palabras horror y terror en el título de los comics, además prohibía la representación de escenas de horror, derramamiento de sangre excesivo, crímenes sangrientos o truculentos, depravación, lujuria, sadismo o masoquismo. Las historias que traten sobre el Mal deberán ser usadas sólo cuando la intención es ilustrar un ejemplo moral, y no se mostrará de forma seductora. Así pues también estaban prohibidas las historias de muertos vivientes, tortura, vampiros y vampirismo, fantasmas, canibalismo y hombres-lobo.

Es una parte menos extensa y está centrada en el cómic de terror y las manifestaciones del terror en el resto de comics. Veíamos de la noche a la mañana la desaparición de series e incluso de editoriales. EC comics, editorial especialista en comics de terror y crímenes fue la editorial ‘importante’ que más sufrió con este código, de hecho no duró ni un año desde la institución del código. Hay una curiosidad bastante chula con este apartado y es que una vez Steve Ditko dibujó la historia de una dama en la alta sociedad que bailaba con el diablo en un baile de máscaras. Pero el Diablo era de verdad, por lo tanto no pasaría el Código y tuvieron que agregarle dos pequeñas viñetas para que pudiera pasar.

En la revisión de 1971 se permitió también el uso de vampiros, fantasmas y otras figuras de terror siempre que se hiciera en el modo clásico de Drácula, Frankestein y obras del corte Edgar Allan Poe y similares. Por cierto, que hay una leyenda urbana que dice que Marv Wolfman tuvo que usar un pseudónimo por causa de su apellido, al no poder hablarse de hombres-lobo. Pero creo que esa leyenda es falsa ya que para trampear un poco el código se creó un personaje llamado Man-Wolf, que era un hombre lobo, pero sin serlo oficialmente, es decir, no era un were-wolf.

Estándares Generales “C”
Esta parte era más general y hablaba sobre el contenido de los diálogos, los cuales deben ser respetuosos y no obscenos, los desnudos quedaban prohibidos, así como la exageración de los atributos femeninos. También tocaba el tema del matrimonio, obligando a representar el divorcio como algo no deseable, y en cuanto a la sexualidad prohibiendo la representación de escenas de sexo y la representación de relaciones ilícitias y anormales.

En cuanto a la publicidad del cómic, se prohibía toda aquella que tratase sobre armas, libros sobre sexualidad, alcohol y tabaco, fuegos artificiales… en definitiva, todo lo que pudiera perturbar a los lectores de comics.

A lo largo de los años algunos artículos del código han quedado obsoletos, como por ejemplo el artículo que atañia a la homosexualidad, y el Código ha sufrido varias actualizaciones. Las editoriales han ido abandonando su sumisión al sello y en la actualidad sólo dos editoriales grandes siguen usando el código, Archie Comics y DC, aunque esta última sólo en algunos títulos de la línea DC Universe.

Imagen | Dial B For Blog
Más Información | Texto (inglés) del Comics Code de 1954
En Zona Fandom | Glosario USA: El Comics Code (I)

Hay muchas cosas que hacen de la industria del cómic estadounidense una industria única, entre las múltiples curiosidades y leyendas, su sistema de distribución y de edición… muchos elementos que enriquecen a una de las mayores industrias del cómic mundial. Hoy voy a hablaros de uno de esos elementos que desgraciadamente marcaron al cómic USA: El Comics Code.

Hasta hace bien poco el 95% de los comics americanos llevaban en su portada el sello que podéis observar aquí a la derecha. Este sello representaba que el cómic en cuestión pasaba los estándares establecidos por la Autoridad del Código de los Comics (CCA). Una serie de códigos sobre el contenido de los comics que determinaban si dichos comics eran apropiados o no para el público general, desarrollados por la Asociación de Comics Magazines de América. Si me acompañais me gustaría hablaros del origen de este polémico órgano regulador.

El cómic, desde su origen, representaba multitud de historias. Desde los más inocentes cuentos hasta thrillers y comics con cierto grado de erotismo, todo tipo de historias desde todo tipo de enfoques y para todo tipo de público. Tal característica fue vista con malos ojos por parte de una nación que estaba en plena caza de brujas, y que se veía en la necesidad de preservar la educación y la moral “americanista”.

El responsable de dar el pistoletazo de salida para este polémico código fue el Dr. Fredric Wertham, un psiquiatra especializado en analizar y atacar el posible efecto de los medios de comunicación en el desarrollo de la infancia. En 1954 publicó su obra más polémica: La Seducción del Inocente, en la que analizaba el efecto del comic book en los jóvenes.

En ese libro Wertham citaba representaciones patentes o disimuladas de actos de violencia, sexualidad, uso de drogas y otras “prácticas adultas” en los comics de crímenes, término que Wertham generalizaba englobando en él tanto los comics de crímenes como los de superhéroes y de terror, y exponía ejemplos, sin documentación alguna, de cómo la lectura de este material animaba a los niños a desarrollar un comportamiento similar.

Tocó temas como la subliminalidad del cómic, que representaba desnudos femeninos camuflados en árboles, o la homosexualidad de varios héroes, los más famosos, Batman y Robin y afirmaba la tesis de que Wonder Woman, al ser fuerte e independiente, era lesbiana. Denunciaba el hecho de que en muchos de estos magazines apareciera publicidad de rifles de aire comprimido y navajas multiusos.

Este libro caló hondo en la opinión pública, llegando a manos del Subcomité de Delincuencia Juvenil del Senado de los EEUU liderado por Estes Kaufaver. El subcomité realizó una investigación en la que acudió como testigo el editor de EC Comics, William Gaines. EC Comics era la editorial que publicaba títulos como Crime SuspenStories, The Vault of Horror y Tales From the Crypt, blancos de las críticas vertidas en el polémico libro.

Aunque el senado determinó que los comics no constituían causa de la criminalidad juvenil, sí que recomendó que la industria del cómic reduciera el tono de su contenido. Ante esta petición del senado los propios editores de cómic, reunidos bajo la Asociación de Comics Magazines de America, desarrollaron el Comics Code Authority, en el que se prohibía la aparición de material erótico, excesiva violencia, Drácula, Hombres Lobo y otros monstruos, además de la prohibición de la aparición de las palabras horror, terror y crimen en el título. Destacar que tales medidas no contentaron a Wertham, considerándolas como una solución parcial al problema.

Como ya he dicho antes, en los años 50, Estados Unidos estaba experimentando un proceso de patriotismo extremo y la preservación de la moral y la persecución a los comunistas eran los pilares de la política americana en los momentos más tensos de la Guerra Fría, cuando el botón de la bomba podía pulsarse en cualquier momento. Este contexto sociopolítico hace entender por qué se llevó adelante la instauración de un código que no hacía más que censurar la creatividad de los guionistas y dibujantes de cómic.

Y ese es el origen del sello que ha estado presente en la mayoría de los comics de USA hasta comienzos de este siglo. Cuando en 2001 Marvel se desligó del código en favor de su propio sistema de clasificación por edades. DC Comics todavía publica bajo el Comics Code los títulos del Universo DC, aunque no en todos (52, las Crisis y otros comics se publican sin el sello). En la próxima entrega hablaré de las normas y entresijos de este código.

La industria del cómic es inmensa, de eso no hay duda. La mayor ventaja de este arte secuencial es que es muy visual y versátil, se adapta a cualquier género e incluso reinventa conceptos como la mitología griega o vikinga trasladándolos a la época moderna, o el concepto de héroe, que se le añade la característica de los poderes sobrehumanos.

Cada país, cada industria del cómic más bien, tiene su propio estilo para editar estas historias. Así, mientras en Japón editan cada semana cientos de revistas enormes (unas 300 paginas) agrupando varias series las cuales, si tienen la suficiente popularidad las reeditan en tankobon (tomos pequeños de 190 páginas), y en Europa el formato por antonomasía es el álbum de entre 48 y 72 páginas, en EEUU el formato rey es el comic book.

El comic book, o simplemente cómic, es como se llama a la revista o folleto que contiene una o varias historietas, normalmente agrupadas bajo una misma temática. Hasta ahí la definición de comic book. Simple y concisa.

El origen del comic book data del s. XIX, cuando en la Inglaterra victoriana se empezó a publicar revistas con historias por entregas. A estas publicaciones se les llamaban story papers. Vale, en ese momento no existía el cómic, pero es un antecedente de las historias que se desarrollan en los comics.

A principios de s.XX se creó el concepto de cómic, esto es, secuencia de ilustraciones que tienen como objetivo narrar una historia. Pero hasta la década de los 30, con la eclosión de los magazines pulp, no se empezó a publicar comic books. En concreto el primer comic book es australiano, The Kookaburra de 1931.

En estos primeros años, la edad de oro del cómic, se publicaban magazines publicando varias historietas, así, en EEUU surgieron revistas como Detective Comics (1935), Action Comics (1938)... que por primera vez reunían historias inéditas en vez de recopilaciones de las tiras cómicas de los periódicos.

El formato adquirió popularidad, nada extraño ya que es un formato parecido al del resto de revistas. En 1975 se estableció el formato unificado del comic book, 17x26 cm, que es el tamaño que tiene hasta el día de hoy y que en España se adoptó a principios de los 90. En la actualidad en EEUU el número de páginas ‘normal’ es de 32 que incuyen 22 de historieta y 10 de publicidad, correo e información editorial.