Actualmente la serie regular de la JSA cuenta con una salud envidiable (a ver si aprende Batman) gracias a la buena mano de Geoff Johns, alias “estoy en todo DC”. Sus últimas tramas son un ejemplo de equilibrio perfecto entre las clásicas refriegas a base de mamporros y unas profundas radiografías personales de cada uno de los miembros del grupo.

JSA All Star, que recopila la serie limitada del mismo nombre publicada dos años antes de la actual serie abierta, sigue en bastante medida la misma tónica que esta última. ¿De quien es la “culpa”? Pues en gran medida del mismo Geoff Johns, quien guioniza algunos de los números de esta serie limitada.

Pero no solo de Johns vive el hombre, y otros nombres fácilmente reconocibles, como David S. Goyer ( autor del guión de Batman Begins y El Caballero Oscuro), Michael Chabon (novelista creador de la tormentosa “Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay”) o James Robinson (Starman, Wildcats) y otros quizás no tan en boca de todos como Darwyn Cooke (Solo) o Howard Chaykin (American Flagg!, La Sombra).

JSA All Stars empieza con una burda excusa, una simple trama poco atractiva que da a pie a una búsqueda interior de los miembros más jóvenes de la JSA. Hay que recordar que de la JSA original sólo permanecen en activo cuatro miembros: The Flash (Jay Garrick), Wildcat, Green Lantern (Alan Scott) y Hawkman. El resto de miembros han recibido el honor de formar parte de la JSA de sus predecesores, los cuales en su mayoría pasaron a mejor vida.

El secuestro de los cuatro miembros originales obliga a los más jóvenes (incitados por un Hal Jordan poseído por El Espectro) a buscar su mayor miedo interior y aprender a combatirlo, evitando así que dicho miedo se convierta en la mayor arma del villano de turno, el demonio Legado.

Esta es la mencionada excusa. A partir de aquí empieza lo bueno. A través de cada uno de los números recopilados, conoceremos más en profundidad a los miembros más recientes de la JSA, con tramas que van desde lo más banal y directo a lo más elaborado y rizado. Como ejemplo de lo primero se puede poner la historia de Hawkgirl, mientras que el segundo nivel lo tendríamos con la trama del Mr. Terrific original escrita por Chabon.

Ah, cierto, que no lo he mencionado. Los miembros más recientes de la JSA no serán los únicos protagonistas de JSA All Stars, sino que sus predecesores cuentan también con números dentro de este tomo, intercalándose justo después de su homónimo moderno. El detalle, siempre agradecido para los que desean iniciarse en el mundo de DC, son los pequeños prólogos que acompañan a cada uno de los tramos del recopilatorio (cada uno protagonizado por un héroe distinto), en los cuales se explica brevemente el origen de las dos versiones del protagonista en cuestión, aclarando el destino del predecesor en el caso de este. Las dos historias que prosiguen después de cada prólogo son el complemento perfecto para este, siendo en conjunto una breve pero esclarecedora carta de presentación del personaje y lo que significa para él llevar el legado que ha recaído (buscándolo o no) sobre él o ella.

JSA All Stars sirve como perfecto inicio para todo aquel que quiera conocer en gran parte a la actual JSA (hay miembros que se han unido más recientemente pero no se puede tener todo). Es una gran radiografía grupal e individual de sus miembros que a la vez cuenta con una línea narrativa amena y bastante fugaz. Por desgracia no todas las historias están al mismo nivel, aunque este no es motivo suficiente para echarse atrás y no darle una oportunidad a la JSA.

Lo admito: soy fan de las slash movies, pelis donde los adolescentes tontitos se dejan asesinar gustosamente por psicópatas para solaz del espectador palomitero. Soy fan desde que era pequeño y pasaba miedo con muchas de ellas y sigo siéndolo a pesar de que, desde hace tiempo, cuesta mucho encontrar algo de terror en ellas. Es decir, fan en el mismo sentido que puedo serlo de muchas pelis de serie Z.

Admito que me encantó la primera Scream y cómo Wes Craven y Kevin Williamson jugaban de una manera metalingüística con este sub-género del cine de terror. Por mucho que Scary Movie lo intentase, nada se ríe más de los tópicos de este tipo de cine que la primera película de la saga, si bien es cierto que en las sucesivas entregas la cosa degenera bastante.

Pues bien, ya conocemos unos cuantos detalles de la cuarta entrega, que desde que se anunciara en julio apenas había dado noticias:

• Kevin Williamson, responsable de dos de los tres guiones de la saga, ya ha empezado a hacer un borrador. Esto no quiere decir que vaya a ser el responsable final del guión de rodaje, pero es bastante posible.
• También es muy posible que Wes Craven vuelva a ponerse tras las cámaras. Nueve años después de rodar Scream 3, a Craven parecen haberle vuelto las ganas de practciar el género que mejor conoce.
• David Arquette, Courtney Cox y Neve Campbell no serán protagonistas, sino que saldrán en forma de cameos (siempre que acepten la oferta económica)
• Será la más juvenil de las cuatro Scream. O sea, slash hasta la médula.

Vía | Bloody Disgusting

Una de las sugerencias que nos dejasteis en la encuesta de lo mejor de 2008 fue crear un buzón del lector en el que podáis mandar las dudas y sugerencias que tuvierais. El caso es que tenemos un formulario de contacto desde el principio y no sois pocos los que lo mandais cosas para que las reseñemos. Así que os recuerdo que podéis mandar allí, ademas de las sugerencias, críticas y hentai vuestras dudas y nada mejor que una nueva entrega de ZonaFandom Responde para demostraros que el buzón del lector lo tenéis a vuestra completa disposición.

En esta ocasión el amigo Yen nos envía una pregunta muy interesante:

Vereis, tengo un \“problemilla\” y queria ver si me podiais ayudar. Resulta que las paginas que solia visitar y en las que me descargaba anime, la mayoria o bien las han chapado, o bien las que quedan vivas apenas las actualizan. Hoy ha sido cuando me he dado cuenta que ya no me queda en la recamara ninguna pagina web decente para descargar anime y queria, si pudiera ser, que me recomendaseis algunas (muchas muchas MUCHAS :D).

Bien, la solución ideal sería “acércate a tu videoclub, tienda especializada, centro comercial favorito y allí lo compras todo porque hay de todo y a buen precio” Pero me temo que eso sería en un mundo utópico en el que el anime se distribuya y/o se emita en todo el mundo al ritmo nipón. Lo cual no hace desmerecer el trabajo que hacen distribuidoras como Jonu Media y Selecta Visión para acercar el anime al público español. Pero hay que reconocer que normalmente traen las series de primera línea de popularidad, dejando atrás gran parte de la producción japonesa.

Este problema hace que tengamos que recurrir a los fansubs, grupos de fans que se dedican a subtitular y distribuir tanto series anime como algún que otro dorama. Estos fansubs, una vez realizan su trabajo, ponen a disposición del público la descarga de esa serie. Así que vayamos al meollo de la cuestión. ¿De donde bajar anime?

En este artículo os voy a decir dos sitios que suelo utilizar para tal fin, y un tercero que no uso tanto, de hecho prácticamente el 99% del anime que descargo lo hago a través de una de estas páginas. Después espero que vosotros me ayudéis a completar esta lista con otros sitios quizás más o menos conocidos pero igualmente interesantes para realizar una lista lo más completa posible.

Comenzamos con Frozen-Layer, que además de fansub, es una estupenda página en donde encontraremos trackers de BitTorrent de los episodios que vayan saliendo de multitud de animes y doramas. Además tiene enlaces para que puedas ver el anime online.

La otra opción que pongo en la mesa es MCAnime que, aparte de recibir notificaciones de los distintos fansubbers sobre nuevos episodios tiene un excelente directorio de anime en Descarga Directa, que normalmente podéis encontrar en multiservidor. Además en el foro podéis encontrar manga.

Ambos tienen un catálogo nada desdeñable, aunque hay series que están en Frozen Layer que no están en el otro. Una tercera opción, aunque yo casi no la uso, es El Rincón del Manga. En donde además de anime y manga en descarga directa también lo encontrarás mediante P2P con protocolo e2dk (eMule).

Espero que con estas tres páginas el amigo Yen pueda saciar su hambre de anime. Estas son las tres opciones que ofrezco, evidentemente hay algunas más. Pero eso lo dejo a vuestra discreción, así que espero que comentéis diciéndonos cual es vuestro sitio favorito para estos fines.

Por lo demás nada más, despido esta segunda entrega de ZonaFandom Responde instándoos a contactar con nosotros para plantearnos vuestras preguntas y dudas a través del formulario de contacto. Sois bienvenidos.

Enlaces | Frozen Layer — MCAnime — El Rincón del Manga

Ya sabemos qué quería decir “Klaatu barada nikto!”. Al menos, en la nueva versión cinematográfica de Ultimatum a la Tierra debe de ser algo como “ni se te ocurra venir a verla, terrícola, porque es un pestiño de dimensiones monumentales”. Resulta complicado saber por qué se decidió hacer un remake, más allá del obvio sentido económico de la cosa: ¿alguien de los que inició la producción del film entendió la original? Y no hablo del mensaje, que se ha visto replicado en numerosas películas modernas, sino de su sentido del ritmo y del suspense y de su capacidad para crear una amenaza consistente.

La nueva Ultimátum a la Tierra trata de adelantar a la original por el único espacio que cree posible: el de los efectos especiales. Ésta es la mayor trampa del cine actual; el de todos los géneros, desde luego, pero especialmente el de ciencia ficción: se cree superior al de los 50 porque tiene mejores medios técnicos para presentarse creíble ante el espectador. Pero debería existir algo más, porque dentro de 50 años los FX de hoy en día también serán antiguos.

Claro que la original Ultimátum a la Tierra ha envejecido. Para un espectador poco acostumbrado al cine de esa época, puede resultar hasta risible. Si se ríen, que rían, pero resulta un poco triste ver cómo se aplaude con las orejas cualquier chorrada sin corazón ni alma, mientras se obvia que, más allá de lo rudimentario de su técnica de efectos especiales, los clásicos siguen vigentes por su manera de entender el cine, de darle vida.

Hoy en día, en películas como la nueva Ultimátum a la tierra, el cine no está vivo. Más bien se desplaza como la lagartija descabezada, a base de coletazos sin sentido. En el caso de la película dirigida por Scott Derrickson, las escenas pasan sin que uno tenga muy claro hacia dónde dirigen. En vez de mostrar la autoridad de la película original como padre y madre de gran parte del cine de sci-fi desde los 50 hasta ahora, se conforma con acumular tópicos desmadejados, puestos sin orden ni concierto a lo largo de casi dos horas de vacío absoluto.

Hagamos una prueba: saquemos a todos los personajes que aparecen en la película, pero mantengamos las escenas. Adiós a Keanu Reeves y a Jennifer Connelly. Adiós a John Cleese también. ¿Se resentiría la película? ¿Sería aún peor? ¿Se notaría su ausencia o Ultimatum a la Tierra seguiría siendo la misma película, 103 minutos que no avanzan ni retroceden, que no son capaces de decir nada al espectador, de crear relaciones, de transmitir miedo?

Todo está rodado con la eficacia de las máquinas: las escenas de la gente huyendo, las de la descomposición terrestre o las de los ataques militares. ¿Y? ¿Funcionan? No: como el robot que acompaña a Klaatu, el trabajo se hace de forma inmisericorde, si plantearse si está bien o mal, si hay algo por detrás.

“Klaatu barada nikto!”. Debe de ser el grito lastimero de los propios extraterrestres: humanos, lo habéis vuelto a hacer, otro clásico que os cepilláis por dinero.

Por mucho que a Garth Ennis ya le hayamos pillado el truco, yo me esperaba algo muy diferente de 303 (Glénat) de lo que me he encontrado. La historia del soldado perfecto en medio de un ejército en decadencia prometía, al menos, cierta diversión estilo Ennis y, además, quienes ya lo habían leído hablaban de un afán por trascender más allá de la bofetada gamberra.

En realidad, lo que tenemos aquí esa un Ennis demasiado consciente de que está haciendo “uno de los cómics de su vida”. Parece como si el siempre excesivo autor se hubiese mirado el espejo, contemplado algunos de sus defectos y querido demostrar que es capaz de hacer mucho más que de poner el piñón fijo. Pero, por desgracia, de tan serio que se ha puesto ha acabado por aburrirnos.

303 es un cómic plagado de meditaciones trascendentales, de filosofía sobre la guerra, los soldados y cómo se les utiliza cuando se les necesita para luego abandonarles a su suerte. Nada que no hayamos visto ya, especialmente gracias a unos Estados Unidos a los que nunca les dejará de sangrar la herida de Vietnam.

Para narrar eso, Ennis plantea tres etapas en un camino suicida y con un viejo rifle como hilo conductor. Los problemas son varios: el primero, que la obra no acaba de coger el ritmo que plantea. Ni es un tebeo bélico ni tampoco uno reflexivo. Se queda a medio camino de sus propósitos y parece como si Ennis hubiese rellenado los huecos que dejaban los discursos mentales de los personajes con secuencias al azar. ¿Alguna de ellas marca realmente la evolución del militar ruso protagonista? De hecho, ¿cambia en algo el personaje con los acontecimientos, como parece hacernos creer Ennis? Yo creo que no y que todo está supeditado a la última escena. Para ese viaje, seis números son demasiadas alforjas.

Y luego está el dibujo de Jacen Burrows, muy por debajo de lo esperado: Realismo torpe, sin capacidad para diferenciar unos militares de otros, sin matices, todo visto antes y mejor hecho.

303 acaba siendo una obra decepcionante, a la que Glénat ha tratado mejor de lo que se merece y que está recomendada sólo para seguidores y fanáticos de la obra de Garth Ennis. El resto tendrá mejore sitios donde invertir su tiempo.

La diferencia principal entre la obra de Asamiya, Batman: Children of Dreams, y este Batman: La Máscara de la Muerte, es que la primera fue originariamente publicada en Japón, mientras que esta segunda fue una obra manga orientada en un principio al mercado USA, alcanzando el curioso honor de ser la primera obra con sentido de lectura oriental en publicarse en norteamérica. Y atención que estamos hablando de un manga publicado este mismo año en USA, así que nos podemos hacer una idea de la poca aceptación de este género en Estados Unidos, al menos respetando su formato original.

En Batman: La Máscara de la Muerte se intenta dar una segunda versión del origen de la iconografía del caballero oscuro. Por todos es conocido el hecho de que Bruce Wayne eligió la estampa de un murciélago con el propósito de amedrentar a los villanos de Gotham City, pero ¿y si no hubiera sido así? En este manga, Natsume barre para casa y nos deja intuir, porque la verdad es que no lo pone sobre la mesa explícitamente, que el origen del intimidador traje del héroe estuvo en Japón, mientras un joven Bruce Wayne se formaba para llegar a ser el justiciero de Gotham.

Pero los recuerdos de juventud no copan todas las páginas de este manga. El resto de este volumen único lo ocupa una trama más bien simplona en la que Batman deberá descubrir quien está detrás de una serie de asesinatos realmente grotescos en los que a las víctimas se les arranca literalmente la cara, sirviendo de trofeo al asesino. ¡Guau, gore en Batman! Pinta bien, ¿verdad? Pues va a ser que no.

Durante prácticamente toda la lectura de este manga no he visto al Batman al que nos tiene acostumbrado DC. Sé que para algunos eso puede ser un buen signo, pero creed que este no es el caso. Aquí Batman no será el detective con gran fama que en el fondo es, sino más bien un pobre pringado que se encuentra siempre en el peor lugar y en el momento justo. No controla la situación casi en ningún momento sino que más bien se “sienta” a ver lo que pasa, mientras realiza flashbacks mentales recordando su estancia de mochilero en Japón, entrenando en un dojo.

Quizás penséis que la trama general salve a esta obra, pero la verdad es que no lo hace en absoluto. Esta es muy predecible y sigue los cánones más antiguos en lo que se refiere a historias conectadas en dos momentos temporales distintos. De seguro que muchos descubriréis el “gran secreto” de la historia apenas transcurrida una cuarta parte de la lectura. Sobre el final no me quiero parar a hablar porque simplemente me parece de los más tópico y anticlimático que se puede encontrar. Aunque podría ser peor, Grant Morrison lo demostró no hace mucho con su Batman e Hijo.

Hablando del apartado gráfico (mira, como en los videojuegos) hay que decir que personalmente prefiero los diseños de Natsume a los de Asamiya. Lo siento, no puedo con las narices de medio metro que dibuja Asamiya. Así que es de agradecer el ver unos personajes con la cara más proporcionada y realista perfilados con un trazo limpio y bien definido.

En resumen, Batman: La Máscara de la Muerte no deja de ser curioso al tratarse de un manga basado en uno de los pilares de DC, pero falla estrepitosamente al intentar entrar en la lista de historias a recordar y a tener en cuenta del hombre murciélago. Almenos el dibujo es bastante buen, aunque no sirve como excusa para salvar por completo esta obra. Una pena, ya que quizás esto espoleé aún más a los americanos a alejarse del manga como formato para sus héroes.

En su web oficial Johns ha publicado una nota en la que explica los motivos de dicha decisión, además de indicar que el dibujante Dale Eaglesham y el editor Michael Siglain también le acompañarán fuera de la serie. En resumidas cuentas, la causa de esta decisión ha sido el interés por parte de Johns de centrarse en otros personajes de la casa DC. Concretamente ha mencionado a Flash y Superman como objetivos primarios (todo apunta a que se hará cargo de la serie del relámpago rojo) y ha recalcado su obsesión por Green Lantern y La noche más oscura.

El fin de la época Johns, que ha durado ocho años, llegará en el número 26 de la serie regular, y se tratará de un número autoconclusivo titulado Black Adam ruined my birthday (Black Adam arruinó mi cumpleaños) que retoma la saga de Black Adam y su esposa Isis, a la cual vimos nacer de nuevo en 52, de manos del propio Johns.

Así que para nada esto significa la ruptura del matrimonio DC-Johns, el cual inició su andadura hace casi ya diez años, y todo pinta a que la cosa, salvo que ocurra una gran crisis (que de eso DC sabe mucho), va a durar por mucho más tiempo. Y que nosotros lo veamos.

Vía | Conociendo el Universo DC y Zona Negativa

Vuelve X-Force y regresa con un concepto muy similar al que tenía cuando nació: ahora los mutantes hacen pupa, ya no sólo golpean, sino que pueden matar. El “grupo de operaciones especiales” del Instituto Xavier resurge de sus cenizas tras los sucesos de Complejo de Mesías y nada menos que de la mano Craig Kyle y Chris Yost, las mismas mentes pensantes que han hecho de sus New X-Men una de las mejores series mutantes de los últimos años.

En todo caso, aquí el enfoque parece, ya desde el primer número, a su paso por la colección más joven de la franquicia. Ahora Kyle y Yost quieren ponernos ante un tebeo de pura diversión, “palomitero”, si me permitís la expresión. Esto, por sí mismo, no es ni bueno ni malo: todo dependerá de cómo consigan desarrollarlo los guionistas en próximos números. De primeras, el estreno resulta entretenido, que a veces es suficiente, pero es justo exigir más a quienes sabemos que pueden darlo.

Esta vez Kyle y Yost no se han complicado demasiado la vida: dedican más de la mitad del cómic a contar como se pone en marcha esta nueva X-Force y lo hacen con ritmo y bien. Ahora que parecen haberse puesto de modas las series de supergrupos que tardan una eternidad en encontrar a sus miembros (¿recordamos el paso de Brad Meltzer por la JLA?), aquí todos los personajes están, en un momento, metidos en harina.

Otra cosa es que vayas buscando mucho más. Si quieres un tebeo con altas aspiraciones, éste no lo es. Si necesitas un cómic con subtramas e hilos sueltos, de momento este tampoco es tu sitio. Si lo que buscas, simplemente, es pasar un rato entretenido viendo a mutantes comportarse como asilvestrados, ¡enhorabuena! Ahí no falla el debut de X-Force, que, además, deja por fin una caracterización de Lobezno que no es la del típico matón-chulo-de-playa, sino la de un tipo duro, sí, pero no de encefalograma plano. Algo es algo

Lo demás, con un buen dibujo de Clayton Clain, es sangre a borbotones, secundarios muriendo como en las películas de Steven Seagal (o sea, porque pasaban por allí) y poco más, incluido un cliffhanger que, bueno, no impresiona demasiado. Lo cierto es que tampoco estos villanos, de segunda fila para un equipo de asalto como el que presenta X-Force.

Ahora la cuestión es ver si la serie consigue divertirnos más allá del primer impacto, en meses posteriores. Ésa será la verdadera prueba de fuego para Kyle y Yost.

Planeta estrena en diciembre una de las series de superhéroes más esperadas de los últimos tiempos después de las buenas críticas recibidas en EEUU, el Booster Gold de Geoff Johns y Dan Jurgens. Se trata de una revisión más del personaje que, en los 90, parecía ser algo así como el más tonto de la JLE, también el más jeta. Sólo que ahora Geoff Johns no sólo ha querido tomárselo en serio, sino que, además, lo ha aprovechado para dar un repaso a la historia de DC.

Porque en Booster Gold lo que hacen los autores es jugar con algunos sucesos míticos en la historia de la editorial. Casi se puede decir que este cómic es un homenaje a Regreso al Futuro, pero ubicado dentro del Universo DC. Como la mítica película de los 80, tiene peculiares viajes en el tiempo, gente que trata de cambiar el pasado para su propio beneficio y muchísimo humor. Como en ella, la diversión impera.

Booster Gold, tras salvar al mundo en 52 (y que nadie se enterase) quiere convertirse en un superhéroe respetado, por lo que solicita a la JLA su incorporación al grupo. Pero esos planes quedarán en nada cuando Rip Hunter, el señor del tiempo, le comunique que su misión consiste en evitar, sin que nadie se entere, que alguien cambie el pasado de otros superhéroes. Booster es la persona ideal, porque nadie le toma en serio, ni siquiera sus enemigos. Booster acepta con una condición, que podréis saber si leéis el cómic.

Así que, en los tres primeros números USA que Planeta recopila ahora en el lanzamiento de su serie mensual, Booster comienza a recorrer la historia de DC buscando solucionar algunos pequeños problemas. Por ejemplo, que Sinestro elija a Guy Gardner primero en vez de a Hal Jordan. O que el tatarabuelo de Jonathan Kent nunca nazca, lo que cambiaría, a mucho peor, la vida de Superman.

Los métodos de arreglar los problemas no serán nada obvios y se agradece que Geoff Johns no haya hecho un cómic de peleas. Al contrario, en Booster Gold desarrolla un sentido del humor finísimo y una imaginación desbordante: en cada página espera una nueva sorpresa y un respeto absoluto por la historia de DC y por Booster Gold, quien, pese a que la historia tenga tono de comedia, se va revelando como un héroe trágico.

Además, están los homenajes al pasado, para los que se agradece que Planeta haya incorporado una serie de anotaciones finales que explican mejor qué sucede en cada página. Porque el trasfondo de Booster Gold es muy denso, con mil sucesos incorporados a la serie, con años de historia editorial por detrás que Geoff Johns y un Dan Jurgens que mejora lo hecho en los últimos tiempos moldean a su gusto.

Inteligente, adictiva, hecha para ser releída una y otra vez y muchas cosas buenas más, Booster Gold demuestra dos cosas: que Geoff Johns sigue en estado de gracia y que los personajes que mejor funcionan en editoriales con tanto peso histórico como Marvel y DC son los secundarios, porque los guionistas y dibujantes pueden moldearlos a su gusto. Claro que para eso hay que saber hacerlo. Lo dicho: imprescindible.

(Mención especial al chiste de Rip Hunter en el que Geoff Johns ridiculiza sus propia Crisis Infinita y la excusa de que se habían introducido anomalías en la continuidad de DC por culpa de unos puñetazos. Ya digo, humor del fino.)

¡Toca recuperar la vena nostálgica, folks! La peli de los Wachowski sirvió para refrescar la memoria de los más despistados y para tratar de enganchar a las nuevas generaciones al peculiar universo automovilístico de Meteoro. Sin embargo, el mejor homenaje que se le podía hacer al personaje era recuperar el manga original que Tatsuo Yoshida dibujó a finales de los 60. Una labor que ha llevado a cabo la gente de Dolmen a través de dos tomos recopilatorios.

El manga de Yoshida tiene varias virtudes que vale la pena destacar frente a las limitaciones que tiene a ojos de lectores adultos una obra dirigida principalmente al público infantil. En primer lugar, las posibilidades que consigue exprimir de un género que a priori parece reducirse a ofrecer vertiginosas escenas de conducción y poca estima por la propia seguridad. Episodios como la carrera subterránea en territorio inca confirman que cualquier historia puede ser interesante si la aderezamos con generosas dosis de imaginación.

Los personajes también son otro punto a tener en cuenta, aunque me inclino más por los secundarios que por el propio Meteoro, que si bien cumple con el afán de superación que debe caracterizar a un héroe, tiene cierto deje mojigato que no termina de ganarse mi simpatía (por no hablar de sus pestañas retocadas con L’Oréal). En cambio, los pilotos a los que debe enfrentarse en sus diferentes aventuras, con El Piloto Enmascarado a la cabeza, aportan la chispa necesaria para que la historia no caiga en la repetición.

Así como pasaba, por ejemplo, en Oliver y Benji, los adversarios que van apareciendo disponen de diferentes artimañas y habilidades, a cual más extravagante, relacionadas en este caso con el mundo de la conducción. Mientras que en el campo de fútbol los gemelos Derrick ponían en aprietos al New Team con su acrobática catapulta infernal, Meteoro tendrá que enfrentarse contra El Equipo Acróbata, que no escatima en peripecias imposibles al mando de sus vehículos para tratar de hacerse con la victoria.

Para mí es precisamente esto el encanto del manga (y por ende, de la adaptación animada): la expectación por ver cuál será el siguiente desafío de Meteoro (en forma de insólitos circuitos) y qué trucos guardarán en la manga sus siguientes competidores.

El trabajo de su autor destaca por su buena mano para las escenas de acción y velocidad. Hay momentos en que te sumerge de lleno en el ritmo frenético de las carreras, y sólo te falta amarrar fuerte el tomo a modo de volante y girarlo de derecha a izquierda para creer que te has convertido en una especie de Fernando Alonso con pantalones de campana y entripao de LSD (creo que eso es precisamente lo que les pasó a los Wachowski).

En cuanto a la edición de Dolmen, se agradece el esfuerzo por recuperar la obra original al completo. La edición se presenta en dos tomos con solapas de 300 páginas cada uno a un precio de 18 euros. El formato es bastante más grande que el de las ediciones manga habituales y también querría destacar que en este caso la rotulación es bastante mejor que en otras publicaciones de la editorial. Y aunque es posible que lo hayan dejado para el segundo volumen, por ahora echo en falta algún artículo que sitúe la obra en su época y que analice la evolución del personaje con el paso de los años.

Un revival interesante que, eso sí, deberá buscar su radio de acción entre los lectores más jóvenes. Ya que los veteranos que no hayan pasado su infancia demasiado enganchados a la tele, o que sintonizaran otros canales durante la emisión de Meteoro, no contarán con el citado aliciente nostálgico para asomarse a las páginas de este clásico nipón.

Más información | Dolmen