Si el discurso ecologista es el mayor denominador común de la obra de Hayao Miyazaki, la crítica social es el de Isao Takahata y con ‘Mis vecinos los Yamada’ (Hohokekyo Tonari no Yamada-kun, 1999) el director vuelve a abordar su visión de la sociedad japonesa distanciándose esta vez del estilo realista de sus obras clave para optar por sencillas acuarelas en movimiento que centran toda la atención en el fondo en lugar de la forma.

Basada en las tiras cómicas de Hisachi Ishii, la película sigue una estructura dividida en pequeñas historias que enfatizan su origen y en las que conocemos el día a día de la típica familia japonesa de clase media. Los Yamada, integrados por Takashi y Matsuko (el padre y la madre), Noboru y Nonoko (el hijo y la hija), Shige (la abuela) y Pochi (el perro de la familia), son el medio para tratar cuestiones como las relaciones entre padres e hijos, esposos, suegros, sus frutraciones y anhelos, pero sobre todo, el amor y el cariño por encima de los defectos y dificultades.

A medio camino entre Shin Chan y Mafalda, los Yamada ofrecen un retrato muy creíble del entorno familiar que traspasa las fronteras culturales. Desgraciadamente, sin un hilo que enlace las diferentes historias, la película avanza dando tumbos entre lo divertido y lo aburrido, lo entrañable y lo intrascendente, fallando a la hora de mantener el interés del espectador y dejando un sabor de boca bastante irregular. Solo recomendable para los fans más a acérrimos de Takahata o aquellos que no quieran dejar un hueco en la filmografía del estudio (como es mi caso).

Algunas curiosidades

• Además de Ghibli, también participaron económicamente en la producción de la película la editorial Tokuma Shoten, la cadena Nippon Television, la agencia de publicidad Hakuhodo (la segunda más grande del país, superada solo por Dentsu) y Buena Vista Home Entertainment (Disney), quien aportó un 10% del coste de producción a cambio de los derechos de distribución internacional.
• La película se basa en la serie de tiras cómicas yonkoma (manga en 4 viñetas) de Hisaichi Ishii que se publicaron entre 1991 y 1997 en Asahi Shinbun, uno de los periódicos más importantes de Japón. Su título original era ‘Tonari no Yamada-kun’ (Mis vecinos los Yamada) pero después de que Nonoko se convirtiese en el personaje preferido por los lectores e Ishii empezase a contar más historias desde su punto de vista terminó cambiando el nombre de la serie a ‘Nono-chan’.
• ‘Mis vecinos los Yamada’ fue la primera (y hasta el momento única) película de Ghibli realizada enteramente con ordenador. Cada uno de los fotogramas de la película se dibujaron directamente en el ordenador utilizando tabletas gráficas, buscando un estilo que imitase fielmente a las acuarelas. Además, también se utilizaron gráficos 3D en algunas escenas, como la del trineo y la tarta de boda, pero están tan bien integradas con el resto de la animación que es difícil darse cuenta.
• El título original de la película, ‘Hohokekyo Tonari no Yamada-kun’, difiere del original para mantener una especie de broma interna o mania de Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Si os fijáis, todas las películas de Miyazaki tiene siempre “no” en sus títulos (‘Tonari no Totoro’, ‘Gake no ue no Ponyo’, ‘Mononoke Hime’...) mientras que las de Takahata tienen “ho” (en hiragana, “ho” y “po” se escriben igual, “ほ”, solo diferenciadas por el dakuten, un signo diacrítico utilizado para indicar que la consonante de una sílaba se pronuncia sonora)... ‘Hotaru no Haka’, ‘Omohide Poroporo’, ‘Heisei Tanuki Gassen Pompoko’. Así que querían incluir un “ho” en el título de alguna forma y a alguien se le ocurrió la palabra “Houhokekyo”, el sonido que hace el uguisu (ruiseñor japonés). Por cierto, en los títulos de crédito del principio aparece un uguisu.

• La historia no se desarrolla en ninguna ciudad en particular sino que pretende reflejar la vida de cualquier gran urbe japonesa. Matsuko y Shige hablan con un acento de Kansai similar al de Osaka pero el resto de personajes utilizan un acento “estándar”.

• Como de costumbre en las películas de Takahata existen un buen número de referencias al arte y folclore japonés, incluyendo La gran ola de Kanagawa, los nacimientos de Noboru y Nonoko representados del mismo modo que los protagonistas de dos de los cuentos más famosos de la cultura japonesa (Momotaro, nacido del interior de un melocotón gigante y la Princesa Kaguya de un bambú) o los diferentes haikus que dividen la película, obra de poetas como Matsuo Basho o Taneda Santoka.
• El superhéroe enmascarado es una referencia a ‘Gekko Kamen’ (conocida en España como ‘Centella’), la primera serie de televisión del género tokusatsu en 1958.
• La película fue un fracaso en taquilla. Su estreno en Japón se produjo el 17 de julio de 1999 coincidiendo en cartel con la segunda película de ‘Pokemon’ y ‘Star Wars: Episodio 1 – La amenaza fantasma’, algo que desde luego no benefició a un título que se había saltado su presupuesto inicial hasta llegar a los 2.000 millones de yenes (coste estimado, no hay datos oficiales, y sí, a mi también me cuesta creer que costase más que Chihiro).

• ‘Taketori Monogatari’, la nueva película de Takahata prevista para este mismo año, llegará once años después de ‘Mis vecinos los Yamada’, más de una década en la que el director tan solo ha trabajado en un segmento de un minuto de duración para la película ‘Fuyu no hi’ (Winter Days, 2003), un proyecto bastante experimental de 36 piezas, cada una realizada por un animador diferente de todo el mundo. Curiosamente, el nuevo proyecto del director es precisamente una adaptación del ya mencionado cuento de la Princesa Kaguya.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

Tras ‘La tumba de las luciérnagas’ y ‘Recuerdos del ayer’, Isao Takahata se puso manos a la obra con su tercera película del Studio Ghibli, Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Pompoko, 1994), una comprometida y ecologista fábula sobre los problemas del desarrollo urbanístico descontrolado y la destrucción de los hábitats naturales.

En Pompoko, los tanuki (una especie de mapaches originaria de Asia) ven como el bosque en el que viven empieza a ser destruido por un proyecto de construcción del gobierno japonés a las afueras de Tokio. Ante esta amenaza común y conscientes de los problemas que puede acarrearles, las diferentes tribus de tanuki empiezan a unirse para trazar un plan con el que frenar el avance de los humanos gracias a su legendaria habilidad para cambiar de forma.

Pese a lo que pueda parecer, Pompoko no es una película para niños y siguiendo la tónica general de todas las producciones de Takahata, ofrece un relato adulto que aunque recurre frecuentemente al humor y la fantasía, se encarga de recordarnos constantemente lo serios y reales que son los temas que abarca. Con un estilo sobrio que en ocasiones podría definirse casi documental, Takahata nos pone en la piel de los tanuki para que sintamos en nuestras propias carnes lo que está en juego cuando se habla no solo de la coexistencia con el medio ambiente, sino también del respeto por las tradiciones y la empatía con los demás, sean o no de nuestra misma especie.

Ambientada en un entorno cargado hasta el delirio de referencias a la mitología y el folclore japonés, Pompoko es quizás una de las películas menos accesibles del estudio para el público occidental, y todos los mapaches del mundo no son capaces de esconder el hecho de que sus 114 minutos de duración adolecen de serios problemas de ritmo que van y vienen de forma intermitente.

Por lo demás, hay que reconocer como virtud el que Takahata se atreva a lanzar un mensaje de esperanza a través de un final desolador que no cae en la complacencia y deja en el espectador toda la responsabilidad moral y ética para decidir lo que hacer a continuación. El desarrollo es una fuerza imparable, y esta película, por encima de cualquier otra de la factoría Ghibli, nos enfrenta con sus consecuencias sin concesiones. Si vas a consentir que donde antes había un bosque ahora se construyan pistas de pádel o campos de golf, al menos ten la decencia de mirar lo que pasa con la fauna y flora que antes había allí, no te conformes con hacerte el tonto y suponer que los animales se habrán ido a otra parte. Cada vez quedan menos “otras partes”.

Algunas curiosidades

• El título original de Pompoko, ‘Heisei tanuki gassen pompoko’, significa literalmente La batalla Pompoko de la era Heisei Tanuki. Heisei es el nombre de la era actual de Japón iniciada por el emperador Akihito tras la muerte de su padre Hirohito en 1989 (de modo que ese fue el primera año de la era Heisei y ahora nos encontramos en el año 22). Curiosamente, los tanukis parecen tener también su propio sistema de calendario al margen del japonés y al principio de la película, el narrador dice “En el año 31 de la era Pompoko…”. Respecto a esta palabra, “Pompoko”, es el sonido que se supone hacen los tanuki cuando golpean sus barrigas (o testículos según la versión). En una canción infantil muy famosa llamada “Shojoji no Tanuki Bayashi” los tanuki inflan sus barrigas y las golpean cantando bajo la luna el estribillo “Pom poko poko pom pom”.
• El tanuki o perro mapache, es una especie de cánido salvaje (Nyctereutes procyonoides) de aspecto semejante al mapache que es originario de China oriental y Japón.
• Pompoko es una historia original de Takahata aunque fue Miyazaki quien tuvo la idea de hacer una película acerca de los Tanukis mientras pensaba en cuál sería el próximo proyecto que debería hacer Ghibli después de Porco. Al parecer, mientras se encontraban en mitad de un brainstorming Miyazaki empezó a decir en voz alta “Buta, buta, buta… ¡Tanuki!” (Cerdo, cerdo, cerdo… ¡mapache!).
• La zona en la que viven los tanuki es Tama Kyuryou (las colinas de Tama), una vasta zona de colinas que abarca dos prefecturas en la parte suroeste de Tokio y que fue fruto en los años 60 del mayor proyecto de desarrollo residencial de Japón abarcando las ciudades de Tama, Machida, Inagi y Hachioji. En esta misma zona es donde se desarrolla la historia de ‘Susurros del corazón’.
• La estación de tren que aparece en la película es la estación Seiseki-Sakuragaoka en la linea Keio de Tama, Tokio.
• Los avistamientos de tanuki en zonas urbanas se han vuelto más frecuentes en los últimos años por culpa de la destrucción de su hábitat natural por proyectos urbanísticos como el que se muestra en Pompoko.
• La película tiene un enorme número de referencias al folclore japonés, incluyendo la personalidad de los tanuki y su habilidad para cambiar de forma para engañar a los humanos (es frecuente encontrar estatuas de tanuki en muchísimos templos y santuarios de Japón, a menudo sujetando una botella de sake) al igual que los zorros (conocidos como kitsune) más astutos y maliciosos y también representados en multitud de santuarios (se estima que hay entre 30.000 y 40.000 estatuas de ellos en los santuarios del país).

• Las estatuas de piedra en la que se transforman los tanuki se corresponden con Jizo, la deidad protectora de los viajeros, los condenados al infierno y las almas de los muertos entre otros, muy fáciles de encontrar en los caminos.

• En Japón se cree que los tanuki pueden transformarse colocándose una hoja sobre la cabeza y que también pueden convertirlas en dinero pero en la película, Oroku puntualiza que “Eso solo lo hacen los novatos”. Curiosamente, el traje de mapache que podemos utilizar en el ‘Super Mario Bros 3’ cuando cogemos una hoja es en realidad un traje de tanuki y entre otras habilidades nos permite convertirnos en una estatua de piedra inmune a los enemigos.
• Otra característica asociada a los tanuki es su habilidad para estirar sus testículos hasta alcanzar un gran tamaño (unos ocho tatamis, lo que es una barbaridad teniendo en cuenta que el tamaño estándar de un tatami son 180×90 cm) y las mismas estatuas con botellas de sake de las que os hablaba antes también suelen destacar por sus… atributos. Los japoneses son más tolerantes que los occidentales (especialmente que los estadounidenses) en este tipo de temas y nos es de extrañar que las frecuentes alusiones a los testículos en varias conversaciones y canciones hayan sido eliminadas del doblaje inglés o español o sustituidas por sinónimos más rebuscados como criadillas.
• En la película se utilizan tres diseños diferentes para representar a los tanuki: una versión realista para cuando interactúan con los humanos que recalcar que no estamos ante una película familiar de Disney y que los problemas a los que se enfrentan los tanuki (e infinidad de otras especies) son muy reales; una versión humanizada para que los espectadores se identifiquen más con ellos; y otra simplificada basada en el estilo del mangaka Shigeru Sugiura (del que Miyazaki es admirador). Al principio, cuando decidieron hacer una película acerca de los tanukis, Miyazaki tenía en mente un manga de Sugiura titulado ’808 Tanukis’ y aunque al final las ideas de Takahata tomaron otro rumbo, decidieron conservar este diseño más propio de los dibujos infantiles para representar cuando los tanukis pierden la concentración y no son capaces de conservar por completo su forma.
• El barco con los tanukis que no pueden transformarse parte hacia Fudaraku, según un antiguo culto budista, una isla en el mar occidental en la que puedes abandonar tus temores y sufrimiento para alcanzar el Nirvana, representando así el viaje a la muerte.
• En el mándala que utilizan para enseñar a los tanuki más jóvenes aparece (además de un tanuki y un kitsune), un gato muy parecido a Moon de ‘Susurros del corazón’.

• Los espíritus de las dos jóvenes gemelas proceden del cuento de Kenji Miyazawa ‘Futago no Hoshi’ (Estrellas gemelas). Tanto Miyazaki como Takahata son dos grandes admiradores del trabajo de Miyazawa y este último llegó a dirigir la película ‘Sero Hiki no Goshu’ (Gorsch el violonchelista) en 1982 basada en otro cuento de este autor a cuya obra se hacen multitud de referencias a lo largo de Pompoko.

• En la escena en la que los tanukis se dirigen a la ciudad de los humanos para llevar a cabo su desfile de monstruos puede verse volando a Porco (‘Porco Rosso’), Kiki (‘Kiki’s Delivery Service’), Toroto (‘Mi vecino Totoro’) y Taeko (‘Recuerdos del Ayer’).
• Y hablando de esa escena, los monstruos que aparecen en la película son en su mayoría monstruos del folclore japonés llamados Yokai (¿os acordáis del libro ‘Yokai Attack!’?) y cada uno tiene su propia historia. Además, también tienen cabida en el desfile Fujin (el dios del viento) y Raijin (el dios del trueno) tal y como aparecen en la obra Fujin-Raijin-zu de Tawara Sotatsu, la obra de arte más importante de la historia de Japón; las ranas del Choju Giga, el manga más antiguo de la historia; los zorros contrayendo matrimonio del capítulo ‘Sol a través de la Lluvia’ de la película ‘Yume’ (Sueños) de Akira Kurosawa; o el tren de la novela de Kenji Miyazawa ‘Ginga Tetsudō no Yoru’ (La noche en el Tren Galáctico).
• Otro yokai sacado de una famosa historia de fantasmas japonesa son los Nopperabou, la gente sin cara que aterrorizan al pobre policía. La escena entera es basicamente idéntica a la historia original salvo por que no visten kimonos y el hombre se dirige a la estación de policía en lugar de a un puesto de Soba (fideos japoneses).
• La secuencia en la que el viejo tanuki se transforma en un samurai montado a caballo se basa en la famosa historia del samurai Nasu no Yoichi narrada en el poema ‘Heike Monogatari’ (El cantar de Heike) del siglo XIII. Al principio Takahata quería llevar esta historia al anime en lugar de la de los tanuki pero parece que Miyazaki puede ser muy persuasivo. Con sus 999 años, el viejo tanuki pudo presenciar con sus propios ojos la batalla de Yashima entre los clanes Minamoto y Taira y por eso todos le piden que les cuente lo que ocurrió.
• Buena parte de la música de Pompoko pertenece a Shang Shang Typhoon, un grupo de rock de Okinawa que utilizó muchas canciones infantiles tradicionales como “Shojoji no Tanuki Bayashi” o “Antagata Dokosa”, esta última cantada por Shoukichi y Okiyo cuando salen jugando a la pelota (como lo hacen los niños japoneses) y que trata acerca de un cazador de tanukis. Otra canción, bastante más tierna y que le encanta a los niños trata acerca de los testículos de los tanuki balanceándose en el viento. A algunas de estas canciones se las conoce como Warabe Uta, y aunque son utilizadas por los niños en sus juegos muchas veces sus letras son incomprensibles en el japonés moderno. Un ejemplo de Warabe Uta es la canción ‘Toryanse’, la melancólica melodía que suena en algunos pasos de peatones en Japón (y frecuentemente utilizada en toda clase de animes y películas).

• Pompoko fue escogida para representar a Japón como mejor película extranjera en los Oscar de la academia aunque finalmente no resultó nominada.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

Tras un imperdonable parón retomamos con las pilas cargadas este gran especial que le estamos dedicando a Estudio Ghibli. Así que nos toca hablar de ‘Recuerdos del Ayer‘ (‘Omohide Poro Poro’, 1991), dirigida por el segundo de a bordo del estudio, Isao Takahata.

‘Recuerdos del Ayer’ está basada en el manga homónimo de Hotaru Okamoto (guión) y Yūko Tone (dibujo) y nos cuenta la historia de Taeko una oficinista que toma un breve periodo de vacaciones para ir a recoger cártamo con la familia de su hermana. Durante este viaje empezará a recordar muchos sucesos de cuando tenía once años, en 1966, con escenas cotidianas con su familia y su escuela.

Esta película rompe en cierto sentido la uniformidad de las películas del estudio. Ya que al contrario que obras anteriores, esta no tiene una presentación, nudo y desenlace al uso, sino que nos encontramos con un drama costumbrista con un leve hilo conductor de la historia. Isao Takahata plantea, con ‘Recuerdos del Ayer’ una mirada hacia la infancia con la perspectiva de la adultez. La típica mirada que nos hacemos todos según vamos creciendo, viendo como lo que antes para nosotros era un mundo cuando lo miramos de mayores nos parecen chiquillerías.

El estilo de narración ya deja absolutamente claro que Isao Takahata es el lado más “realista” de Ghibli, algo que ya comentó nuestro compañero Jaime en la reseña de ‘La tumba de las Luciérnagas‘, pero que en esta película (aunque de menor calidad que su predecesora) va a un nuevo nivel. Otros hubieran optado por haber otorgado a esta película algo más de “magia” o de “imaginación” como quisieramos llamarlo, pero Isao vuelve a demostrar que una buena historia es buena con o sin florituras.

Otra gran labor de Takahata es cómo logra hilar las escenas de la Taeko de 1966 con la de 1982 que, aunque en principio parece un poco forzado según va avanzando la cinta las transiciones se hacen de modo completamente natural y efectivo.

Creo, sin temor a equivocarme, que ‘Recuerdos del Ayer’ es una de las películas más adultas de todo el estudio. Una película que profundiza en nuestra relación con el niño interior (y pasado) pero que no cae en la sensiblonería típica de las películas con un argumento similar, todo un acierto más. Puede que no sea la película más aclamada de Takahata, ni de Ghibli, pero es una película que encandila y desde luego tiene un hueco en mi corazón.

Algunas curiosidades

• El manga en el que está basada la película era simplemente una colección de historias cortas de la vida cotidiana de Taeko y los recuerdos de su infancia, sin ningún hilo argumental. Ante esta situación Isao Takahata ideó el viaje de Taeko a Yamagata para otorgar algo de coherencia a la película.
• En la película aparece lo que sería el equivalente al corazón con los nombres para los occidentales. Se trata del Ai Ai Gasa, (Paraguas Amor Amor) donde debajo del paraguas se escribe los nombres de los presuntos enamorados.
• El programa que ve Taeko en la tele es ‘Hyokkori Hyotanjima’ un programa infantil de marionetas muy popular en Japón en los años 60.

• La letra de la canción del final (‘The Rose’) fue escrita por Isao Takahata y cantada por un popular cantante enka (estilo similar al country americano) Harumi Miyako.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

Uno de los rasgos más característicos de las películas del Studio Ghibli es su capacidad para dejar al espectador con la boca abierta por el torrente de imaginación que despliegan, plasmado en multitud de mundos, personajes y artefactos fantásticos. Con Hotaru no Haka (La tumba de las luciérnagas, 1988) volvieron a conseguir crear ese efecto en el público, pero enfrentándolo esta vez a la pura y cruda realidad.

La película nos transporta a la ciudad de Kobe durante el verano de 1945. Tras seis largos años de conflicto, los ciudadanos de los países implicados en la 2ª Guerra Mundial se encontraban ya al borde de la más absoluta miseria. Los que marcharon al frente, murieron o enfermaron irremediablemente. Y los que se quedaron, sufrían la escasez de comida y medicamentos, así como la soledad propia de quienes han perdido a su familia y sus raíces. Alemania se rindió en mayo de ese mismo año, pero la guerra continuó en Asia unos meses más, y precisamente son esos últimos coletazos los que presenciamos durante el metraje de la cinta.

Seita es un joven de 14 años que vive en Kobe junto a su hermana pequeña (Setsuko, la otra protagonista de la historia) y su madre. Cuando ésta muere a causa de los bombardeos americanos, en una de las escenas más duras de la película, los dos hermanos quedan al cuidado de sus tíos. En una situación de guerra, el ser humano puede sacar lo mejor o lo peor que lleva dentro, y desgraciadamente para los niños, sus familiares optarán por la segunda opción.

De la indiferencia inicial de su tía, que no deja de reprochar a Seita que no haga nada por sacar adelante a su país, no tardamos en llegar al desprecio más absoluto. La comida escasea y la mujer no ve a sus sobrinos más que como una molestia. Así que Seita se dará cuenta de que, si quiere salir adelante junto a su hermana, sólo puede confiar en sí mismo, en su valor y en su ingenio. De esta forma, ambos se marchan a vivir a un pequeño refugio en el campo, en donde asistimos a las escenas más emotivas de su relación. Las peripecias de Seita para conseguir alimentos y medicinas darán sus frutos en muchas ocasiones, pero también le llevarán a enfrentarse con los que antaño fueran sus vecinos. Aquí es donde encontramos el principal mensaje de la película: la falta de solidaridad entre la gente, y la crítica a los férreos valores tradicionales que anteponen el bien del país al del propio individuo.

De esta manera, la película avanza siempre en torno a Seita y Setsuko, tanto en los momentos más trágicos como en aquellos en los que disfrutan en la playa o jugando; es decir, volviendo a ser los niños que la guerra no les dejaba ser. Muchos de estos juegos giran en torno a las luciérnagas, esos peculiares insectos que consiguen volver a despertarles una sonrisa, e iluminar las oscuras y desoladoras noches que pasan en el refugio. En estos pasajes el ritmo de la acción se ralentiza, pero sin detenerse por completo y sin dejar que nos aburramos. Al contrario, agradecemos estos momentos amables dentro del terrible drama que están viviendo.

El pesimismo con que se refleja la naturaleza humana, las escenas durante y después de los bombardeos, y su triste desenlace, nos dejan con el corazón encogido, una sensación de la que no logra librarnos la aparición de los títulos de crédito. ‘La tumba de las luciérnagas’ nos muestra sin tapujos el drama humano de las guerras, y si realmente nos impacta es porque no recurre a los efectismos épicos ni a la sensiblería fácil. Después de verla, lo único que quizá pueda darnos un poco de consuelo sea volver a visionar los primeros minutos de la cinta, que arranca justo donde nos deja el final.

‘La tumba de las luciérnagas’ fue dirigida por Isao Takahata, cofundador del Studio Ghibli que cuenta en su curriculum con la dirección de las míticas series de Heidi y Marco. Mientras que Miyazaki apostaba por la magia y la fantasía en sus producciones, Takahata prefería quedarse con el mundo real, y salpicarlo apenas con algunas pinceladas de imaginación. Posteriormente añadió otras grandes películas a la filmografía del estudio, como ‘Recuerdos del ayer’ y ‘Mis vecinos los Yamada’, en las que mantuvo su premisa de retratar con fidelidad el mundo en el que vivimos.

Algunas curiosidades

• ‘La tumba de las luciérnagas’ está basada en una novela autobiográfica de Akiyuki Nosaka, titulada ‘Hotaru No Haka’. Takahata siguió al pie de la letra los sucesos narrados en el libro, y lo único que añadió fue la presencia de los fantasmas de los niños al principio de la historia.
• Aunque Seita esté basado en la figura de este escritor, él mismo ha confesado que por desgracia no tuvo tanto valor y determinación como muestra el personaje en la obra. Incluso llegó a considerar en alguna ocasión a su hermana como un lastre para su supervivencia. Sin embargo, quiso que el protagonista de su novela tuviera ese tinte heroico que desgraciadamente no siempre encontramos en la vida real.
• ‘La tumba de las luciérnagas’ se estrenó en Japón en una sesión doble junto a ‘Mi vecino Totoro’. La razón es que los productores no estaban muy seguros del éxito comercial de Totoro, y si bien la película de Takahata tampoco era una apuesta demasiado segura, el éxito de la novela original y su carácter didáctico para los más jóvenes, les hicieron apostar definitivamente por ella. El tiempo terminó por darles la razón en ambas producciones.
• La banda sonora corrió a cargo de Michio Mamiya, que además de algunas puntuales incursiones en el cine, destaca como compositor de música barroca y músico-pedagogo.
• El estreno de la película en Corea se pospuso indefinidamente debido a la preocupación de la que la película justificase de algún modo el papel de Japón en la Segunda Guerra Mundial.
• ‘La tumba de las luciérnagas’ fue llevada al cine con actores reales en dos ocasiones. La primera en 2005, en un telefilme dirigido por Toya Sato; y la segunda en 2008 con la dirección de Taro Hyugaji y protagonizada por Reo Yoshitake y Rina Hatakeyama.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

Nos lo habíais pedido cientos de veces y ahora que Aurum va a editar en España nueve de las obras maestras del Studio Ghibli sencillamente nos hemos quedado sin excusas. Así pues, tenemos el placer de presentaros nuestro especial sobre el que probablemente sea mejor estudio de animación del mundo (con permiso de Pixar, que lo suyo es el 3D).

A lo largo del especial no solo hablaremos de todas las películas del estudio sino que también repasaremos la carrera de genios de la talla de Hayao Miyazaki o Isao Takahata. Además, prestaremos una especial atención a todo lo que huele a Ghibli incluyendo sus cortos, trabajos publicitarios, merchandising y un buen número de curiosidades que completaremos con nuestra visita a su museo en Mitaka, Japón.

Esperamos que os guste y la espera haya merecido la pena.
Permaneced atentos.

En Zona Fandom | Especial Studio Ghibli

Después de diez años de descanso tras completar Mis vecinos los Yamadas, Isao Takahata vuelve a ocupar el puesto de director en la próxima película del Studio Ghibli, Taketori Monogatari (La historia del cortador de bambú), una nueva adaptación de una antigua leyenda japonesa acerca de la princesa Kaguya, encontrada siendo bebé en el interior del tallo de una planta de bambú brillante. La historia es muy popular en Japón y cuenta con diferentes versiones de imagen real y animación, incluyendo la película InuYasha y el Castillo de ilusiones al otro lado del espejo de Rumiko Takahashi, pero no cabe duda de que Ghibli sabrá hacerla suya dejando en el olvido a todas las demás versiones del mismo modo que solía hacer Disney con Blanca Nieves o Pinocho. La película se estrenará el año que viene.

Las primeras referencias a esta nueva película datan de febrero de 2007 pero no tuvimos una confirmación oficial hasta el año pasado cuando Koji Hoshino, el nuevo presidente del estudio Ghibli, indicó que tanto Takahata como Goro Miyazaki se encontraban trabajando en dos nuevos proyectos tras el estreno de Ponyo en el acantilado de Hayao Miyazaki.

Y hablando de Miyazaki, el justificadamente idolatrado director se encuentra en conversaciones con el equipo del estudio para hacer dos nuevos largometrajes en los próximos 3 años. Sin embargo, los detalles son escasos y esto podría significar tanto que piensa dirigirlas él mismo como que se encuentra buscando directores para ellas. Esperemos que sea lo primero y las amenazas de retirarse queden guardadas en el cajón unos cuantos años más.

Vía | /Film

El otro día Roberto nos hablaba del Totoro Forest Project, una iniciativa ecologista de Ghibli para la conservación del bosque de Sayama a las afueras de Tokio. Tras rebuscar un poco en la web japonesa del estudio de animación me he encontrado con este vídeo sobre del Blu-ray + DVD Oga Kazuo Exhibition: Ghibli No Eshokunin – The One Who Painted Totoro’s Forest dedicado a Kazuo Oga, el director de arte e ilustrador de fondos de muchos de los más afamados trabajos de Ghibli (incluyendo Mi Vecino Totoro, La Princesa Mononoke y El Viaje de Chihiro).

Resulta que el año pasado el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio realizó una exhibición en la que se mostraron más de 600 ilustraciones de este extraordinario artista y que finalmente ha propiciado la elaboración de este documento único que recopila todas las imágenes y añade un documental de 72 minutos titulado “Quién pintó los bosques de Totoro”, un vídeo de 20 minutos sobre el proceso creativo de Oga mientras realizaba la portada del libro de ilustraciones que publicó en 2005 y 40 minutos de entrevistas al director (y co-fundador de Ghibli) Isao Takahata, el experto en arte Nobuo Tsuji, el jefe del departamento artístico de Ghibli Naoya Tanaka y el director de arte Shichiro Kobayashi. Además, el Blu-ray contiene también 35 minutos adicionales en alta definición en el que podemos ver al artista realizando la carátura del disco en cuestión.

Hablando de Isao Takahata (La Tumba de las Luciérnagas, Only Yesterday…), según informa Nausicaa.net, el presidente del estudio Ghibli Koji Hoshino ha confirmado que el director está preparando una nueva película, algo que en principio ya se anunció en febrero del año pasado pero que ahora describe como más “definitivo”. Hoshino ha mencionado que Goro Miyazaki también está trabajando en su próximo proyecto tras la irregular Cuentos de Terramar y que el estudio está considerando promocionar a uno de sus animadores para que dirija su propia película o reclutar a un director externo.

Vídeo | Veoh

Atentos a este vídeo de diciembre de 1984, una prueba de animación de Little Nemo dirigida por Yoshifumi Kondo (Whisper Of The Heart) bajo las órdenes de Hayao Miyazaki e Isao Takahata cuando estos estaban implicados en la preproducción de esta película. Lástima que ambos decidieran abandonarlo para trabajar en otros proyectos a causa de sus diferencias creativas con la productora.

Little Nemo: Adventures In Slumberland (El Pequeño Nemo: Aventura en la Tierra de los Sueños) es toda una leyenda en el mundo de la animación a causa de la enorme cantidad de artistas que estuvieron implicados en ella en un momento u otro durante la década que le costó a la TMS (Tokyo Movie Shinsha) sacar el proyecto adelante. George Lucas, Chuck Jones, Gary Kurtz, Ray Bradbury, Chris Columbus, Moebius, John Canemaker, Frank Thomas o Brad Bird entre otros muchos llegaron a subirse al carro de esta adaptación de la obra maestra del comic de Winsor McCay que terminaron codirigiendo Bill Hurtz (George de la Jungla, El Unicornio en el Jardín) y Masami Hata (Sea Prince and the Fire Child).

Hace demasiado tiempo desde que vi la película como para recordar si lograron sacar algo en claro de tal batiburrillo pero no me temblaría el pulso lo más mínimo si pudiese borrarla de la faz de la tierra y hacer realidad la versión de Miyazaki. Que sencillo es dejar volar la imaginación.

Vía | 4 color rebellion
Vídeo | Little Nemo Test Film (Youtube)